РОЗЫ (2021) Питтура да Валери Марке.
Мой рейтинг натюрмортов с цветами объединяет все те, которые, на мой взгляд, были наиболее знаковыми и «коммерческими» произведениями вышеупомянутого жанра, которые я расположил в рамках повествования в порядке убывания, направленного на кульминацию символа. по преимуществу предмета, то есть в этом шедевре, который никто или почти никто не может избежать неправильного признания, который я взял на себя смелость выбрать в качестве знакового репрезентативного плаката картин на «цветочную тему» по преимуществу. Однако, прежде чем перейти к первой десятке, было бы неплохо войти, хотя бы на мгновение, в исторический контекст, к которому принадлежат натюрморты с цветами, природные сюжеты, рожденные первоначально как второстепенное художественное проявление по сравнению с историческими, религиозными или мифологические, от руки фламандца Ганса Мемлинга, который примерно в 1490 году заложил основы для продолжения темы, которая теперь стала неизбежной, благодаря также тому факту, что на протяжении столетий она достигла интенсивности и эстетическая оригинальность намного превосходит простую ботаническую репродукцию. Кроме того, после успеха жанра в стиле ар-нуво мы обязаны наступлению двадцатого века интуицией не ограничиваться воспроизведением цветов только такими, какие они есть, а вовлекать их в ассамбляжи, инсталляции, фотографии и т. д. Мы прервать эту долгую, древнюю и будущую историю, чтобы обратиться к произведениям, которые в период с конца девятнадцатого века и до 2000-х годов представляли для меня вершину жанра, поскольку они не только технически и стилистически беспрецедентны, но и являются настоящими «мейнстримовыми». продукты», пользующиеся большим спросом у масс.
Мураками с образцом из своей серии «Цветочный бал». @soulr.co
10. Такаси Мураками, «Розовый шар», 2007 г.
Сказанное лаконично и без каких-либо ссылок на намерения, обучение и влияния, повлиявшие на создание работ Мураками, «Розовый шар цветов» (2007) представляет собой круговую гравюру, наполненную интенсивным и «многочисленным» всплеском ярких цветов, каждый из которых снабжен смайликом. лица, создают ощущение иллюзорной трехмерности, призванной оживить всю серию «Цветочный бал», частью которой является вышеупомянутый принт. Добавляя к этому краткому описанию недостающие детали, популярные цветы Мураками, такие же основные элементы карьеры художника, как банки супа Кэмпбелла могут быть для Уорхола, являются результатом оригинальной новой интерпретации традиционной японской живописи, в которой часто изображались цветы. К этой древней иконографии добавляется внимательное наблюдение за миром манги, аниме и японской субкультуры, генераторами коммерческих объектов, которые Такаши превращает в искусство посредством стирания границ между потребительством и искусством, отношение, которое еще раз перекликается с интенции поп-арта 1950-х. Несмотря на такую родственность, рисунки Мураками выходят за рамки простого сопоставления высокой и низкой культуры, поскольку за упомянутыми яркими улыбками проглядывают скрытые слезы, способные формировать то зрелое мужество, способное скрывать страдание за достойным проявлением безмятежности. Собственно, последнее наблюдение связано с болезненным заявлением художника в New York Times, в котором он признался, что его «Улыбающиеся цветы» — не что иное, как немое проявление вытесненных эмоций, а также коллективно переживаемых травм. японцами в самый драматический момент их истории: бомбардировки Хиросимы-Нагасаки в 1945 году.
Цветочная скульптура Яёи Кусамы. @kusama_archive
9. Яёи Кусама, «Готовы расцветать утром», 1989 г.
