Пауль Клее, Ad Parnassum, 1932. Холст, масло, 100×128 см. Художественный музей, Берна.
Основные понятия абстрактного искусства
Просто чтобы дать читателю представление о том, «когда» и «где»: абстракционизм, авангардное художественное движение, зародилось в начале 20 века в Германии, распространившись на различные регионы страны, довольно удаленные друг от друга, где он принял различные визуальные и концептуальные вариации. По сути, абстрактное искусство относится ко всему художественному производству, суть которого вращается вокруг создания произведений, исследующих реальности, освобожденные от предыдущих художественных традиций, где цвета и формы становятся новым фокусом повествования, готовым выразить эмоции, идеи и переживания художника. . Важно указать, что существует два способа быть абстрактным: частичным и полным. В первом случае мы имеем в виду произведения, в которых все еще представлены узнаваемые сюжеты, но они упрощены, искажены, переданы нереалистично или вырваны из обычного контекста. С другой стороны, что касается полной абстракции, это относится к творениям, выходящим за рамки представления контекстов и стремящимся черпать вдохновение из реальной визуальной реальности. В обоих случаях цель — бросить вызов цели и смыслу искусства, потенциально освободив его от взаимоотношений с окружающим миром, расширив границы того, что можно понимать как художественное производство. Следовательно, это бросает вызов более традиционным эстетическим канонам, чтобы взять искусство за руку и вести его к более открытым и экспериментальным направлениям. Они особенно эффективны, когда кто-то хочет выразить философские принципы и идеологии, идеи, которые иногда слишком сложны и неуловимы, чтобы их можно было ограничить фигуративными предметами. Зритель также включен в эту «игру», и его роль приобретает новое значение: интерпретировать увиденное как по-своему, так и путем сравнения с точкой зрения художника. Теперь, когда мы кратко прояснили исторический и художественный контекст, в котором мы действуем, мы можем начать с нашего топ-10, который в хронологическом порядке даты показанных картин можно считать продолжением вышеупомянутого повествования, способным представляя различные эволюции рассматриваемого движения.
Василий Васильевич Кандинский, Без названия (Первая абстрактная акварель), 1910. 49,6 х 64,8 см. Центр Жоржа Помпиду, Париж.
Топ 10
1.Василий Кандинский, Без названия (Первая абстрактная акварель) (1910).
Почему стоит начать с Кандинского? Я решил поставить «Без названия» на первое место в своем списке, потому что критики считают его началом абстрактного искусства. В этой акварели русский художник устранил любые ссылки на видимый мир, создав синтез музыки и живописи, создав совершенно новые образы, намекающие на эмоции и настроения. Это достигается за счет тщательно подобранных цветов, линий, точек и пятен, организованных чрезвычайно гармонично. Стоит отметить, что до Кандинского кубизм и импрессионизм раздвинули границы визуального понимания, как это видно в работах Брака, Пикассо или более поздних кувшинках Моне. Однако в их работах некоторые отсылки к реальному визуальному миру все же сохранялись, тогда как в «Без названия» Кандинский сознательно решил устранить все отсылки к осязаемой реальности, рисуя только линии, пятна и знаки, призванные представлять самих себя. В акварели преобладают коричневые, желтые и оранжевые пятна, некоторые более плотные, чем другие, образующие скопление, напоминающее созвездия. Ритм этих элементов в сочетании с гармоничным использованием цветов и соотношением между знаками придает ощущение композиции.
Хоан Миро, Охотник (Каталонский пейзаж), июль 1923 г. – зима 1924 г. Холст, масло, 64,8 х 100,3 см. Мома, Нью-Йорк. @ssteph888
2. Жоан Миро, Охотник (Каталонский пейзаж) (1923-24).
Второе место в моем рейтинге в хронологическом порядке исполнения занимает Жоан Миро с картиной «Охотник (Каталонский пейзаж»). Это произведение искусства иллюстрирует вышеупомянутую концепцию частичного абстрактного искусства. Могу с уверенностью это утверждать, поскольку при внимательном рассмотрении в шедевре обнаруживается изображение своеобразного пейзажа с фигурами людей и животных, отсылающее к определенному периоду жизни художника, когда он жил на семейной ферме в Монтройге (Каталония). Зачем везти зрителя в это место в Испании? Картина действительно может говорить о родине мастера, стремясь подчеркнуть определенную склонность к каталонскому национализму, очевидную в намеке на традиционный танец региона, явно выраженный словом «сард», а также в присутствии каталонского флага. как флаги Испании и Франции. Если оставить в стороне такие интерпретации, то в работе можно с уверенностью сказать, что она представляет самого художника, изображенного, как и в других случаях, в образе охотника. Я имею в виду стилизованную фигуру с треугольной головой, расположенную в левой части полотна, держащую только что убитого кролика и еще дымящееся ружье. Однако все описанное можно интерпретировать и в сфере сказочного, поскольку сюрреалистический шедевр является продуктом автоматизма, использования подсознания, способствующего передаче новых форм и интерпретаций действительности.
