Paul Klee, Ad Parnassum, 1932. Tuval üzerine yağlıboya, 100×128 cm. Sanat Müzesi, Berna.
Soyut Sanatın Temel Kavramları
Okuyucuya bir "ne zaman" ve "nerede" bilgisi verelim: avangard bir sanat hareketi olan soyutlama, 20. yüzyılın başlarında Almanya'da doğdu ve ülkenin birbirinden oldukça uzak çeşitli bölgelerine yayıldı. farklı görsel ve kavramsal varyasyonlara büründü. Özünde soyut sanat, özü önceki sanatsal geleneklerden özgürleşmiş gerçeklikleri araştıran, renklerin ve formların bir anlatının yeni odağı haline geldiği, sanatçının duygularını, fikirlerini ve deneyimlerini ifade etmeye hazır eserlerin yaratılması etrafında dönen tüm sanatsal üretimleri ifade eder. . Soyut olmanın iki yolu olduğunu belirtmek önemlidir: kısmi ve tam. İlk durumda, hala tanımlanabilir konuları sunan ancak bunlar basitleştirilmiş, çarpıtılmış, gerçekçi olmayan bir şekilde aktarılmış veya alışılmış bağlamından çıkarılmış eserlerden bahsediyoruz. Tam soyutlama ise bağlamların temsilini aşan, gerçek görsel gerçeklikten ilham almayı amaçlayan yaratımları ifade ediyor. Her iki durumda da amaç, sanatın amacına ve anlamına meydan okumak, potansiyel olarak onu çevreleyen dünyayla olan ilişkisinden kurtarmak ve sanatsal üretim olarak anlaşılabilecek şeyin sınırlarını genişletmektir. Sonuç olarak bu, sanatı ele almak ve onu daha açık ve deneysel tarzlara yönlendirmek için daha geleneksel estetik kurallara meydan okuyor. Bunlar, bazen çok karmaşık ve mecazi konularla sınırlandırılması zor olan felsefi ilkeleri ve ideolojileri, fikirleri ifade etmek istendiğinde özellikle etkilidir. İzleyici de bu "oyuna" dahil oluyor ve izleyicinin rolü yeni bir önem kazanıyor: gördüklerini hem kendi tarzında hem de sanatçının bakış açısıyla karşılaştırarak yorumlamak. Artık içinde faaliyet gösterdiğimiz tarihsel ve sanatsal bağlamı kısaca açıklığa kavuşturduğumuza göre, gösterilen resimlerin tarihlerine göre kronolojik sıraya göre yukarıda bahsedilen anlatının devamı sayılabilecek ilk 10'umuzla başlayabiliriz. söz konusu hareketin çeşitli evrimlerini sunuyor.
Vasilij Vasil'evič Kandinskij, İsimsiz (İlk Soyut Suluboya), 1910. 49,6x64,8 cm. Centro Georges Pompidou, Paris.
En iyi 10
1.Wassily Kandinsky, İsimsiz (İlk Soyut Suluboya) (1910)
Neden Kandinsky ile başlamalıyız? İsimsiz'i listemde bir numaraya koymayı seçtim çünkü eleştirmenler bunu Soyut Sanat'ın başlangıcı olarak görüyor. Bu suluboyada Rus ressam, görünür dünyaya yapılan her türlü göndermeyi ortadan kaldırarak müzik ve resim arasında bir sentez yaratarak duygulara ve ruh hallerine gönderme yapan tamamen yeni görüntüler üretti. Bu, özenle seçilmiş renkler, çizgiler, noktalar ve noktaların son derece uyumlu bir şekilde düzenlenmesiyle sağlanır. Kandinsky'den önce Kübizm ve Empresyonizmin, Braque'ın, Picasso'nun veya Monet'nin daha sonraki nilüferlerinin eserlerinde görüldüğü gibi görsel kavrayışın sınırlarını zorladığını belirtmekte fayda var. Bununla birlikte, çalışmalarında gerçek görsel dünyaya yapılan bazı göndermeler hala varlığını sürdürüyordu; oysa İsimsiz'de Kandinsky, somut gerçekliğe yapılan tüm göndermeleri kasıtlı olarak ortadan kaldırmaya karar verdi ve yalnızca kendilerini temsil eden çizgiler, noktalar ve işaretler çizdi. Suluboyaya, bazıları diğerlerinden daha yoğun olan ve takımyıldızları andıran bir küme oluşturan kahverengi, sarı ve turuncu lekeler hakimdir. Bu unsurların ritmi, renklerin uyumlu kullanımı ve işaretler arasındaki ilişkiyle birleşerek kompozisyon hissi verir.
