Объяснение североевропейского искусства путем сравнения его с южным искусством
Североевропейское искусство, охватывающее Норвегию, Швецию, Данию, Финляндию и Исландию, тесно связано с природой, мифологией и историей. Эта художественная традиция разработала уникальную эстетику, часто минималистичную и интроспективную, где эмоции и ландшафт играют основополагающую роль. Искусство викингов с его сложными животными мотивами и украшениями, вдохновленными скандинавским фольклором, является ранним примером этой связи, подчеркивая природные и мифологические темы, которые сохранялись на протяжении столетий.
Однако североевропейское искусство не развивалось в изоляции. Оно интегрировало и адаптировало влияния основных европейских художественных течений, таких как импрессионизм, символизм и экспрессионизм, зародившихся во Франции и Германии. Такие художники, как Эдвард Мунк в Норвегии и Андерс Цорн в Швеции, приняли эти международные стили, смешав их со своими местными традициями. Это слияние обогатило европейскую эстетику новым акцентом на пейзажах и эмоциональной глубине.
Напротив, южноевропейские страны, такие как Италия, Испания и Греция, развивали художественные традиции, глубоко укорененные в греко-римском наследии и эпохе Возрождения. Здесь красота человеческого тела, симметрия и представления божественного оставались центральными для художественного производства на протяжении столетий.
В Северной Европе художественная эволюция привела к растущему исследованию ландшафтов и внутренних эмоций. Романтизм оказал глубокое влияние на скандинавскую живопись, где художники погружались в дикую красоту своих территорий и связь между людьми и природой. В то время как Юг концентрировался на религиозных темах и человеческой фигуре, Север развивал более абстрактный визуальный язык, связанный с природой, включив в себя элементы европейских течений по пути.
Сегодня современное скандинавское искусство продолжает выражать свою связь с природой и абстракцией, одновременно открываясь глобальным влияниям и новым медиа. Аналогично, Южная Европа, принимая современные тенденции, часто сохраняет сильную связь со своим классическим наследием.
Североевропейское искусство в 10 шедеврах живописи
Давайте теперь войдем в воображаемый музей, где собраны самые знаковые произведения скандинавского искусства, чтобы рассказать о художественной идентичности Норвегии, Швеции, Дании, Финляндии и Исландии. «Крик» Эдварда Мунка открывает путешествие своим интенсивным выражением тоски, за которым следует «Танец жизни», исследующий этапы существования. Эпическая «Midvinterblot» Карла Ларссона напоминает языческие мифы, в то время как коллективная радость «Hip, Hip, Hurrah!» Педера Северина Крёйера дополняется тонкой атмосферой «Раненого ангела» Хуго Симберга. Финские пейзажи в «Мифе об Айно» Аксели Галлен-Каллелы вызывают в памяти красоту скандинавской природы, а Исландия находит свое выражение в «Из Тингвеллира» Йоханнеса Свейнссона Кьярваля. Театральность «En agitator» Эрика Хеннингсена и выразительная «Летняя ночь в Тюресё» принца Ойгена завершают путешествие по природе, самоанализу, истории и древним мифам.
Это путешествие захватывает душу Северной Европы, где природа и эмоции сливаются во вечных шедеврах. Вы готовы купить билет в этот фантастический музей и посетить его вместе со мной?
Эдвард Мунк, Крик, 1893. Масло, темпера и пастель на картоне, 91 x 73 см. Национальная галерея Норвегии.
1. «Крик» – Эдвард Мунк (Норвегия)
Мы вместе поднимаемся по ступеням этого воображаемого учреждения с билетом в руке. Переступив порог, в центре комнаты, наши глаза расширяются от изумления: «Крик » Эдварда Мунка. В произведении искусства используются смелые, контрастные цвета — красный и зеленый, оранжевый и синий — для создания выразительного эффекта, который усиливает драматизм. Закрученные, почти расплавленные линии фона контрастируют с геометрической жесткостью перил, создавая визуальное напряжение. Теплые оттенки неба уравновешивают плотные элементы внизу, привлекая внимание к лицу кричащей фигуры. «Крик» — универсальный символ экзистенциальной тоски. Он представляет собой не только индивидуальный опыт, но и коллективное чувство ужаса и одиночества. Мунк отражает пессимизм fin de siècle, подчеркивая эмоциональную отчужденность других фигур в сцене и создавая мощное изображение отчуждения. Эта работа считается иконой современного искусства за ее способность запечатлеть человеческую боль в прочной визуальной форме.
