Cracked Blue II (2018) Скульптура Пина Веги
Абстрактное искусство — это художественное движение, которое расходится с традиционным фигуративным искусством, представляя беспредметную и неузнаваемую реальность. В то время как фигуративизм фокусируется на точном представлении видимых данных, абстрактное искусство стремится выражать эмоции, идеи и концепции посредством форм, цветов и линий, которые напрямую не имитируют внешний мир. Это расхождение означает, что абстрактное искусство часто требует некоторого объяснения, чтобы быть полностью понятым и оцененным.
Абстрактное искусство возникло в контексте живописи в начале 20-го века как реакция на культурные и социальные преобразования того времени. Среди пионеров абстрактного искусства такие мастера, как Василий Кандинский, Казимир Малевич и Пит Мондриан. Кандинский, в частности, считал, что искусство должно выходить за рамки простого визуального представления, чтобы исследовать внутренний мир художника и человеческий дух. Его эссе 1911 года «О духовном в искусстве» представляет собой одну из первых попыток теоретизировать абстрактное искусство.
Впоследствии абстрактное искусство быстро развилось в различные стили и течения, такие как супрематизм Малевича и неопластицизм Мондриана, каждое из которых имело свой уникальный подход к форме и цвету. Эти видения стремились извлечь суть реальности из чистых геометрических форм и основных цветов, создавая произведения, которые были одновременно созерцательными и революционными.
Очевидно, что на данный момент мы обсудили историю, которая теперь всем довольно хорошо известна: пути, которыми абстрактное искусство зародилось и утвердилось в языке живописи. Теперь я хочу объяснить и проиллюстрировать, как этот язык впоследствии выразил себя в скульптуре, фотографии и других художественных медиа. Все это будет проиллюстрировано современными примерами, выбранными из богатого корпуса работ, которые являются частью развивающейся коллекции Artmajeur. Итак, начнем с истории о рисунке!
Я видел так много пейзажей (2023) Рисунок Фрэнка Веррейкена
Абстрактный рисунок: история, стиль и шедевры
Рисунок и живопись всегда были тесно связаны, причем рисунок часто рассматривался как предварительная фаза или исследование для более крупных живописных работ. В абстрактном искусстве эта связь остается очевидной, поскольку многие художники-абстракционисты также создавали абстрактные рисунки, отражающие их живописные исследования. Как проявляется эта связь между двумя языками? Она видна в обмене темами, приемами и целями между двумя средствами: оба стремятся выйти за рамки традиционного образного представления, чтобы исследовать новые формы художественного выражения.
Если копнуть глубже, то, например, вышеупомянутый Василий Кандинский создал множество абстрактных рисунков, которые, как и его картины, избегают узнаваемых изображений, сосредоточившись на чисто идеальных композициях, призванных исследовать цвет и форму, а также вызывать эмоции и духовные концепции.
Аналогичным образом Пит Мондриан применял геометрические принципы как в своих рисунках, так и в своих картинах, в то время как Казимир Малевич с его супрематизмом создавал рисунки, которые исследуют чистую чувствительность формы, без какой-либо ссылки на физические объекты, как и в его живописном искусстве.
Так что же отличает рисунок от абстрактной живописи? Хотя верно, что первый вид искусства имеет много общих черт со вторым, например, использование геометрических фигур, плавных линий и контрастных цветов, призванных вызывать эмоции и концепции, абстрактный рисунок также имеет свои отличительные особенности. В то время как живопись может использовать уникальные качества цвета и текстуры, рисунок, как правило, больше фокусируется на линии, композиции и форме, используя более ограниченный диапазон цветов, часто концентрируясь на черном и белом или монохромных тонах, чтобы подчеркнуть структуру и движение. Наконец, в то время как абстрактный рисунок часто исследует спонтанность и непосредственность знака, живопись может потребовать более длительных процессов и слоев работы.
Без названия 838 (2024) Картина Ото Мацека
Современные примеры: сравнение живописи и рисунка Ото Мацека
В качестве доказательства связи абстрактной живописи и рисунка можно рассмотреть творчество современного художника Ото Мацека. Его картина «Без названия 838» (2024) и рисунок «Без названия 3732» (2023) представляют одну и ту же тему и исследование формы, но они различаются по использованию цвета, технике и использованным оттенкам.
