Pierre-Auguste Renoir, Tekne Partisinin Öğle Yemeği, 1880-1881. Tuval üzerine yağlıboya, 129,9 cm × 172,7 cm. Phillips Koleksiyonu, Washington, DC.
Özetle Empresyonizm
Empresyonizm nasıl ortaya çıktı? Her şey gibi her şey bir fikirle başladı! Söz konusu sanatçılar, genellikle görsel ve dolayısıyla idari görünümde belirli bir mükemmellik arayışıyla ilişkilendirilen daha karmaşık ve iyice işlenmiş tarihi ve mitolojik konuları, temaları bir kenara bırakarak, etraflarındaki gerçekliği çok basit bir şekilde resmetmeye karar verdiler. . Şimdi, 1860'larda Fransa'da doğan sanat akımının adından da anlaşılacağı gibi, önemli olan, izlenimin nasıl aktarıldığı ya da bir manzaranın, aynı zamanda bir nesnenin ve bir kişinin sınırlı bir zaman diliminde göze nasıl göründüğüydü. Bu amacı etkili kılmak için, rengin desteğe uygulanma şekli büyük ölçüde değişti: fırça darbeleri artık daha açık, daha özgür ve renkler daha yumuşaktı; yalnızca havadaki uygulamadan doğmuştu. Açık havada yapılan gözlemlerde, gözün algıladığı şeyin aslında beynin anladığından farklı olduğu açıkça görülüyordu; dolayısıyla anın optik etkileri yakalandığında idealize edilmiş formlardan ve mükemmel simetriden kesin olarak uzaklaşılıyor ve dünyaya gerçekte görüldüğü şekliyle ses veriliyordu. bakışlarımızla. Aslında, üç boyutlu perspektif de susturuldu; bu, İzlenimciliğin bir kompozisyonun en önemli unsurlarını daha az önemli olanlardan ayırmayı bırakmasına yol açan teknik bir gerçektir. Tüm bu özellikler, dönemin akademik geleneğinin eleştirilerine dönüştü; ancak bu, modern sanatın ve avangardla ilişkilendirilen tüm felsefenin ilerlemesini artık durduramadı.
Édouard Manet, Çimenlerde Öğle Yemeği, 1863. Tuval üzerine yağlıboya, 208×264 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Édouard Manet: Çimenlerde Öğle Yemeği (1863)
Gerçekçilik ile Empresyonizm arasındaki boşluğa köprü kuran Fransız ressam Édouard Manet'nin eseri, tuval üzerinde gerçek hayata dair anlık bakışları görmekte oldukça şaşıran çağdaş izleyicileri tarafından ağır bir şekilde eleştirildi; toplumun marjinal kesimleri şekillendi ve daha geleneksel tarihi ve mitolojik eserlerdeki karakterlerle aynı şekilde muamele gördü. Yukarıdakilere, yalnızca doğru mesafeden bakıldığında sanatçının tasarladığı şekilleri oluşturan renk parçalarını yan yana getirdiği için Empresyonizm'i öngören, hem chiaroscuro hem de gölgelemeden yoksun olan kendine özgü tarzına duyulan şüphe de eklendi. Son olarak, birçok kişinin Empresyonizmin babası olarak tanıdığı ustadan bahsetmek için, 1863'ten kalma, Salon des Refusés izleyicisini derinden skandala sürükleyen, yalnızca oturan çıplak bir kadını değil, aynı zamanda iki yanında da oturan çıplak bir kadını temsil eden, 1863 tarihli bir başyapıt olan Çimenlerde Öğle Yemeği'ni anlatmayı seçtim. iki giyimli adam tarafından yapılmış, aynı zamanda formların ve arka planın tanımlanmasıyla ilgili özet bir boyama tekniği. Ayrıca mekanın derinliği, geleneksel perspektife başvurmadan, farklı renkteki yan yana noktalardan oluşan önerilerle yenilikçi bir şekilde canlandırıldı. Bu ilk 10'da göreceğimiz şeyin yolunu açacak olan da tam olarak bu çalışmada temsil edilen şeydir: İzlenimciliğin en önemli başyapıtları!
