Поль Гоген, «Натюрморт с тремя щенками», 1888. Дерево, масло, 91,8 х 62,6 см. Мома.
Жанр натюрморта: приступим прямо сейчас!
Давайте сразу перейдем к делу: когда вы читаете в Интернете о натюрморте, вы сможете найти примеры из эллинистического, римского, средневекового и ренессансного периодов. Для них характерно преобладающее изображение неодушевленных предметов, как природных, так и искусственных. Несмотря на то, что это определяющие черты этого типа сочинений, официально он стал отдельным жанром, признанным, специализированным и ценным, только к концу 16 века. Эта история получила значительную популярность и распространение в следующем столетии, хотя в 18 веке натюрморт оказался в самом низу иерархического рейтинга видов изобразительного искусства. Тем не менее, прогрессивная известность, приобретенная этим жанром, в первую очередь объясняется фламандским примером между 16 и 17 веками, контекстом, в котором был придуман термин «stilleven», что буквально означает «натюрморт». Хотя последнее значение сохранилось в английском языке, этого нельзя сказать о неолатинских языках, где слово «неподвижный» было заменено на «мертвый» (например, «natura morta»). Это изменение произошло в результате итальянской интерпретации этого термина, которая произошла в конце 18 века, вероятно, из-за простой ошибки перевода, изменившей старую голландскую фразу. На этом этапе повествование продолжается в моем рейтинге, демонстрируя успех жанра, который часто недооценивают, но на самом деле обращаются к нему бессмертные мастера всех художественных направлений, направлений и течений.
Караваджо, Корзина с фруктами, 1597-1600. Холст, масло, 46×64 см. Пинакотека Амброзиана, Милан.
1.Караваджо: Корзина с фруктами (1600)
Начнем с одного из самых известных произведений в истории искусства, относящегося к «несчастному» жанру натюрморта. Я имею в виду, прежде всего, прилив адреналина и склонность к синдрому Стендаля, «Корзину с фруктами» Караваджо, шедевр 1600 года. Картина важна как с историко-художественной точки зрения, так и с точки зрения сюжета. Это не только один из самых ранних образцов художественного жанра натюрморта, но и представляющий, в соответствии с итальянской эстетикой реализма, не только безупречные фрукты, но и гнилое яблоко и сухие листья, пронизанные дырками от насекомых. Все это было задумано мастером, чтобы намекнуть на шаткость человеческого существования, а также прославить подлинное несовершенство природы. Сюда входит плетеная плетеная корзина, в центре которой находятся грозди винограда, груш, яблок, инжира и персиков, опирающиеся на деревянную поверхность, идущую параллельно взгляду зрителя. Зрителю остаётся лишь сосредоточиться на реалистичности сюжета, которая фактически отрицается наличием некоторых деталей. В самом деле, заметили ли вы, что художник совершенно невероятным образом выполнил невыполнимую миссию — разместить рядом фрукты разных времен года? Наконец, я также хочу оправдать выбор сюжета Караваджо, который в контексте позднего маньеризма чувствовал себя оправданным, выражая свой интерес к природе, которая раньше часто использовалась как просто фоновый элемент в портретной живописи или на религиозные темы.
Рембрандт, Забитый бык, 1655. Масло, панель. 95,5 х 68,8 см. Лувр, Париж.
2.Рембрандт: Забитый бык (1655 г.)
Продолжаем рассказ о тахикардии, головокружении, спутанности сознания и галлюцинациях синдрома Стендаля, приближаясь к богатому символическими значениями шедевру, призванному свидетельствовать о том, как между XVI и XVII веками торжествовали натюрмортные композиции, среди них те, в которых туши животных казалось, следует понимать как скорбное и прямое memento mori, способное также тренировать художников, приближавшихся к сложности формы и цвета. Однако «Забитый бык» Рембрандта, шедевр, изображающий четвертованную тушу животного, подвешенного за две задние ноги, привязанные к деревянной балке, также напоминает нам знаменитый пример Распятия Иисуса. Теперь мы подошли к критическому моменту описания, поскольку работа фактически представляет собой ложный натюрморт. Фактически присутствие женщины на заднем плане, которая появляется за полуоткрытой дверью, превращает картину в жанровую, цель которой - изобразить сцену повседневной жизни.