В работе «Без названия 838» Мацек использует различные оттенки синего и небесно-голубого цветов, применяя технику послойной живописи для создания динамичной и яркой композиции, в которой линии и геометрические формы переплетаются и накладываются друг на друга, создавая ощущение движения и глубины.
С другой стороны, «Untitled 3732» представляет собой немного более минималистский подход к рисованию. Геометрические формы нарисованы точными и чистыми линиями, преимущественно в черном и белом цветах. Композиция менее плотная, с пробелами, оставленными в цвете бумаги, что позволяет глазу отдохнуть и сосредоточиться на взаимодействии между формами.
Эти две работы Мацека демонстрируют, как абстрактный рисунок и живопись могут исследовать одни и те же темы и сюжеты через разные интерпретации, сохраняя концептуальную связность, но различаясь по исполнению и визуальному воздействию.
Теперь перейдем к печатному делу!
Мируар (2024) Художественная гравюра Бенедикта Де Нуэля Имбера
Краткий обзор художественной гравюры: прошлое и настоящее
Подобно рисунку, художественная гравюра, вдохновленная живописью, приняла абстракцию, представляя сюжеты, родственные тем, которые встречаются в живописи. И снова некоторые из самых известных абстракционистов также создавали гравюры, как и знаменитый мастер Жоан Миро.
Современным примером этой традиции является «Miroir» (2024), художественная печать художника Бенедикта Де Нуэля Имбера, созданная в технике линогравюры на бумаге. Этот метод включает в себя вырезание рисунка на линолеумной пластине, которая затем покрывается чернилами и прижимается к бумаге для переноса изображения. Эта техника известна своей способностью создавать четкие линии и смелые контрасты, идеально подходящие для абстрактного художественного выражения.
Техника линогравюры позволила Де Нуэлю Имберу детально исследовать повторение и изменение форм. Работа представляет собой абстрактную композицию с перекрывающимися органическими и геометрическими мотивами. Доминирующие цвета — оранжевый и синий, создающие сильный визуальный контраст. Оранжевые формы вызывают в памяти природные особенности, похожие на листья, в то время как центральная синяя фигура добавляет элемент глубины и сложности. Использование ярких цветов и повторяющихся узоров придает работе ощущение движения и динамизма.
Без названия (№ 121) (2024) Скульптура Дидье Фурнье
Абстрактная скульптура: история, стиль и шедевры
Абстрактная скульптура начала развиваться в начале 20-го века, параллельно с изменениями, происходящими в живописи. Аналогичным образом скульпторы стремились освободиться от традиций и натуралистических представлений, вместо этого исследуя чистые формы, геометрию и новые материалы. Благодаря такому подходу они смогли выразить концепции и эмоции через форму и структуру, а не через образное представление.
Одним из самых ранних и влиятельных абстрактных скульпторов, несомненно, был Константин Брынкуши. Родившийся в Румынии, Брынкуши известен тем, что произвел революцию в языке скульптуры своим подходом к форме и материалу. Его работы характеризуются чистыми линиями и гладкими поверхностями, призванными запечатлеть суть движения и жизни, превосходя любые реалистичные детали.
Еще одним пионером абстрактной скульптуры является Жан Арп, который внес вклад в движение своими отличительными биоморфными работами. Известный тем, что работал в основном с бронзой и камнем, Арп создавал органические формы, которые, кажется, спонтанно возникают из природы. Его творения иллюстрируют его подход к абстракции посредством использования текучих и естественных форм.
Кроме того, Наум Габо — известный абстрактный скульптор, известный тем, что исследует пространство и время посредством геометрических форм и прозрачных материалов, используя взаимосвязанные линии и плоскости. Работы Габо направлены на представление объемов пустого пространства, бросая вызов традиционным концепциям скульптуры.
Для дальнейшей иллюстрации этого исторического и художественного повествования приведем некоторые выдающиеся шедевры абстрактной скульптуры этих мастеров: «Птица в космосе» Константина Брынкуши (1932–1940), «Скульптура, затерянная в лесу» Жана Арпа (1932) и «Конструкция в космосе» Наума Габо (1937–1939).
Подводя итог, можно сказать, что абстрактная скульптура проявляется посредством использования геометрических форм, чистых линий и инновационных материалов, предназначенных для выражения абстрактных идей, эмоций и концепций.