Claude Monet, İzlenim, Gündoğumu, 1874. Tuval üzerine yağlıboya, 48 cm × 63 cm. Musée Marmottan Monet, Paris.
Claude Monet: İzlenim, Gün Doğumu (1874)
Burada sadece resim değil, aynı zamanda Empresyonist hareketin somut tarihini de anlatan bir başyapıt daha var; 1874 yılında fotoğrafçı Nadar'ın eski stüdyosunda sergilenen Impression, Sunrise, başlığıyla birlikte tüm sanat akımının adını çağrıştırıyor. Ustanın Le Havre'deki otel odasının penceresinden gördüklerini yakalamak için havadan yaratılan söz konusu tablo, limanın sabah manzarasını, bazı teknelerin geçtiği deniz ve şehrin endüstriyel yaşamını gösteren ufukla yeniden üretiyor. kentsel bağlam. Anlatılanlar, daha olgun İzlenimcilik için değerli olan tüm özellikleri zaten taşıyor; öyle ki, görüntü, kompozisyonun tüm unsurlarını şekillendirmeye hazır, yan yana, hızlı ve serbest fırça darbeleriyle sunuluyor. Aslında ölümsüzleştirilen, tek tek ele alındığında neredeyse kimliğini yitiren konuların doğasını ancak bütünü gözlemleyerek tam olarak anlayabiliriz. Bu, sanatçının artık natüralist bir sahne yaratmak değil, onu çevresel önerilerle canlandırmak olan gerçek niyetini anlamamızı sağlıyor. Son olarak, bir sırrı açığa çıkarmak iyi olur, yani Monet'nin yukarıda bahsedilen şaheseri icra etmesine pratik olarak ne izin verdi? Dolayısıyla, tipik olarak Empresyonist olan dış mekan boyama pratiğinin, 1841'de John Rand'in yağlıboyaları korumak için metal tüpler yaratan ve o andan itibaren her yere kolayca taşınabilecek buluşuyla nasıl mümkün hale geldiğini ortaya çıkarmak gerekiyor!
Edgar Degas, Dans Sınıfı, 1873-1876. Tuval üzerine yağlı boya, 83,5 x 77,2 santimetre. Metropolitan Sanat Müzesi, New York City.
Edgar Degas: Dans Sınıfı (1873-1876)
Eldeki başyapıtı tartışmadan önce, başlangıçta Realizme daha yakın olan, en plein air resimden ve konturların ortadan kaldırılmasından her zaman uzak durmasına rağmen 1870'lerden itibaren modern yaşamın konularına Empresyonizm'de yaklaşan ressamın kimliğini netleştirmek önemli. çizgiler. Artık Fransız ustayı alışılmadık bir Empresyonist yapan şeyin ne olduğunu açıklığa kavuşturduğumuza göre, onun en ünlü tuvallerinden birinin tanımına geçebiliriz: Dans Sınıfı. Her ne kadar stüdyoda yaratılmış olsa da, sanki sanatçının orkestra şefi arkadaşının aracılığı ile erişebildiği Paris Opéra'nın dans fuayesini ölümsüzleştirmek için tek seferde yaratılmış gibi görünüyor. Ressam, bu ayrıcalıklı yerden, ünlü koreograf Jules Perrot'un dikkatli bakışları altında adım atmaya çalışan genç bir balerini yakaladı. Tutuşlu diğer kızlar ise bu molayı dinlenmek için kullanıyorlar, belki sessizce sohbet ediyorlar, kıyafetlerini düzeltiyorlar. Her şey son derece spontane ve doğal görünüyor çünkü Degas günlük hayata yeni bir önem veriyor, bazen onu neredeyse takıntılı bir dikkatle yeniden üretiyor, her zaman tutum ve davranışları durumların en özgün şekilde sentezlemeye hazır.
Pierre-Auguste Renoir, Tekne Partisinin Öğle Yemeği, 1880-1881. Tuval üzerine yağlıboya, 129,9 cm × 172,7 cm. Phillips Koleksiyonu, Washington, DC.