Опять же, она не противоречит сама себе! Яёи Кусама, современная японская художница, чрезвычайно известная своим компульсивным использованием плотных узоров в горошек, украшений по ее вдохновению, неумолимо черпаемых из драматических и округлых галлюцинаций, от которых художница страдала с детства, не застает нас врасплох. когда она решает перепрофилировать свой самый заветный мотив, а также дать жизнь повторяющемуся красному фону, направленному на материализацию в точках, окружающих два цветка, нацеленных на силуэты на переднем плане. Если вас поразила только что проявившаяся навязчивая идея, проявляющаяся в данном случае через изображение мира цветов, то вы не знакомы с работами японского художника, который в других случаях, опять же навязчиво, подходил к цветочному миру так же, как и когда, например, во время Триеннале Виктории в Национальной галерее (Мельбурн, 2018 г.) она разрешила посетителям свободно размещать множество гербер на всех доступных поверхностях в комнате. Эта работа под названием «Цветочная одержимость» находит объяснение, опять же, через повторение вышеупомянутых видений, хотя в данном конкретном случае именно сама художница раскрывает происхождение инсталляции: «Все началось с галлюцинации. Однажды в детстве, увидев узор из красных цветов на скатерти, я посмотрел вверх и потолок, окна и колонны, казалось, были облеплены таким же красным цветочным узором, я увидел всю комнату, все мое тело и вселенную, покрытые красным цветов, и в это мгновение моя душа стерлась… Это была не иллюзия, а сама реальность».
Энди Уорхол, «Цветы», 1964 год.
8. Энди Уорхол, «Цветы», 1964 год.
До 1964 года, что несколько невероятно, в репертуаре Уорхола почти непростительно отсутствовал подход к преимущественно натуралистическим предметам, таким как, скажем, цветы! Как питтсбургскому художнику удалось забыть о таком повторяющемся жанре в истории искусства, возможно, чтобы превратить его в повторяющийся потребительский объект, навязчиво предлагаемый массам? На самом деле Энди никогда не проявлял самостоятельного интереса к вышеуказанной теме настолько, что его анализ был вызван вмешательством Генри Гельдзалера, куратора современного искусства, который призвал Уорхола во время Всемирной выставки 1964 года в Нью-Йорке обогатить его производство с естественным элементом по преимуществу. В конце концов, однако, Энди сблизился с таким сюжетом, в частности с гибискусом, который, выполненный в стиле, направленном на сочетание импрессионистских и абстрактных техник, преследовал цель дать голос самой сокровенной душе художника и, возможно, также наименее раскрытой. и противоречивый, поскольку он часто скрывается за появлением потребительского нарратива. Пока все хорошо, настолько, что Уорхол несколько раз интерпретировал тему, но однажды горькая правда вышла наружу: шелкографии «Цветы» четко повторяют образ цветов гибискуса с фотографий Патрисии Колфилд, художницы, которая , не допрошенный Уорхолом, сразу обратился в суд!
7. Рой Лихтенштейн, «Черные цветы», 1961 г.
Мы подошли к седьмой позиции, которую занимает один из главных художников поп-арта, наряду с только что рассмотренным выше: я говорю о Рое Лихтенштейне, известном своими работами, вдохновленными газетными принтами и комиксами, особенно теми, которые , выполненная с помощью точки Бен-Дей, иллюстрировала жизнь того времени, войдя в историю, прежде всего, благодаря таким шедеврам, как Whaam! (1963), а также те, что изображали прекрасных белокурых дам, которые, довольно снисходительно, чуть ли не заплакали и улыбнулись по команде. Кто бы мог подумать, что в этом спектакле, в который мы можем включить работы с изображением Дональда Дака и Микки Мауса в качестве сюжетов, а также ремейки известных шедевров, мы найдем и цветочные натюрморты? Здесь я представляю «Черные цветы», произведение, которое, несмотря на то, что оно датировано 1961 годом, то есть должно быть отнесено к началу карьеры художника, уже возвращает некоторые более зрелые стилистические черты Лихтенштейна, которые, неизгладимо отмеченные миром комиксы, в данном случае приходят, чтобы ниспровергнуть хроматическую красоту цветов, запечатлеть их в необычных черно-белых тонах, направленных на то, чтобы возвышаться над вазой в форме рифленой колонны, детали, которая делает возможным союз между классический и журнальный миры.