Аксолиз I (2014) Скульптура Винсента Чемпиона-Эрколи
Gran bañista (2024) Скульптура Роберто Кандуэлы
Современные примеры: Винсент Чемпион-Эрколи и Роберто Кандуэла в сравнении
Я нашел два современных примера в скульптурах «Axoliz I» Винсента Чемпиона-Эрколи и «Gran bañista» Роберто Кандуэлы. Что общего у этих работ? Помимо их абстрактного подхода, обе они используют металлы в качестве основного выразительного материала. Давайте углубимся в анализ...
Начиная с первой работы, «Axoliz I» — это творение, состоящее из двух линейных бронзовых элементов, которые соединяются, образуя восходящее развитие. Это описание воплощает своего рода дуализм тяжести и легкости, переданный через чувство восходящего движения, символизирующего рост и настойчивость. Кроме того, работа несет в себе дополнительные смыслы, поскольку гладкие поверхности и возвышающаяся композиция вызывают элегантность и оптимизм, предполагая непрерывный подъем, несмотря на трудности.
С другой стороны, «Gran bañista» напоминает, как показал сам художник, сюжет «Les Grandes Baigneuses» Сезанна, переосмысленный в абстрактных чертах человека, отдыхающего на берегу. В этом смысле геометрическая форма изгибается от одного конца к другому, создавая окулус в центре, напоминающий лицо. Наклонные элементы позволяют скульптуре покоиться на плоскости, подобно рукам и локтям купальщика, обсыхающего на солнце. Отражая этот последний элемент, скульптура наследует блеск солнца с золотой отделкой.
Приложив немного воображения, «Аксолис I» можно интерпретировать и как человеческую фигуру, восходящие линии которой намекают на вертикальную позу человеческого тела. Таким образом, природу геометрических форм, проанализированных выше, можно связать с более привычным повествованием, более близким к реальности зрителя. А теперь перейдем к коллажу!
Социальная текстура 6 (2022) Коллажи Хенока Гетачева Woldegebreal
Краткий обзор коллажа: прошлое и настоящее
Абстракция нашла плодородную почву в технике коллажа, позволив художникам исследовать новые выразительные модальности посредством комбинирования различных материалов. Использование коллажа в абстрактном искусстве начало формироваться в начале 20-го века благодаря новаторству художников-пионеров, стремящихся отойти от традиционных условностей живописи и скульптуры.
В абстрактном коллаже художники используют различные материалы и техники для создания работ, которые подчеркивают композицию, цвет и текстуру. Эта форма искусства отходит от образных представлений и фокусируется на взаимодействии различных элементов для пробуждения эмоций и абстрактных концепций. Художники могут комбинировать газетные вырезки, фотографии, ткани и другие материалы для создания многослойных и динамичных работ.
Кроме того, коллаж дает большую свободу выражения, поскольку художники-абстракционисты могут манипулировать и переставлять материалы, чтобы создавать новые визуальные конфигурации. Этот процесс сборки и разборки отражает постоянные эксперименты и открытия, типичные для искусства, которое уходит от реалистичного представления.
Среди художников-пионеров, принявших коллаж в рамках абстрактного искусства, — Ханс Арп, известный такими работами, как «Без названия» (1916–17) и «Большой коллаж» (1918). Обращаясь к современным художникам, выделяется «Социальная текстура 6» художника Artmajeur Хенока Гетачева Вольдегебреа. Этот коллаж, созданный из упаковочных картонных коробок, полученных с местных рынков, разобранных и собранных заново, исследует сложное взаимодействие между современностью, потребительством и глобализацией в современном обществе. Он был задуман, чтобы критиковать безудержное потребительство и циклическое производство и отходы, типичные для современных обществ.
Après le feu — Pink Orange Pink de Rothko (2018), фотография Вероники Дюррути
Абстрактная фотография: история, стиль и шедевры
Абстрактная фотография начала выражать себя почти сразу после изобретения этой технологии. В 1842 году Джон Уильям Дрейпер создал изображения с помощью спектроскопа, рассеивая световые лучи в видимые узоры, которые не имели никакого отношения к видимой реальности. Эти изображения продемонстрировали способность фотографии преобразовывать невидимое в осязаемое присутствие. Хотя они были задуманы как научные документы, сегодня эти изображения ценятся за их новаторское художественное качество.