Хаим Сутин, Говяжья туша, 1925. Холст, масло, 147,32 х 113,03 см. Коллекция Института искусств Миннеаполиса.
3.Хаим Сутин: Говяжья туша (1925)
Чтобы превратить вышеперечисленное в настоящий натюрморт, на помощь пришел Хаим Сутин! Я имею в виду его «Говяжью тушу» 1925 года, фактически вдохновленную описанным выше шедевром, который был переосмыслен русским мастером в серии работ на ту же тему. Стоит, однако, отметить, что к этой же теме подходили и другие великие мастера, в том числе Домье и Слефогт, хотя в случае Сутина очевидна особенно эмоциональная интерпретация, характеризующаяся интенсивными и насыщенными красками, отражающими эксцентричную личность живописца. Позвольте мне кратко остановиться на этой характерной стороне творчества художника, чтобы раскрыть некоторые мрачные подробности исполнения им рассматриваемых натюрмортов с животными. Сутин, друживший с служащими парижской скотобойни, покупал у них мясо и неделями носил его в свою мастерскую рисовать, за это время оно также претерпевало зловонное разложение... Мы не знаем, была ли эта фиксация на животном мире произошло из-за первоначальной депривации, так как известно, что художник, будучи еще бедным, избегал покупать мясо, поскольку оно было слишком дорогим. Как ни парадоксально, разбогатев, он решил купить ее только для того, чтобы изучать и рисовать...
Винсент Ван Гог, Подсолнухи, 1888. Холст, масло, 92,2 см × 73 см. Национальная галерея, Лондон.
4. Винсент Ван Гог: Подсолнухи (1888).
Взгляд зрителя прикован к единственному предмету, изображенному в рассматриваемом натюрморте: букету подсолнухов, поставленному в вазе, их формы покоятся на желтой поверхности, готовые выделиться на фоне светлой стены. Подсолнухи, собранные на разных стадиях спелости, похожим образом предстают в серии из семи работ художника, задуманных для украшения комнаты в Арле, которую Ван Гог предназначил для своего друга и коллеги Гогена. Позвольте мне на мгновение остановиться на слове «друг», показывая, что на самом деле французский художник обратился к Винсенту только после того, как получил финансовую компенсацию от Тео Ван Гога. Но почему возникла необходимость в деньгах? Ну, скажем, Гоген уже представлял себе, что жить с Винсентом будет немного проблематично, да и вышеупомянутая средиземноморская провинция ему тоже не нравилась. В любом случае, вскоре после этого Поль избавился от своего друга после одного из самых известных споров в истории искусства, покинув Арль и вызвав у Ван Гога кризис самоповреждения, кульминацией которого стал ставший трагическим и знаковый инцидент с порезанием ушей. Возвращаясь к цветам, известно, что количество подсолнухов в различных композициях также варьируется от четырнадцати до пятнадцати экземпляров. Почему именно этот выбор? Винсент дорожил числом 14, потому что оно относилось к числу апостолов, тогда как число 15 включало и себя в ту же цифру (14 апостолов + Винсент). Ирония: эта десятка рассказывает о событиях, которые лучше не проводить дома!
Поль Гоген, «Натюрморт с тремя щенками», 1888. Дерево, масло, 91,8 х 62,6 см. Мома.
5. Поль Гоген: Натюрморт с тремя щенками (1888).