Джорджия О'Киф, Red Canna, 1924. Масло, 73,7 x 45,7 см.
6. Джорджия О’Киф, «Красная Канна», 1924 год.
Было просто невозможно не включить в эту десятку работы О'Киф, американской художницы, наиболее известной своими картинами с цветами, выполненными крупным планом или в большом масштабе, представляющими некоторые из ее самых известных шедевров. период с середины 1920-х до 1950-х гг. В этом обширном цветочном произведении я хотел выбрать в качестве репрезентативной работы «Красная канна» (1924), полотно с изображением тростниковой лилии, «увеличенной» и, таким образом, видимой вблизи, чья перспектива преследует цель познакомить нас и оценить красота, богатство и нежность распустившегося цветка, интерпретируемые параллельно, эротично и чувственно, с крупным планом самой скрытой части женственности, «измерение», которое наблюдатели часто узнают в большей части цветочного репертуара О'Киф. . На самом деле, зло заключается именно в глазах смотрящего, поскольку художница порывисто заявила, что ее работа была буквально неправильно понята, став символом маскулинистской интерпретации, сформулированной искусствоведом преимущественно мужского пола, увековечившим сексуальную концепцию ее работа, которая на самом деле сильно отличалась от ее первоначальных намерений.
Анри Матисс, Кустовые розы перед окном, 1925. Холст, масло, 80×65 см. Частная коллекция. @ картины_i_love.
5. Анри Матисс, «Цветы», 1907 г.
Матисс, ведущий представитель фовизма, отличился, как и другие представители последнего художественного течения, популяризацией упрощенных форм, упразднением перспективы и светотени, использованием ярких, неестественных и чистых цветов. Цветочный натюрморт «Цветы», датированный 1907 годом, с его менее «агрессивными» и чуть более «натуралистическими» красками, чем упомянутые выше, ценит больше, чем удивление, передаваемое яркими оттенками, движения очень выразительного мазка, направленного на построение плоских и графических форм, приближающихся к более «классической» теме натюрморта. Если это описание применимо к «Цветам» (1907), хорошо бы подчеркнуть, как в течение долгой карьеры художника он неоднократно возвращался к теме цветов, интерпретируя их в более или менее развитых контекстах, включая интерьерные сцены и пейзажи, такие, например, как «Пурпурная мантия и анемоны» (1937) и «Интерьер с собакой» (1934).
Кацусика Хокусай, Снегирь на плачущей вишне, 1840 г.
4. Кацусика Хокусай, «Снегирь на плачущей вишне», 1840 г.
«Одинокая птица купается / свои перья и улетает: / утреннее вишневое дерево»: таков перевод надписи, найденной на гравюре «Снегирь на плачущей вишне» (1840 г.), на которой показаны семнадцать слогов, приписываемых Бунрай'ану Сэцуману, поэт хайку из Сэцумон, школы, с которой Хокусай был связан и также упоминается в тексте, изображенном на картине «Сосны и гора Фудзи». Говоря о вишневом дереве, упомянутом в той же цитате, это бесспорный главный герой произведения, который среди цветов и бутонов представлен вместе со снегирем, изменчивым, который в Японии является известным подставным лицом церемонии. проводится каждый канун Нового года в святилищах Тэндзин. По этому поводу нужно идти к священному месту, вооружившись прошлогодним снегирем, чтобы заменить его на снегиря нового хода, который, освященный, защитит своего владельца от напастей следующего года. С другой стороны, доброжелательное животное, реалистично реализованное на гравюре Хокусая, определенно является самцом, как видно из розового пятна, которое простирается от щеки до горла птицы. Наконец, цветы, берлинская лазурь, птица и надписи образуют гармоничное целое, способное рассказать нам о высочайших художественных традициях, а также обычаях и культуре Японии.
Густав Климт, Подсолнух , 1906 - 1907. Холст, масло, 110 x 110 см. Частная коллекция.
3. Густав Климт, «Подсолнух», 1906 г.