Эдвард Мунк, Танец жизни, 1899-1900. Масло на холсте. Национальная галерея, Осло.
2. «Танец жизни» – Эдвард Мунк ( Норвегия )
С правой стороны комнаты, на самой большой стене висит еще один шедевр Эдварда Мунка, работа, которая продолжает вызывать восхищение и глубокие размышления. Посетители, некоторые поглощенные, другие с внимательными взглядами, подходят к картине, следуя объяснениям аудиогида на своих телефонах, погружаясь в выразительную силу шедевра и уникальную атмосферу, которую создает Мунк. Теперь мы стоим перед «Танцем жизни» мастера, работой, которая изображает сцену, происходящую во время кануна Святого Иоанна, традиционно связанного в Норвегии с празднованиями на открытом воздухе и танцами. На картине изображены три женские фигуры, представляющие этапы жизни: молодая женщина в белом, символизирующая чистоту и надежду; женщина в красном, символизирующая страстную любовь; и фигура в черном, символ траура и смерти. В центре танцует пара, эмоционально далекая, несмотря на интенсивность их физической связи, в то время как на заднем плане другие пары, кажется, теряют себя в кружащемся танце под лунным светом. Картина выражает пессимистический взгляд Мунка на любовь, не как на силу, противостоящую смерти, а как на разрушительную энергию, поглощающую человеческую душу. То, что должно быть радостным и праздничным танцем, становится меланхоличным и отчуждающим ритуалом, символизирующим хрупкость существования.
Карл Ларссон, «Середина зимы», 1915, картина маслом. Шведский национальный музей изящных искусств, Стокгольм
3. «Мидвинтерблот» – Карл Ларссон (Швеция)
Проходя по обширным пространствам музея, мы встречаем множество других шедевров. Нижеследующее повествование представит их не в хронологическом порядке, а в том порядке, в котором они были организованы, подчеркнуты архитектурой и искусно освещены прожекторами. «Midvinterblot » (Жертвоприношение в середине зимы) — картина, созданная Карлом Ларссоном в 1915 году для центральной лестницы Национального музея в Стокгольме. Несмотря на первоначальные споры и отторжения, шедевр был наконец установлен в музее в 1997 году, на том месте, где он изначально предполагался. Работа изображает легенду из скандинавской мифологии, в которой шведский король Домальде приносится в жертву, чтобы предотвратить голод. «Midvinterblot » исследует тему королевской жертвы, символизируя готовность короля отдать себя ради блага своего народа. Повествование представлено в монументальном стиле с фризообразной композицией, напоминающей историческое и мифологическое искусство. Ларссон черпал вдохновение из исторических и мифологических источников, включая труды Адама Бременского и Снорри Стурлусона, а также из артефактов железного века.
Педер Северин Крёйер, Hip, Hip, Hurrah!, 1888. Масло на холсте. Музей искусств Гётеборга.
4. «Гип, гип, ура!» – Педер Северин Кройер (Дания)
« Hip, Hip, Hurrah!» (1888) Педера Северина Крёйера изображает оживленную сцену на открытом воздухе с участием группы художников из «Skagen Painters», сообщества датских, норвежских и шведских творческих людей, которые собрались в Скагене, Дания. В этой сцене художники поднимают тосты на солнце, погруженные в атмосферу праздника и веселья. Среди присутствующих примечательных личностей — Анна Анхер, Михаэль Анхер, Вигго Йохансен и сам Крёйер. «Hip, Hip, Hurrah! » прославляет дух товарищества и дружбы среди художников Скагена. Сцена не только изображает момент радости, но и подчеркивает важность художественного сообщества и взаимной поддержки. Тост символизирует единство, общий опыт и творческую энергию — отражение коллективной идентичности скандинавских мастеров того времени. Шедевр находится под сильным влиянием импрессионизма, особенно в изображении света и атмосферы. Крёйер был особенно очарован северным сиянием и запечатлел его отражения на лицах и предметах, создав яркий и реалистичный эффект. Работа также является примером натурализма с акцентом на повседневной жизни и социальном взаимодействии.