Joan Miró, Avcı (Katalan Manzarası), Temmuz 1923-kış 1924. Tuval üzerine yağlıboya, 64,8 x 100,3 cm. Anne, New York. @steph888
2.Joan Miró, Avcı (Katalan Manzarası) (1923-24)
Kronolojik uygulama sırasına göre sıralamamda ikinci sırayı Avcı (Katalan Manzarası) adlı tablosuyla Joan Miró alıyor. Bu sanat eseri yukarıda bahsedilen kısmi soyut sanat kavramını örneklendirmektedir. Bunu rahatlıkla söyleyebilirim çünkü dikkatli bir inceleme sonucunda, başyapıt, insan ve hayvan figürlerinin yer aldığı kendine özgü bir manzara tasvirini ortaya çıkarıyor ve sanatçının, ailesinin Montroig'deki (Katalonya) çiftliğinde yaşadığı hayatının belirli bir dönemine gönderme yapıyor. İzleyiciyi neden İspanya'daki bu yere götürüyorsunuz? Tablo, Katalan bayrağının varlığıyla birlikte "sard" kelimesiyle açıkça ifade edilen bölgenin geleneksel dansına yapılan göndermede de açıkça görülen, Katalan milliyetçiliğine yönelik belirli bir eğilimi vurgulamayı amaçlayan, gerçekten de ustanın memleketinden söz ediyor olabilir. İspanyol ve Fransız bayrakları gibi. Bu tür yorumlar bir yana, eserde kesin olan şey, sanatçının kendisini temsil ettiği, diğer örneklerde olduğu gibi avcı kılığında resmedildiğidir. Tuvalin sol tarafında yer alan, elinde yeni öldürülmüş bir tavşan ve hala dumanı tüten bir tüfek tutan, üçgen başlı stilize figürden bahsediyorum. Bununla birlikte, anlatılan her şey rüya gibi bir alan içinde de yorumlanabilir; çünkü sürrealist başyapıt, otomatizmin bir ürünüdür, bilinçaltının kullanımı, gerçekliğin yeni formlarını ve yorumlarını oluşturmaya yardımcı olur.
Piet Mondrian, Kırmızı, Sarı ve Maviden Oluşan Kompozisyon, 1930. Tuval üzerine yağlı boya, 45 cm × 45 cm. Kunsthaus Zürih
3.Piet Mondrian, Kırmızı, Sarı ve Mavi ile Kompozisyon (1930)
Piet Mondrian'ın ve onun ünlü Kırmızı, Sarı ve Mavi Kompozisyon'unun, iki savaş arası dönemde, sanatçının kariyerinin zirvesinde yarattığı eseriyle tam soyutlamaya dönelim. Koşullar göz önüne alındığında, kendisini daha sakin hissetti ve kendisini neoplastik sentez hedefine yönelik sanatsal araştırmalarına adayabilecek kapasitedeydi. Teosofik çalışmalardan da etkilenen ve figürasyonu giderek terk eden ressamın hissettiği belirli bir manevi arınma arzusunu gerçekleştirmeyi amaçlayan biçimsel sadeleştirme sürecinden bahsediyorum. Bu, bazıları kırmızı, sarı ve mavi renkte olan, dikdörtgen ve kare alanlar oluşturmak üzere kesişen kalın siyah çizgilerin varlığıyla karakterize edilen yukarıda bahsedilen çalışmada gerçekleştirilmiştir. Ana renklerin seçimi, sanatçının evrensel dengenin rehberliğinde manevi arayışını yansıtan biçimsel ve kromatik dengeyi yeniden üretmeyi amaçlamaktadır. Bu durumda denge, kompozisyonsal bir geometrik merkezin yokluğunda bulunur, bu da başyapıtın potansiyel olarak boyalı tuvalin ötesine uzanabileceğini ima eder.