Аналогичным образом, Анна Аткинс, одна из первых фотографов, создала книгу фотограмм в 1843 году, помещая сушеные водоросли на цианотипную бумагу, создавая воздушные белые-на-голубом изображения с абстрактным качеством. Несмотря на то, что они были задуманы как научные исследования, эти работы имеют значительную художественную ценность.
В течение первого десятилетия 20-го века была волна художественных исследований, которая привела к переходу от постимпрессионизма к таким движениям, как кубизм и футуризм. Такие художники, как Альфред Стиглиц, Пол Стрэнд и Эдвард Штайхен, начали экспериментировать с абстрактными фотокомпозициями. В 1914 году Эрвин Кведенфельдт выставил первые публично признанные абстрактные фотографии, в то время как Элвин Лэнгдон Коберн создал серию Vortographs (1917), используя многогранную призму для достижения изображений, которые оторвались от видимой реальности.
Начиная с 1920-х и 1930-х годов, значительно возросло число мастеров, исследующих абстрактные изображения. Как это движение продолжало проявляться в фотографии? Оно делало это посредством различных техник, таких как двойная экспозиция, макросъемка и манипуляция в камере. Эти техники позволяют создавать работы, бросающие вызов традиционному восприятию, приглашая зрителя заглянуть за пределы видимой поверхности.
Говоря о мастерах и шедеврах, известные фотографы, создававшие абстрактные работы, включают вышеупомянутых Альфреда Стиглица, Пола Стрэнда и Эдварда Штайхена, а также Ман Рэя и Ласло Мохоли-Надя. «Рэйограф» Ман Рэя (1922) и «Фотограммы» Мохоли-Надя — все это шедевры, которые преобразовали обычные объекты в необычные визуальные композиции, бросая вызов условностям и открывая новые выразительные возможности в фотоискусстве.
Materia Series - Композиция № 32 (2024) Фотография Алессандро Идини
Современный пример: серия Materia - композиция № 32 Алессандро Идини
"Materia Series - Composition nr 32" Алессандро Идини - это фотография, которая является частью серии, призванной исследовать концепцию абстракции через материю в различных состояниях. Эта работа черпает вдохновение из философии Аристотеля, которая утверждает, что материя необходима для композиции реальности. Фотография представляет собой тонкие, извилистые формы, которые, кажется, парят в пространстве, создавая движение и ощущение непрерывной трансформации и творения.
Кроме того, выбор представления материи в этих чрезвычайно мимолетных состояниях придает работе эфемерный характер, направленный на то, чтобы запечатлеть уникальный момент, который вскоре исчезает в самой материи. Очевидно, что продолжающееся исследование Идини абстракции в фотографии использует материю в различных состояниях для исследования выразительных возможностей форм, создавая композиции, которые живут лишь мгновение, прежде чем раствориться.
Linearity #7 (2024) Цифровое искусство Карлы Са Фернандес
Краткий обзор цифрового искусства
Цифровое искусство начало формироваться в 1950-х годах благодаря экспериментам Бена Лапоски в США и Манфреда Франка в Германии. Оба были математиками и программистами, а не традиционными художниками, но обладали творческой чувствительностью, которая влекла их к графическому искусству.
Постепенно мир цифрового искусства добился значительного прогресса, стремясь занять свое собственное пространство и занять рыночную нишу. Было организовано множество выставок и вручено множество наград с целью повышения осведомленности общественности об этой новой форме искусства.
Интересно, что цифровое искусство выражает себя через имитацию и переосмысление различных традиционных художественных течений. Благодаря передовому программному обеспечению цифровые художники могут копировать классические техники живописи, такие как масло и акварель, и экспериментировать с новыми выразительными формами, такими как дополненная реальность (AR) и виртуальная реальность (VR). Эти технологии позволяют художникам постоянно исследовать и вводить новшества, интегрируя традиционные техники с современными инструментами для создания работ, начиная от импрессионизма и заканчивая тем, что нас интересует: абстрактным искусством.
«Linearity #7» — это символический пример того, как цифровая абстракция обретает форму и оживает. Эта работа — симфония ярких линий, где каждый цвет играет свою мелодию, гармонируя с соседними. Работа исследует порядок и ритм, наполняя пространство мощной энергией, которая прославляет как единство, так и разнообразие.
Olimpia Gaia Martinelli