Аксели Галлен-Каллела, Миф Айно, Триптих, 1891. Атенеум, Хельсинки.
5. «Айно Миф, Триптих» – Аксели Галлен-Каллела (Финляндия)
«Миф об Айно» Аксели Галлен-Каллелы изображает эпизод из Калевалы, национального эпоса Финляндии. Миф рассказывает историю Айно, молодой женщины, против своей воли обещанной в жены старому мудрецу Вяйнямёйнену. Айно, отчаянно пытаясь избежать своей судьбы, отказывается от брака и бросается в море, где превращается в водное существо. Миф символизирует борьбу с судьбой и преобразующую силу природы. «Миф об Айно» исследует темы судьбы, безответной любви и утраты, отражая трагический дух Калевалы. История Айно представляет собой личную жертву и преобразующую силу природы. С помощью этого повествования Галлен-Каллела прославляет финскую культурную идентичность и подчеркивает связь между мифом, природой и национальной идентичностью. Работа принадлежит к символистскому стилю конца XIX века с влиянием национального романтизма. Галлен-Каллела использует интенсивные цвета и динамичную композицию, чтобы подчеркнуть мифологические темы и финский ландшафт. Детальное изображение природы, персонажей и обстановки отражает глубокую связь между финской культурой и природной средой.
Хуго Симберг, «Раненый ангел», 1903. Атенеум, Хельсинки.
6. «Раненый ангел» – Хуго Симберг (Финляндия)
«Раненый ангел» Хуго Симберга изображает раненого ангела, которого несут два мальчика через меланхоличный и реалистичный пейзаж. Тропа ведет через Эляйнтарха, парк в Хельсинки, с заливом Тёёлёнлахти на заднем плане. Этот район часто посещался рабочим классом и там размещались благотворительные учреждения, такие как школа для слепых и дом для инвалидов, что предполагает, что мальчики несут ангела к одному из этих мест, наполненных состраданием и надеждой. Шедевр сочетает в себе реализм и символизм, используя приглушенные цвета, которые отражают меланхоличную атмосферу, в то время как натуралистический пейзаж в сочетании с простой, но эмоционально заряженной композицией обеспечивает ощутимый фон для глубоко аллегорического изображения.
7. «Летняя ночь в Тюресё» – Принц Ойген (Швеция)
« Летняя ночь в Тюресё » (1895) — вечерний пейзаж, написанный принцем Ойгеном, изображающий мирную шведскую сельскую местность недалеко от Тюресё, места, где принц проводил много летних сезонов. На картине изображен широкий простор спокойной воды, окруженный темными деревьями и ярким, безмятежным летним небом. Закатный свет отражается на воде, создавая спокойную и медитативную атмосферу. Картина принадлежит к движению национального романтизма, характеризующемуся сильной связью с природой. Принц Ойген использует стиль, на который повлиял импрессионизм, уделяя особое внимание свету и отражениям. Нежные цвета и мягкие мазки помогают создать ощущение тишины и меланхолии. «Летняя ночь в Тюресё» символизирует тесную связь между людьми и природой — тему, близкую принцу Ойгену. Работа передает чувство уединения и самоанализа, а также пробуждает идею вечной и неизменной природы. Картина не только передает красоту шведского пейзажа, но и отражает желание художника обрести покой и гармонию через созерцание природного мира.
Йоханнес Свейнссон Кьярвал, Тингвеллир, 1957 год.