Paul Klee, Ad Parnassum, 1932. Tuval üzerine yağlıboya, 100×128 cm. Sanat Müzesi, Berna.
4.Paul Klee, Ad Parnassum (1932)
Kısmi soyutlamanın başka bir örneğiyle karşı karşıyayız: Klee'nin altı yıl önce İtalya'da kaldığı süreden ilham alarak tuval üzerine yarattığı bir başyapıt olan Ad Parnassum. Bu süre zarfında yeni bir neo-bölücü teknik kullanarak yeniden yorumladığı Ravenna mozaikleri onu etkiledi. Bu teknik, renklerin erken Hıristiyan sanatını hatırlatan benzersiz, parlak bir ışık yaydığı yoğun bir kromatik doku yaratan, ayırt edici noktasal fırça darbeleriyle karakterize edilir. Renk paletinde ise mavi-yeşil ve sarı-turuncu tonları hakim olup tüm kompozisyona dinamizm katıyor. Tekdüze parlaklık, gökyüzünde yükselen güneşin eşlik ettiği piramidal bir tepenin siluetini oluşturan çizgilerin varlığıyla bozuluyor. Son olarak bu açıklamayı sanatçının kendi aydınlatıcı sözleriyle sonlandırıyoruz: "Konu görünen dünya olmasa da dünyaydı." Bu sözlere rağmen gözlemlediklerimizin bildiğimiz gerçeklikle bağları tamamen kopmuyor; bunun yerine onu, yetenekli bir kemancı olan ustanın çok iyi tanıdığı müzikal melodileri ortaya çıkaran karmaşık bir renk uyumu yoluyla aktarılan anılar ve parçalar biçiminde geri çağırıyor.
Solda: Ben Nicholson OM, 1934 (kabartma), 1934. Maun üzerine yağlı boya, 718 × 965 × 32 mm. Tate. @ jay.parmar
5.Ben Nicholson OM, 1934 (kabartma), 1934
Nicholson'ın başyapıtını anlamak için sanatçının sanata bakış açısını geliştirdiği tarihsel bağlamı dikkate almalıyız. İki savaş arası çalkantılı dönemde, sanatçılar insanlıkta kaybolan masumiyet ve saflığın arayışı içinde soyutlamaya yöneldiğinde, Nicholson mekanı tasvir etmenin farklı yollarını denemeye başladı. Bu hedefleri, farklı derinliklerdeki alanların alanı tanımladığı, bazen yalnızca beyaz veya gri renkte, saflık tonlarında olan rölyef çalışmaları yaratarak takip etti. Bu tek renkli ve çok katmanlı tablonun mükemmel bir örneği, Miró ve Calder gibi Mondrian'ın etkisinden ilham alan bir başyapıt olan 1934 (relief)'dur. Bu çalışmayı yaratmak için Nicholson, çatışma zamanlarında yokluk ve ağır varlık fikrine gönderme yaparak ahşap bir panelden bir daire ve bir kare oydu. Geometrik formların kullanımı, boyutsal katmanlama ve tek renkli bir palet, duyguların ortadan kaldırılmasına katkıda bulunur.
Sağda: Mark Rothko, Beyaz Merkez (Sarı, Pembe ve Gül Üzerinde Lavanta), 1950. 205,8 cm × 141 cm. Katar Kraliyet ailesi.