Pierre-Auguste Renoir: Tekne Partisinin Öğle Yemeği (1880-1881)
Monet gibi, Renoir de gerçek bir Empresyonisttir; ilgimizi çeken sanatsal hareketin en ünlü başyapıtlarından birinin yazarıdır: Tekne Partisi Öğle Yemeği, 1880'lerden kalma, arkadaşlarını ve tanıdıklarını neredeyse ustaca yönetmiş bir tuvaldir. sanki bir film setindeymiş gibi. Bütün bunlar, bir tentenin altında kürekçilerin ve diğer figürlerin bir masanın etrafında toplandığı ve bu masada yeni yemek yenildiğinin ima edildiği bir sahne oluşturuyor. Denekler artık sohbet etmeyi, sol üstte görüldüğü gibi bazı teknelerin üzerinden geçerek bitkilerin arasından geçen Seine nehrinde geçirilen sıcak bir öğleden sonra atmosferinin tadını çıkarmayı düşünüyor. Ancak, ön planda oldukları için en çok vurgulananlar, bir kürekçinin gözlemlediği, küçük bir köpekle oynayan bir kız ve soldaki korkulukta dinlenen başka bir kürekçidir. Ayrıca, izleyiciye her zaman yakın olan, arka plandaki gürültülü figürlere sırtı dönük iki genç de masada oturuyor. Bir kez daha, resmin dokusu, ayrıntıları ima edilen ancak tanımlanmayan formların ana hatlarını bulanıklaştırmaya hazır geniş malzeme fırça darbelerinden oluşuyor.
Edgar Degas, L'Absinthe, 1875-1876. Tuval üzerine yağlıboya, 92×68 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Edgar Degas: L'Absinthe (1875-1876)
İşte Degas, evet, yine o! Sonuçta, dönemin acı bir gerçekliğini belgelemenin yanı sıra, Émile Zola'nın ressamın bazı ön izlemelerini gördüğü "L'Assommoir" adlı romanından esinlenen Absinthe Drinkers adlı eserini de bu sıralamaya dahil etmemek mümkün değildi. . Aslında yazar, Degas'nın iki arkadaşının başyapıtında Paris proletaryasının içinde bulunduğu aşağılanmış durumdan nasıl bahsettiğini sanatçıya itiraf etmişti. Ancak tablo tamamlandıktan sonra bu iki kişi bunun itibarlarına nasıl zarar verebileceğinden şikayetçi oldu, bu yüzden ressam bu iki figürün aslında alkolik olmadığını kamuoyuna açıklamaya karar verdi. Ancak çalışmada iki patron, alkollü içeceklerin yerleştirildiği kafe masalarında oturuyor; tasvir edilenler onları neredeyse orada bırakmış gibi görünse de, belki de zaten sarhoş oldukları için daha derin düşüncelere kapılmış gibi görünüyorlar. bakışları doğrudan boşluğa. Bu akşam bir kokteyle ne dersiniz?
Claude Monet, Nilüfer Göleti, Pembe Armoni, 1900. Olio su tela, 89,5×100 cm. Musée d'Orsay, Parigi.
Claude Monet: Nilüfer Göleti, Pembe Uyum (1900)
Empresyonistlerin en popüleri olan, şüphesiz 1900 tarihli ünlü Nilüfer Göleti Pembe Uyum'un yazarı Claude Monet'e bir kez daha değinmemek mümkün değildi. Bu eserde kemerli bir köprünün heybetli figürü izleyicinin karşısına çıkıyor, nilüferlerle dolu bir göleti geçmeye hazırım. Tüm sahne, her yaprağa dikkatlice nüfuz eden güneş ışınlarıyla aydınlatılırken, çiçekler de baskın renklerini ortaya çıkarıyor: pembe! Ön planda, bazı yerlerde söğüt ağaçlarının sarkan yapraklarıyla birleşen, yoğun ve uzun bitki örtüsünün varlığıyla karakterize edilen kıyıyı görüyoruz. Bir kez daha, ışığın içinden süzülüp, gölge alanları ve ışık alanları oluşturduğundan, su ve kıyı üzerinde uzanan zengin bir renk tonu değişimi yaratmaya hazır olduğundan bahsediyor. Monet'nin manzarasının konusu nerede? Giverny'de, yeşil bir tiyatroya dönüştürmek istediği bahçedeki çeşitli bitkilerle bizzat ilgilendiği, sanatının konusu olmaya her zaman hazır olan sanatçının evinde, yukarıda adı geçen Japon heykelleri de vardı. tarzı köprü inşa edildi.
