Эдгар Дега, Танцевальный класс, 1873-76. Музей Орсе, Париж.
29 апреля во всем мире отмечается Международный день танца, учрежденный в 1982 году Международным комитетом танца (МКТ) при Международном театральном институте ЮНЕСКО, чтобы воздать должное всем формам и культурам танца. Эта дата не случайна: она знаменует день рождения Жана-Жоржа Новерра (1727-1810), «отца современного балета» и автора «Письм о танце» (1760).
Каждый год хореографы, танцоры, школы и учреждения собираются вместе, чтобы отметить этот день мероприятиями, выступлениями и размышлениями. Наше празднование начинается с самого знакового изображения танца в изобразительном искусстве: «Урок танца» (1873–1876) Эдгара Дега, хранящегося в Музее Орсе в Париже. Это одна из первых работ Дега, посвященных балеринам, результат трех лет изучения, наблюдений и подготовительных набросков. На картине, действие которой происходит в танцевальном фойе Парижской оперы, запечатлен, казалось бы, спонтанный момент: известный хореограф Жюль Перро с палочкой в руке дает уроки молодому ученику, в то время как другие танцоры отдыхают, поправляют свои наряды или отвлекаются. Несмотря на тщательную композицию, сцена излучает непосредственность моментального снимка — шедевр, раскрывающий как труд, так и повседневную красоту танца.
Композиция отличается почти фотографическим обрамлением, мягким светом, проникающим через невидимое окно, и изысканным вниманием, уделенным паркетному полу — незаменимой поверхности для тех, чье тело является инструментом самовыражения. Дега не идеализирует; Он наблюдает за реальностью словно через замочную скважину, выявляя то, что ускользает от внимания зрителя на сцене. Балерина, обмахивающаяся веером, маленькая собачка у ее ног, видимая усталость учеников: здесь нет ничего театрального, все по-настоящему.
Винсент Ван Гог, Танцевальный зал в Арле, 1888. Масло на холсте, 65 x 81 см, Музей Орсе, Париж.
Другие известные шедевры в истории искусства запечатлели магию танца, каждый из которых обладает своей уникальной чувственностью, но всех их объединяет стремление запечатлеть энергию, радость или меланхолию, которые танец передает на холсте.
В картине Питера Брейгеля Старшего «Свадебный танец» (1566) танец становится одновременно праздником и коллективным ритуалом: тела кружатся между деревьями и шатрами в народном водовороте деревенской радости, пропитанном ароматом пива и земли. В картине «Эль-Халео» (1882) Джон Сингер Сарджент погружает нас в глубинную интенсивность фламенко: танцор доминирует на сцене под звуки гитар и тени, проецирующиеся на стены, и все это вибрирует от театрального напряжения и необузданной страсти.
Ван Гог в картине «Танцевальный зал в Арле» (1888) предлагает видение, заряженное визуальной энергией: комната переполнена, лица размыты, цвета пульсируют, как сердцебиение. В балете «Марсель Лендер, танцующая «Болеро» у Шильперика» (1897) Тулуз-Лотрек переносит нас за кулисы парижского театра: здесь танец — это зрелище и соблазн, окрашенные иронией, цветом и декадансом.
Затем следует символический и внутренний танец Эдварда Мунка, который в «Танце жизни» (1899–1900) делает движение метафорой существования: на лунном море три женщины — юность, страсть, одиночество — окружают главного героя, словно призраки.
Наконец, «Танец» Анри Матисса (1910): пять обнаженных фигур держатся за руки в изначальном круге. Подвешенные между небом и землей, они олицетворяют абсолютную свободу тела и разума — вечный и священный жест единства.
Но чтобы выйти за рамки привычного канона, стоит остановиться и рассмотреть пять древних шедевров, которые часто упускаются из виду в повествовании о западном искусстве...
Египетская настенная роспись из гробницы Небамона с музыкантом и танцорами, 1370 г. до н.э. BC, Лондон: Британский музей.
Танцоры и музыканты – Настенная роспись из гробницы Небамона, около 1370 г. до н.э. BC, Британский музей, Лондон
Эта яркая сцена, взятая с фрески в гробнице Небамона, прекрасно иллюстрирует важность танца в жизни и духовности Древнего Египта. Двое молодых танцоров грациозно двигаются рядом с музыкантом, играющим на двойной флейте, воплощая идеальное слияние жеста и звука.
Созданная в технике росписи по штукатурке, эта композиция является символом египетского стиля Нового царства: двухмерные фигуры, четкие профили, сплошные цвета и чистые линии. Тела идеализированы, движения стилизованы, но выразительны. Двухмерность усиливается отсутствием перспективы, а иерархия фигур диктуется их положением и размером.
Египетская живопись основывалась на строгой символической и функциональной системе. Погребальные фрески были не просто украшениями, а инструментами, призванными обеспечить умершему загробную жизнь, изображая повседневные занятия, такие как танцы и пиры, которые будут сопровождать его в загробной жизни.
Цвета были получены из натуральных материалов: красная охра для мужской кожи, желтая охра для женской кожи, древесный уголь для черного цвета и соли меди для синего и зеленого цвета. Каждая деталь, от одежды до прически, свидетельствует об утонченности и социальной значимости персонажей.
Эта, казалось бы, праздничная сцена открывает мир, в котором искусство, танец и духовность были тесно переплетены.
Урок танца – аттическая краснофигурная гидрия, около 430 г. до н. э., приписывается художнику из Фиалы, Британский музей, Лондон
Урок танца – аттическая краснофигурная гидрия, около 430 г. до н. э., приписывается художнику из Фиалы, Британский музей, Лондон
На этой изящной аттической краснофигурной гидрии, родом из Капуи, а ныне находящейся в Британском музее, изображена сцена обучения танцу: две молодые девушки танцуют под пристальным вниманием и руководством двух взрослых, вероятно, учителя и флейтиста, в обстановке, гармонично сочетающей образование, искусство и ритуал.