6.Mark Rothko, Beyaz Merkez (Gül Üzerinde Sarı, Pembe ve Lavanta) (1950)
1950 yılında Rothko tuvali yatay renk bantlarına bölmeye başladı ve bu yıl içinde Beyaz Merkez (Sarı, Pembe ve Gül Üzerinde Lavanta) oluşturuldu. Başyapıt, büyük renk bantlarının yüzdüğü ve yerleştirildikleri renk alanıyla birleştiği bir ön kompozisyon sunuyor. Temelde Beyaz Merkez, Rothko'nun farklı tamamlayıcı renk bloklarının büyük bir tuval üzerinde üst üste bindiği kendine özgü çok biçimli stilinin bir parçasıdır. Renk ilavesiyle anlatan çalışma, sarı yatay dikdörtgenle başlıyor, yatay siyah şerit, beyaz dikdörtgen bantla devam ediyor, alt yarıda lavanta tonlarında doruğa ulaşıyor. Tüm parçanın parlaklığı, üst katmanlarda bir miktar alt boyanın ortaya çıktığı ince boya perdelerinin tekrar tekrar katmanlanmasıyla elde ediliyor. Analiz edilenler, elbette varyasyonlarla, sanatçının bu dönemdeki çalışmalarının çoğuna uygulanabilir. İzleyiciyi kuşatmak amacıyla birden fazla duygu ve atmosferi çağrıştırarak orantı ve renkte ince farklılıklar aramaya kararlıydı.
Jackson Pollock, Convergence, 1952. Tuval üzerine yağlıboya, 237 cm × 390 cm. Buffalo AKG Sanat Müzesi, Buffalo. @Jackson_pollock
7. Jackson Pollock, Yakınsama (1952)
Kanvas karışık işaretlerle kaplıdır ve destek boyunca siyah dairesel çizgilerin varlığı tekdüze görünürken diğer kısımlarda kırmızı, sarı, mavi ve beyaz izler görülebilmektedir. Yedinci sırada yer alan sanat eserinden bahsediyorum: Başlangıçta eleştirmenler tarafından etkileyici olmadığı değerlendirilen ancak daha sonra son derece tanınmış hale gelen Convergence. Sanat tarihçilerinin başlangıçtaki şüpheciliği muhtemelen başlangıçta siyah beyaz olan eserin, daha sonra ek renkler ekleyen sanatçı tarafından yeniden değerlendirilmesini temsil etmesinden kaynaklanıyordu. Convergence'ın kurtuluşu yalnızca daha sonraki yeniden değerlendirmelerle değil, aynı zamanda onu soyut dışavurumculuk ve aksiyon resminin en yüksek örneği olarak tanımlayan sanat eleştirmeni Harold Rosenberg'in tanınmasıyla da sağlandı. Bu terimlerle, ressamın geliştirdiği sanatsal pratiği kastediyorum; eserlerinin yaratılması sırasında en içgüdüsel jestlerini özgürce akıtıyor, onları şaşmaz bir enerjiyle tuvallere dönüştürüyor.
Helen Frankenthaler, Dağlar ve Deniz, 1952. Tuval üzerine yağlıboya ve kömür, 220 cm × 297,8 cm. Ulusal Sanat Galerisi, Washington, DC @ helenfrankenthalerfoundation
8.Helen Frankenthaler, Dağlar ve Deniz (1952)
Gelelim teknikten bahsedelim: Dağlar ve Deniz, ham, astarsız tuvalin zemine yerleştirilip üzerine yağlı ve terebentin bazlı boyanın dökülmesiyle oluşturuldu. Frankenthaler'in boyama olarak bilinen ve ilk kez bu vakada kullandığı kişisel resim uygulamasından bahsediyorum. Sonuç olarak, yüzüyor gibi görünen ancak aslında tuvalin dokusuna sabitlenen, düzlük ve stabilite sağlayan şeffaf renk alanları elde edilir. Bu bağlamda renkler rastgele yerleştirilmemekte, her seferinde benzersiz ve farklı olan doğal bir ortamı çağrıştırma amacına hizmet etmektedir. Frankenthaler'in profesyonel olarak sergilediği ilk çalışması olan Yakınsama, Dağlar ve Deniz'e benzer şekilde, başlangıçta eleştirildi, ancak daha sonra The New York Times'ın bu hassas ve kutlama niteliğindeki tanımlamayı yaptığı noktaya kadar anlaşıldı: "Dağlar ve Deniz", "bir ışık ve tepelerin, kayaların ve suyun şeffaf çağrışımı."