Gustave Caillebotte, Paris Caddesi; Yağmurlu Bir Gün, 1877. Tuval üzerine yağlıboya, 212,2 cm × 276,2 cm. Chicago Sanat Enstitüsü, ABD.
Gustave Caillebotte: Paris Caddesi; Yağmurlu Gün (1877)
Gustave Caillebotte'un Paris Caddesi; Rainy Day, Georges-Eugène Haussmann'ın projesine göre 19. yüzyılın sonlarında Fransız başkentinin Saint-Lazare istasyonu yakınındaki büyük bir kavşağın tasvirinde kendini göstermeye hazır olan yeniden yapılanmasını anlatıyor ve belgeliyor. eski dağlık alanın yerini dar, dolambaçlı sokaklar ve harap binalar aldı. Paris'in bu yeni yüzü, eserin ana konuları arasında yer alıyor; kol kola yürüyen, yağmurdan korunmak için şemsiye altına sığınan bir çift ve bir binanın cephesinin yanında yer bulan yoldan geçen başka bir kişiyle yolları kesişiyor. doğru. Solda, yine şemsiyeleriyle yürüyen diğer insanlar, muhtemelen ıslak taş blok kaldırımın yarattığı çoklu yansımalara yansımaya hazır olan, büyük binaların varlığı altında olma nedenini bulan bazı arabalardan yavaş yavaş kaçınarak yürüyorlar. Elbette bu sonuncular, sahnenin ortasında izole edilmiş gibi görünen daha büyük bir köşe binasının ufku hakim olduğu bulutlu gökyüzünün rengini alıyor. Son olarak, tablonun bir başka ama sessiz başkahramanını da kesinlikle belirtmekte fayda var: İki ana konunun figürlerinin arkasında sessizce duran yeşil elektrik direğinden bahsediyorum.
Mary Cassatt, Tekne Gezisi Partisi, 1893. Tuval üzerine yağlıboya, 90 cm × 117,3 cm. Ulusal Sanat Galerisi, Washington, DC.
Mary Cassatt: Tekne Partisi (1893)
En ünlü kadınlarını kutlamadan Empresyonizm hakkında konuşabilir miyiz? Kesinlikle hayır derdim, bu yüzden 1844 doğumlu Amerikalı ressam ve grafiker, The Boating Party'nin yazarı Mary Cassatt'tan bahsetmek istiyorum. Antibes'te (Fransız Rivierası, Fransa) yaratılan bu şaheser, direği olmayan ancak kano benzeri gövdesi ve üç koltuğu olan bir yelkenli teknede bir kadın, bir çocuk ve bir adamı tasvir ediyor, sarı renk kullanılarak oluşturulmuş bir ortam, denizin daha koyu ve geniş maviliğine karşı öne çıkıyor. Aslında Cassatt, kontrast oluşturmak için hem cesur hem de daha gölgeli renkler kullanıyor; bu kontrastlar, canlı tekne ile mavi kürekçi figürü arasındaki karşılaştırmada doruğa ulaşıyor. Sanatçının alışılagelmiş üslubuna uymayı amaçlayan renk yaklaşımına rağmen farklı olan, tanıdık anne ve çocuk temasını içerirken aynı zamanda teknenin alışılmadık mekânında erkek figürünü de içeren eserin temasıdır. ressamın sıklıkla gözden kaçırdığı figür. Her halükarda, başyapıttaki roller sağlam bir şekilde belirlenmiş gibi görünüyor; öyle ki, erkek yalnızca işe odaklanıyor (şimdi kürek çekiyor) ve kadın sürekli olarak çocuğa göz kulak oluyor. Bu yorumun ardından küreği erkek ve kadın dünyalarını ayıran bir çizgi olarak görme fikri geliyor; ikincisi ise sanatçı tarafından doğa, yaratıcılık ve yenilenme ile ayrılmaz bir şekilde ilişkilendiriliyor; bu alanlarda annenin toplumdaki rolünün öneminin altı çiziliyor. tartışmasızdır.