8. «Из Тингвеллира» – Йоханнес Свейнссон Кьярвал (Исландия)
« Из Тингвеллира» (1957) — картина Йоханнеса Свейнссона Кьярваля, изображающая уникальный ландшафт Тингвеллира, региона, имеющего большое историческое и природное значение в Исландии. На картине запечатлены вулканические скальные образования, лавовые поля и типичная растительность этого района. Кьярваль использует землистую цветовую палитру и тона, которые отражают нюансы исландского ландшафта, создавая изображение, которое одновременно реалистично и атмосферно. Картина выполнена в стиле импрессионизма, для которого характерны быстрые, текучие мазки, которые улавливают суть момента и мимолетные качества света. Кьярваль сочетает импрессионизм с элементами реализма и символизма, развивая индивидуальный стиль, который выражает как физический облик, так и дух ландшафта. Его внимание к естественным деталям и текстурам камней и растительности подчеркивает его глубокое наблюдение за природой. « Из Тингвеллира » выходит за рамки простого изображения места; она символизирует культурную и историческую идентичность Исландии. Тингвеллир — это место, где в 930 году нашей эры был основан один из первых в мире парламентов, Альтинг, и он остается символом исландского суверенитета и традиций. С помощью этой картины Кьярваль выражает неразрывную связь между исландским народом и его землей, подчеркивая, как ландшафт сформировал историю и душу нации. Работа приглашает зрителя поразмышлять о строгой красоте и внутренней силе исландской природы.
Эрик Хеннингсен, агитатор, 1899. Холст, масло. Металсколен Йорлунде.
9. « En agitator » – Эрик Хеннингсен (Дания)
«En agitator» (Агитатор) Эрика Хеннингсена, написанная в 1885 году, изображает человека, стоящего на ящике и говорящего с толпой рабочих, собравшихся на улице Копенгагена. Сцена запечатлела момент интенсивного социального напряжения, когда оратор пытается убедить толпу, в то время как разнообразные выражения на лицах рабочих отражают спектр реакций, от интереса до безразличия. Городская обстановка вызывает атмосферу ранних социальных волнений в Дании в конце 19 века. Шедевр написан в характерном реалистическом стиле Хеннингсена, фокусируясь на деталях повседневной жизни и социальной динамике. Изображение персонажей яркое и точное, с приглушенными, естественными цветами, усиливающими подлинность сцены. Композиция сбалансирована, оратор в центре и толпа, окружающая его, создает сильный визуальный контраст между одинокой фигурой и массой. « En agitator » отражает живой интерес Хеннингсена к социальным и политическим проблемам своего времени, в частности, к ранним рабочим движениям и борьбе рабочих. Картина исследует напряжение между идеалами перемен и реальностью социального сопротивления, помещая оратора на передний план как символ как борьбы и надежды, так и разделения.
Харальд Сольберг, Зимняя ночь в горах, 1914. Nasjonalgalleriet, Осло.
10. «Зимняя ночь в горах» – Харальд Сольберг (Норвегия)
« Зимняя ночь в горах » (1914) Харальда Сольберга — одна из самых знаковых картин Норвегии, изображающая заснеженный горный пейзаж Рондане. Сцена залита холодным, таинственным светом, с чистым, глубоким синим небом без облаков. Голые деревья на переднем плане обрамляют пейзаж, и одна яркая звезда сияет между двумя горами. Полотно передает ощущение тихой изоляции, без каких-либо признаков человеческой или животной жизни, за исключением креста, видимого на снегу на вершине горы справа. Картина следует принципам нордического символизма, используя эстетику, которая выражает эмоции и настроения, а не просто представляет реальность. Сольберг использует холодные цвета и особое внимание к лунному свету, чтобы создать сказочную, сверхъестественную атмосферу. Символизм света, природы и дикого ландшафта передает духовное видение отношений между людьми и природой, хотя человечество присутствует только неявно через свои следы. Работа намекает на силу и красоту нордического пейзажа, но также на его одиночество и таинственность. Гора и звезда могут символизировать величие и вечность природы, в то время как крест на снегу предполагает размышление о смертности и духовности.
Olimpia Gaia Martinelli