Пит Мондриан, «Композиция с красным, желтым и синим», 1930. Холст, масло, 45 см × 45 см. Кунстхаус Цюрих
3. Пит Мондриан, «Композиция с красным, желтым и синим» (1930).
Вернемся к полной абстракции к Питу Мондриану и его знаменитой «Композиции с красным, желтым и синим», работе, созданной в межвоенный период, на пике карьеры художника. В сложившихся обстоятельствах он почувствовал себя более спокойным и способным посвятить себя художественным исследованиям, направленным на неопластический синтез. Я имею в виду процесс формального упрощения, направленный на достижение особого стремления к духовному очищению, которое испытывал художник, который, также под влиянием теософских исследований, постепенно отказался от фигуративности. Это реализовано в вышеупомянутой работе, характеризующейся наличием толстых черных линий, которые пересекаются, образуя прямоугольные и квадратные поля, некоторые из которых окрашены в красный, желтый и синий цвета. Выбор основных цветов призван воспроизвести формальное и хроматическое равновесие, отражающее духовные искания художника, руководствующегося вселенским равновесием. В данном случае равновесие обретается при отсутствии композиционного геометрического центра, а это означает, что шедевр потенциально может выходить за пределы нарисованного полотна.
Пауль Клее, Ad Parnassum, 1932. Холст, масло, 100×128 см. Художественный музей, Берна.
4. Пауль Клее, Ad Parnassum (1932).
Перед нами еще один пример частичной абстракции, а именно Ad Parnassum, шедевр на холсте, который Клее создал во время своего пребывания в Италии шестью годами ранее. В это время его поразили мозаики Равенны, которые он переосмыслил, используя новую неодивизионистскую технику. Эта техника характеризуется характерными пуантилистическими мазками, создающими плотную хроматическую текстуру, где цвета излучают уникальный яркий свет, напоминающий раннехристианское искусство. Что касается цветовой палитры, то здесь доминируют оттенки сине-зеленого и желто-оранжевого, придающие динамичность всей композиции. Равномерный блеск нарушается наличием линий, образующих силуэт пирамидального холма, сопровождаемого высоким солнцем на небе. Наконец, мы завершаем это описание собственными поясняющими словами художника: «Предметом был мир, хотя бы и не этот видимый мир». Несмотря на эти слова, то, что мы наблюдаем, не полностью теряет связь с известной нам реальностью; вместо этого оно напоминает о нем в виде воспоминаний и фрагментов, переданных через сложную гармонию красок, раскрывающих музыкальные мелодии, с которыми мастер, искусный скрипач был хорошо знаком.
Слева: Бен Николсон О.М., 1934 г. (рельеф), 1934 г. Масло, красное дерево, 718×965×32 мм. Тейт. @ jay.parmar
5.Бен Николсон О.М., 1934 г. (рельеф), 1934 г.
Чтобы понять шедевр Николсона, мы должны рассмотреть исторический контекст, в котором художник развивал свой взгляд на искусство. В бурный межвоенный период, когда художники обратились к абстракции в поисках утраченной невинности и чистоты человечества, Николсон начал экспериментировать с разными способами изображения пространства. Эти цели он преследовал посредством создания рельефных работ, где участки различной глубины определяли пространство, иногда окрашенное только в белый или серый цвет, в оттенках чистоты. Квинтэссенцией этой монохромной и многослойной картины является «1934 (relief)», шедевр, вдохновленный влиянием Мондриана, как и Миро и Колдера. Чтобы создать эту работу, Николсон вырезал из деревянной панели круг и квадрат, намекая на идею отсутствия и весомого присутствия во время конфликта. Использование геометрических форм, объемной многослойности и монохромной палитры способствуют удалению эмоций.
Справа: Марк Ротко, Белый центр (Желтый, розовый и лавандовый на розовом), 1950. 205,8 см × 141 см. Королевская семья Катара.
6. Марк Ротко, Белый центр (Желтый, розовый и лавандовый на розовом) (1950)
В 1950 году Ротко начал делить холст на горизонтальные цветные полосы, и в этом году был создан Белый центр (Желтый, Розовый и Лавандовый на Розовом). Шедевр представляет собой фронтальную композицию, в которой большие цветные полосы словно плывут и сливаются с цветовым полем, на котором они расположены. По сути, «Белый центр» является частью характерного многообразного стиля Ротко, в котором на большом холсте накладываются различные блоки дополнительных цветов. Описывая его с добавлением цвета, работа начинается с желтого горизонтального прямоугольника, продолжается горизонтальной черной полосой, белой прямоугольной полосой, завершающейся нижней половиной в лавандовых тонах. Яркость всего произведения достигается за счет многократного наслаивания тонких красочных вуалей, из-за которых в верхних слоях проступает некоторый подмалевок. Проанализированное можно применить, конечно, с вариациями, к большей части работ художника того периода. Он стремился найти тонкие вариации пропорций и цвета, создавая множество эмоций и атмосфер, чтобы окутать зрителя.