Забудьте «Поцелуй» (1908 г.), «Юдифь» (1901 г.) и «Три возраста женщины» (1905 г.) — произведения, которые наводят нас на мысль, что Климт был, возможно, более искусным и, безусловно, более заинтересованным в изображении человеческой фигуры, а не природы. , или натюрморт. Если первая гипотеза заведомо неверна, учитывая эклектизм художника, то вторая представляется вполне правдоподобной, так как Подсолнух 1906 года оказывается сюжетом, на редкость лишенным наиболее типичного антропоморфного элемента. В любом случае, вышеупомянутые цветы Климта кажутся очень похожими на людей, так как они стоят прямо в саду, где они живут, все еще оказываясь далеко не связанными в пространстве вазы вместе с фруктами и другими отмирающими цветами. образцы. По этой причине, если мы действительно хотим быть пунктуальными, шедевр, вместо того, чтобы полностью впасть в жанр натюрморта, может показаться чем-то родственным жанру пейзажа, в котором подсолнухи принимают движения главных героев вышеперечисленного. -упомянутые шедевры, особенно повторяющие пожатие влюбленных в «Поцелуе», когда их листья слились в подобном объятии.
Клод Моне , Нинфи , 1919. Нью-Йорк: Метрополитен-музей.
2. Клод Моне, «Пруд с водяными лилиями, зеленая гармония», 1899 г.
Также на полпути между «натюрмортом» и пейзажем находится длинная серия кувшинок Моне, которые, будучи помещенными на открытом воздухе и еще живыми, становятся моделями так же, как более «домашние» вазы, фруктовые и цветочные композиции. Этот цикл из более чем 250 картин, созданных между 1890 и 1926 годами, фактически рассказывает об отстранении мастера от некоторых особенностей движения, которое он сам представлял: импрессионизма. В самом деле, если одна из особенностей последнего заключалась в том, чтобы писать «на пленэре», то для того, чтобы зафиксировать в едином изображении, сделанном совершенно спонтанно, впечатление точного момента, мастеру не хватило такой способ работы по двум причинам: размер его последних полотен и зимний сезон. Что касается первого, то большие средства массовой информации строго хранились в его студии, месте, где он мог фрагментировать свои впечатления, полученные от жизни, а затем перекомпоновывать их в последовательность связных моментов. Что касается зимнего сезона, то, с другой стороны, холодная погода означала, что художник с помощью передвижных мольбертов мог начать свою работу на улице, а затем закончить ее в своей мастерской, где он мог добиться искусного обзора.
Винсент Ван Гог, Подсолнух , 1889. Холст, масло, 95 х 73 см. Амстердам: Музей Ван Гога.
1. Винсент Ван Гог, «Подсолнухи», 1889 г.
И победитель: Винсент! Должен сказать правду, я всегда питал слабость к беспокойным духам, но в данном случае его подсолнухи действительно представляют собой неизбежный шедевр натюрморта для истории искусства, поскольку они достигают идеального синтеза внешней реальности художника и внутренний мир. По сути, картина, изображающая букет подсолнухов, собранных в пузатой вазе и расставленных на плоскости, именно на фоне светлой стены, является известным образцом образного экспериментирования мастера, жившего живописью как ежедневная экзистенциальная терапия, то есть одновременно художественное занятие и фильтр, с помощью которого можно смотреть в лицо реальности. Кроме того, серия подсолнухов была сделана с намерением выразить благодарность его другу и коллеге Полю Гогену, настолько, что он действительно задумал украсить комнату, которую Винсент устроил для него в Арле, в Желтом доме, где француз присоединился к нему. Даже голландский мастер так любил этот цветок, что стал отождествлять себя с ним, вплоть до того, что назвал его «полностью Винсентом». Наконец, также важно отметить, что подсолнухам, помещенным в вазы Ван Гогом, иногда, как было показано его брату Тео, четырнадцать или пятнадцать, чтобы указать на число апостолов Христа, добавленное к фигурам Тео. и Поль Гоген, к которому можно было бы добавить и присутствие самого Винсента.
Olimpia Gaia Martinelli