Berthe Morisot, Beşik, 1872. Tuval üzerine yağlıboya, 56 cm × 46 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Berthe Morisot: Beşik (1872)
Berthe Morisot, hareketin kurucularından biri olduğu ve aynı zamanda The Cradle gibi sanat tarihinde birçok başyapıtın yaratıcısı olduğu bilinen Fransız Empresyonist bir ressamdı. İki yıl sonra açılan ilk Empresyonist sergide sergilenen 1872 tarihli bu tablo, içinde bir bebeğin uyuduğu beşiğin yanında oturan genç bir kadını profilden tasvir ediyor. Anne sadece bir model değil, sanatçının iki kız kardeşinden biri olan Edma, Berthe'nin yeğeni küçük Blanche ile birlikte ölümsüzleştirilmiştir. Bu ikili portre, özellikle anneler ve kızları arasındaki mevcut sevgi bağını her zaman ortaya çıkaran samimi sahneleri tasvir etmekten hoşlanan ressamın en sevdiği konulardan biri olan annelik temasını bilinçli olarak ele almak için tasarlandı. Bu sonsuz bağlantıyı açık hale getirmek için kompozisyondaki küçük ayrıntılar da vardır; örneğin iki kahramanın çapraz bir kompozisyonla birbirine bağlanan yüzleri ve ayrıca annenin küçük çocuğu hem bakışlarıyla hem de bir örtüyle koruma hareketi. ve son olarak her iki deneğin de kollarının bükülmüş olması.
Claude Monet: Şemsiyeli Kadın - Madame Monet ve Oğlu, 1875. Yağlıboya Kanvas, 100 cm × 81 cm. Ulusal Sanat Galerisi, Washington, DC.
Claude Monet: Şemsiyeli Kadın - Madame Monet ve Oğlu (1875)
Yardım edin, Monet'yi gündeme getirmeden duramıyorum ama Empresyonizmin en ünlü başyapıtlarından bahsederken onun hakkında aşırı konuşmamaya cesaretiniz var mı? Ben kişisel olarak sıralamamı Empresyonistlerin en ünlüsünün en bilinen tablosundan biriyle bitirmeye karar verdim: Şemsiyeli Kadın - Madame Monet ve Oğlu (1875)! Bu çalışma, "muadili" Şemsiyeli Kadın - Madame Monet ve Oğlu ile birlikte Musée d'Orsay'da saklanıyor ve araştırdığı temayla dikkat çekiyor. Aslına bakılırsa Fransız ressam, manzara resimleriyle oldukça ünlüydü ve bu durumda Amerikalı Empresyonist ressam Theodore Earl Butler'ın karısı Suzanne Hoschedé'nin biçimini alan insan figürünün yüceltilmesinden kesinlikle daha çok tercih ediliyordu. Bu özel konuya olan ilgi belirli bir bağlamda ortaya çıktı: Usta, Suzanne'i Île aux Orties'te bir tepeye tırmanırken gözlemliyordu; bu yer ve durum, kızın elbisesi üzerinde ilginç ışık oyunlarının yeniden üretildiği bir yer ve durumdu. Bu vizyon, doğanın bereketli göründüğü pastoral bir manzaraya dalmışken şemsiyeyle güneşten gölge arayan, dönemin tipik burjuva kıyafetleri içindeki bir figürün yer aldığı bir tabloyu doğurdu. Son olarak sanatçı, alçak bir perspektifle elde edilen tuhaf bir anıtsallık vererek, yüzü yalnızca "ana hatları çizilen", tıpkı vücudunun büyük bir kısmı gibi gölgede kalan Hoschedé'nin imajını yükseltmeye hazır olarak onu daha da özel kılıyor. arkadan.
Olimpia Gaia Martinelli