Джексон Поллок, «Конвергенция», 1952. Холст, масло, 237 см × 390 см. Художественный музей AKG Буффало, Буффало. @Джексон_поллок
7. Джексон Поллок, «Конвергенция» (1952).
Холст покрыт запутанными следами, и наличие черных круговых линий кажется равномерным по всей опоре, в то время как в других частях видны следы красного, желтого, синего и белого цветов. Я имею в виду работу, занимающую седьмую позицию, «Конвергенцию», поначалу оцененную критиками как не впечатляющую, но впоследствии ставшую чрезвычайно известной. Первоначальный скептицизм искусствоведов, вероятно, был связан с тем, что работа, первоначально черно-белая, представляла собой переосмысление художника, который позже добавил дополнительные цвета. Искупление конвергенции произошло не только благодаря более поздней переоценке, но и благодаря признанию Гарольда Розенберга, искусствоведа, который назвал ее высшим примером абстрактного экспрессионизма и живописи действия. Под этими терминами я просто подразумеваю художественную практику, разработанную художником, где он свободно позволял своим самым инстинктивным жестам течь во время создания своих произведений, воплощая их на полотнах с безошибочной энергией.
Хелен Франкенталер, Горы и море, 1952. Холст, масло, уголь, 220 см × 297,8 см. Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия @ helenfrankenthalerfoundation
8. Хелен Франкенталер, «Горы и море» (1952).
Поговорим о технике: «Горы и море» создавались путем размещения необработанного негрунтованного холста на полу и заливки его масляной и скипидарной краской. Я имею в виду личную живописную практику Франкенталер, известную как окрашивание, которую она применила в данном конкретном случае впервые. В результате получаются поля прозрачного цвета, которые кажутся плавающими, но на самом деле привязаны к текстуре холста, обеспечивая плоскость и стабильность. В этом контексте цвета расположены не случайно, а служат для воссоздания естественной среды, каждый раз уникальной и разной. Как и «Конвергенция, горы и море», первая работа Франкенталера, профессионально выставленная на выставке, сначала подверглась критике, но позже была понята до такой степени, что газета «Нью-Йорк Таймс» посвятила ей это деликатное и праздничное описание: «Горы и море» — это «свет и прозрачное воплощение холмов, скал и воды».
Роберт Мазервелл: Элегия Испанской республике № 57, 1957–1961. Холст, уголь, масло, 213,36 см × 277,18 см. Коллекция СФМОМА.
9. Роберт Мазервелл: Элегия Испанской республике № 110 (1971).
Рассматриваемый шедевр, как частично следует из его названия, возник из воспоминаний, которые Гражданская война в Испании оставила отпечаток в сознании художника, когда ему был всего двадцать один год. Влияние этого катастрофического события было таково, что Мазервелл вновь обратился к этой теме не только в «Элегии Испанской республике» № 110, но и в серии из более чем 200 картин, посвященных этой теме. Точно так же можно вспомнить знаменитую «Гернику» Пикассо, датированную 1937 годом, которая еще раз отсылает к эпизоду гражданской войны в Испании. Однако в случае автора «Элегии Испанской республике» № 110 рассматриваемый конфликт становится способом намекнуть на все формы несправедливости, вплоть до того, что он задумал вышеупомянутую серию как воспоминание о человеческих страданиях, чувства, выраженные в форме абстрактных и поэтических символов, противопоставляющих смерть и жизнь. Этот подход абстрактного экспрессионизма унаследовал некоторые элементы языка французского символизма, особенно языка Стефана Малларме, поэта, который выступал за представление эмоционального эффекта, производимого событиями или идеями, а не самими событиями или идеями. Наконец, вышеупомянутое противостояние жизни и смерти конкретно передано на полотне посредством сопоставления черного и белого, а также контраста овальных и прямоугольных форм.
Герхард Рихтер, Abstraktes Bild, подписано в 1987 году, номер 636. @theartbystander
10. Герхард Рихтер, Abstraktes Bild (809-1) (1994).
Шедевр Рихтера, известный как одна из самых дорогих картин среди его десяти лучших работ, входит в серию из четырех работ и является результатом сложного, повторяющегося и, вероятно, утомительного творческого процесса, свидетелем которого является само полотно, поскольку в нем проявляются признаки временных перерывов в работе. Тем не менее, после завершения Abstraktes Bild приняла форму полос и пятен краски, которые были перетянуты к краю холста с помощью ракеля и обогащены добавлением других цветов, нанесенных аналогичным образом. Фактически, процесс нанесения краски, быстрый, случайный и повторяющийся, включает в себя слои цвета, сменяющие друг друга, пока художник не сочтет картину завершенной. Это заставляет задуматься о том, что за счет наложения разных слоев методы создания произведения узнаваемы лишь поверхностно, поскольку на самом деле они скрыты в нижележащих уровнях. Однако мы можем описать Abstraktes Bild так: богатая цветом поверхность вертикальных и горизонтальных линий, призванная художником передать зрителю спокойствие и гармонию.
Olimpia Gaia Martinelli