Как зоозащитник, я должен был компенсировать присутствие в этой десятке умерших живых существ, цель, которую я выполняю, рассказывая о «Натюрморте Гогена с тремя щенками», работе, которая в то же время время вызывает у меня сомнения. В самом деле, если мы говорим о натюрморте, то как, собственно, животные вообще могли быть живыми? Если быть верными предпосылкам жанра, нарисованная фауна должна быть фактически мертвой, а живая допустима лишь в том случае, если она сделана по умершим моделям. Однако мы знаем, что в фигуративном контексте, в котором работал Гоген, он теперь был совершенно свободен от такого рода старых ограничений, настолько, что во время создания «Натюрморта с тремя щенками» он жил в Бретани вместе с группой художников-экспериментаторов. Именно в последнем он отошел от более реалистичных изображений, что в некоторых случаях привело к стилистическим особенностям с частично абстрактным оттенком, результат союза, который он отстаивал, между сном и природой. В любом случае решающей составляющей шедевра является также своеобразная интерпретация стилистических особенностей японского искусства, обнаруживаемая, например, в выделении синим цветом тел щенков, а также в мотиве их шерсти, предназначенной для вспомнить отпечаток на скатерти.
Поль Сезанн, «Натюрморт с яблоками и апельсинами», 1899. Холст, масло, 74х93 см. Музей Орсе, Париж.
6. Поль Сезанн: Натюрморт с яблоками и апельсинами (1899).
Вот мы и описываем еще одно из самых популярных произведений этого жанра: почему я сказал то, что сказал? Что ж, важно знать, что в «Натюрморте с яблоками и апельсинами» многие историки искусства признали предшественника кубизма, поскольку он использует геометрические формы для изображения фруктов, а также наличие ломаных линий в складках ткани. Опишем теперь то, что предполагалось: на полотне расположены несколько яблок и апельсинов, некоторые разбросаны, некоторые собраны на тарелках, что с правой стороны подставки также сопровождается наличием кувшина. Вышеупомянутое полотно опирается на цветочную ткань, призванную подчеркнуть наличие дополнительных синих и оранжевых цветов. Давайте теперь углубимся в этот хроматический аспект шедевра, полностью сосредоточившись на описании его объектов с помощью тональных вариаций, которые в случае с фруктами варьируются от желтого до красного. Взгляд на эти цвета не предлагается с точки зрения, которая соответствует геометрическим правилам, поскольку пространство является результатом наложения очень простых объемов, видимых с возвышенной точки зрения.
Фрида Кало, Viva la Vida, Арбузы, 1954 год. Музей Фриды Кало. @danielharoro
7. Фрида Кало: Viva la Vida, Арбузы (1954).
Важность и знаковость рассматриваемой работы будут раскрыты по ходу повествования, а пока я хочу дать вам предварительный просмотр, сообщив, что я выбрал эту картину, чтобы продемонстрировать потенциал жанра натюрморта, который в равной степени способны передавать весьма позитивные и обнадеживающие сообщения. Однако то, что я только что упомянул, возникает из-за сильного контраста, повторяющегося элемента в творчестве Фриды. В данном случае двойственность связана с тем, что художница написала шедевр в тяжелом состоянии здоровья, однако изобразила арбузы — квинтэссенцию символа бодрости жизни. Однако, если мы внимательно наблюдаем за этими субъектами, мы замечаем, что они проходят разные стадии созревания, что, скорее всего, указывает на разные этапы человеческой жизни. В любом случае оптимизм распространяется от использования красного цвета в сочетании с дополнительным зеленым цветом кожуры плода, хроматическим аспектом, который создает приятный и яркий контраст. Наконец, намерения художника, до тех пор лишь предполагавшиеся, становятся ясными в нижнем арбузе, на котором написана фраза: «Вива ла Вида - Койоакан, 1954 год, Мексика». Как завершается повествование о картине, так и повествование о Фриде, ведь Viva la Vida — во всех отношениях последняя работа, созданная художником...
Сальвадор Дали, «Живой натюрморт», 1956. Холст, масло, 125 см × 160 см. Музей Сальвадора Дали, Санкт-Петербург, Флорида.@
8. Сальвадор Дали: Живой натюрморт (1956).