Robert Motherwell: İspanya Cumhuriyeti'ne Ağıt No. 57, 1957-1961. Tuval üzerine kömür ve yağlıboya, 213,36 cm × 277,18 cm. Koleksiyon SFMOMA.
9.Robert Motherwell: İspanya Cumhuriyeti'ne Ağıt No. 110 (1971)
Söz konusu başyapıt, adından da kısmen anlaşılabileceği gibi, İspanya İç Savaşı'nın ressamın henüz yirmi bir yaşındayken zihninde bıraktığı anılardan kaynaklanıyor. Bu feci olayın etkisi öyle oldu ki, Motherwell konuyu yalnızca 110 numaralı İspanyol Cumhuriyeti'ne Ağıt'ta değil, aynı zamanda bu temaya adanmış 200'den fazla tablodan oluşan bir seride de yeniden ele aldı. Benzer şekilde Picasso'nun 1937 tarihli, yine İspanya İç Savaşı'na gönderme yapan ünlü Guernica'sını da hatırlayabiliriz. Ancak 110 No'lu İspanyol Cumhuriyeti'ne Ağıt'ın yazarının durumunda, söz konusu çatışma her türlü adaletsizliği ima etmenin bir yolu haline geliyor; o kadar ki, söz konusu diziyi insanlığın acılarının bir anısına, bir anma töreni olarak tasarlamış. Ölüm ve yaşamı karşılaştıran soyut ve şiirsel semboller biçiminde ifade edilen duygu. Soyut dışavurumculuğun bu yaklaşımı, Fransız Sembolizminin dilinden, özellikle de olayların veya fikirlerin kendisinden ziyade olayların veya fikirlerin ürettiği duygusal etkinin temsil edilmesini savunan bir şair olan Stéphane Mallarmé'nin dilinden bazı unsurları miras alır. Son olarak, söz konusu yaşam ve ölüm arasındaki karşıtlık, siyah ve beyazın yan yana gelmesinin yanı sıra oval ve dikdörtgen şekillerin karşıtlığıyla tuvalde somut bir şekilde işleniyor.
Gerhard Richter, Abstraktes Bild, imzalı, 1987 tarihli, 636 numaralı. @theartbystander
10.Gerhard Richter, Bild Özetleri (809-1) (1994)
Richter'in ilk on tablosu arasında en pahalı tablolardan biri olarak bilinen başyapıtı, dört eserden oluşan bir serinin parçasıdır ve karmaşık, tekrarlayan ve muhtemelen yorucu bir yaratıcı sürecin sonucudur; tuvalin kendisi de buna tanıklık etmektedir. işteki zamansal kesintilerin işaretlerini gösterir. Ancak Abstraktes Bild, tamamlandığında tuvalin kenarlarına çekçek yardımıyla sürüklenen şeritler ve boya lekeleri şeklini aldı ve benzer şekilde uygulanan diğer renklerin eklenmesiyle zenginleştirildi. Aslında boyayı hızlı, rastgele ve tekrarlı bir şekilde uygulama süreci, sanatçı resmin tamamlandığını düşünene kadar renk katmanlarının birbirini takip etmesini içerir. Bu, farklı katmanların üst üste bindirilmesi yoluyla, eseri yaratma yöntemlerinin nasıl yalnızca yüzeysel olarak tanınabileceği, çünkü aslında altta yatan düzeylerde gizlendikleri üzerine düşünmeye sevk ediyor. Ancak Abstraktes Bild'i şu şekilde tanımlayabiliriz: Sanatçının izleyiciye huzur ve uyum aktarmayı amaçladığı, renk bakımından zengin dikey ve yatay çizgilerden oluşan bir yüzey.
Olimpia Gaia Martinelli