Напротив, странная ассоциация динамизма и мертвой природы встречается в «Живом натюрморте» Сальвадора Дали, шедевре 1956 года, созданном в период, который каталонец назвал «Ядерным мистицизмом», живописный момент, когда он стремился исследовать взаимосвязь между сознательным разумом и квантовым мистицизмом. физика. Как я могу попытаться объяснить вышесказанное простым языком? Что ж, Дали, создавая рассматриваемый шедевр, был вдохновлен, обращаясь к своему сознательному разуму, вспоминая пример Ван Скутена, переданный его натюрмортом «Стол с едой». Говоря о физике, она вступила в игру, когда мастер трансформировал голландскую сервировку стола, придав ей чудо движения, интерпретируемое, разумеется, в совершенно сюрреалистической манере. Следовательно, вообще статичный жанр натюрморта становится, как следует из названия, живым! Существование в данном конкретном случае засвидетельствовано движением объектов, сводимых, в их мельчайших компонентах, к атомным частицам. Через последнее мы приходим к порождающей концепции картины, вышеупомянутому «Ядерному мистицизму», неразрывно вдохновленному гнусной и ужасающей атомной бомбой, сброшенной Соединенными Штатами на Японию.
Энди Уорхол, «Банки с супом Кэмпбелл», 1962. Холст, синтетическая полимерная краска, 51 см × 41 см. Музей современного искусства.
9. Энди Уорхол: Банки с супом Кэмпбелл (1962).
32 идентичных шелкографии, вдохновленные упаковкой супа Campbell's, намеренно повторяют рассматриваемую тему, стремясь создать инсталляцию, воспроизводящую типичное серийное расположение продуктов супермаркета. Эта тема, неоднократно интерпретированная художником, впервые была воплощена в рассматриваемом шедевре, который также был задуман как намек на постоянное присутствие супа в жизни американцев того времени. Подумайте только, сам Энди, как только работа была завершена, признался, что неоднократно ел этот продукт на протяжении двадцати лет! Более того, из-за вездесущности рассматриваемого изображения он также бросил вызов идее живописи как средства изобретательности и оригинальности, поскольку серийный характер «Барок с супом Кэмпбелла» обусловлен использованием полумеханизированной техники трафаретной печати. Однако во всем, что я написал, есть неточность: сможете ли вы ее найти? Шучу, но хочу уточнить, что банки для супа не являются, как было объявлено выше, идентичными друг другу, поскольку каждая картина представляет собой копию оригинальной модели с нанесением некоторых отличительных деталей. Не случайно ли Энди выделил в этот момент те особенности, которые делают уникальными даже промышленные объекты?
Джорджио Моранди, Натюрморт, 1949. Частное собрание.
10. Джорджио Моранди: Натюрморт (1950).
Несколько предметов быта сгруппированы почти в центре картины, где они покоятся на неопределенной поверхности, выделяясь на фоне схожих, но более светлых тонов. В чем причина решения увековечить несколько просто расположенных объектов? Чтобы ответить, мы должны вернуться в 1940-е и 1950-е годы, период, когда художник выбрал этот тип композиции, чтобы больше сосредоточиться на анализе техники живописи. Всегда преследуя эту цель, его натюрморты также стали менее «вычурными», так как представляли в основном одни и те же предметы, прежде всего бутылки, кувшины, вазы и миски. Так что же отличало каждую работу от других? Формат, ракурс и свет! Фактически Моранди сосредоточился на минимальных вариациях тонов, хотя предпочитал использовать оттенки серого, цвета слоновой кости и белого, не забывая при этом сопоставлять насыщенные цвета, такие как оранжевый, розовый и синий. Какие еще константы можно добавить к его работе? Художник рисовал своими типичными липкими мазками, стремясь создавать мягкие видения с «колеблющимися» границами. Эта характеристика связана с тем, что яркий свет осветляет тени, которые вместе с источниками света визуализируются с помощью двумерных цветовых полей, которые эффективно дематериализуют объекты!
Olimpia Gaia Martinelli