Приписывается художнику из Фиалов, мастеру, творившему в середине V в. до н. э. Эта работа, датируемая примерно 1000 годом до нашей эры, прекрасно иллюстрирует классический стиль афинской вазописи: пропорциональные тела, плавные движения и точные детали, ставшие возможными благодаря технике краснофигурной росписи. Здесь черный фон усиливает яркость фигур, которые проявляются с изяществом и естественностью, с тонкими контурами и нежными штрихами.
Краснофигурная техника, разработанная в Афинах около 530 г. до н. э. до н.э., обеспечивала большую свободу в анатомической передаче и выражении движения по сравнению с более ранней техникой чернофигурной живописи. В этой гидрии танец запечатлен в его жизненном импульсе: две молодые девушки в коротких туниках двигаются в унисон, в симметричных позах, подразумевающих упражнение и гармонию. Образовательный аспект сцены, вероятно, происходящий от греческой пайдейи, предназначенной для молодых женщин аристократии, усиливается присутствием взрослых фигур, которые наблюдают и направляют.
Гробница танцоров – фреска, V в. до н.э. Ж.-К., Руво ди Пулья, Национальный археологический музей Неаполя
Гробница танцоров – фреска, V в. до н.э. Ж.-К., Руво ди Пулья, Национальный археологический музей Неаполя
Среди наиболее интересных образцов погребального искусства на юге Италии фрески Гробницы танцоров предлагают уникальную возможность заглянуть в мир апулийского танца V века до нашей эры. Эти картины, написанные на туфовых плитах, когда-то украшали престижную гробницу, вероятно, принадлежавшую воину-аристократу, а теперь хранятся в Национальном археологическом музее Неаполя.
Основная сцена изображает длинную процессию женских фигур, танцующих в ряд, объединенных в плавной и упорядоченной хореографии. Танцоры, закутанные в пеплосы и накидки ярких цветов (красные, синие, желтые), держатся за руки не своих ближайших спутников, а того, кто впереди или сзади, создавая синкопированный и гармоничный визуальный ритм. Некоторые носят красные повязки на голове и подбородке, другие носят серьги. Среди них три мужские фигуры кажутся более динамичными, возможно, музыкантами или проводниками ритуалов.
Изображенный танец может напоминать похоронный обряд, торжественную процессию или geranos — символический танец, связанный с мифом о Тесее. Сильный ритуальный компонент усиливается процессионной композицией и линейной выразительностью лиц и жестов.
Стилистически работа сохраняет архаичные элементы, такие как двухмерная визуализация и четкие профили, но при этом полна повествовательных деталей: одежды, причесок, обуви и даже выражений лиц. Использование киновари и других драгоценных пигментов свидетельствует о высоком статусе покровителя и художественном совершенстве художников.
Эти фрески не только прославляют роль танца в жизни и смерти, но и представляют собой редкий пример слияния эллинской культуры и италийских традиций, где искусство становится мостом между жестом, мифом и памятью.
Танцоры в гробнице Триклиний, 470 г. до н.э. Британская Колумбия, Национальный музей Тарквинии
Танцоры в гробнице Триклиний, 470 г. до н.э. Британская Колумбия, Национальный музей Тарквинии
Гробница Триклиниум – фрески, около 500–475 гг. до н. э., Некрополь Монтероцци, Тарквиния, Национальный этрусский музей. Гробница Триклиния — один из самых выдающихся образцов этрусской погребальной живописи, символизирующий утонченную художественную культуру Тарквинии. Обнаружен в 1830 году и датируется периодом между 500 и 475 годами до нашей эры. Построенный в X веке до нашей эры, он получил свое название благодаря сценам пира, изображенным на стенах, где музыканты и танцоры оживляют загробную жизнь движением, ритмом и цветом.
Внутри гробницы находится одна прямоугольная камера с фресками на стенах, вызывающими ассоциации с пиршеством под открытым небом: на задней стене мужчины и женщины возлежат на кушетках-триклиниях, празднуя пир, а на боковых стенах изображены сцены танцев и музыки среди деревьев, птиц и декоративных мотивов, намекающих на природу и радость жизни.
Особенно интересна сцена с участием танцора и танцовщицы, запечатленных в легком и скоординированном движении: их жесты широки и выразительны, а одежды развеваются в такт движениям. Художник, вероятно, обучавшийся греческой живописи, демонстрирует необычайную чувствительность в изображении анатомии и динамики движения с помощью плавных линий и интенсивных цветов, которые и сегодня сохраняют поразительную живость.
Здесь танец приобретает глубоко символическое значение: это не просто развлечение, а выражение безмятежного существования после смерти, типичное видение этрусского мира. Танцевальный жест — это праздник, воспоминание и преемственность, в то время как музыка и банкет вызывают в памяти радостную и общую вечность.
Греческое влияние ощутимо в композиции, костюмах и стиле живописи, но взгляд на жизнь и смерть глубоко этрусский. Таким образом, Гробница Триклиния сочетает в себе формальную элегантность и духовность, с легкостью и изяществом танца выступая мостом между двумя мирами.
Игрок на цимбале, I в. до н. э. – Фреска, Помпеи: Вилла Мистерий
Игрок на цимбале, I в. до н. э. – Фреска, Помпеи: Вилла Мистерий
На одной из самых известных фресок Виллы Мистерий в Помпеях молодая женщина танцует грациозно и торжественно, держа в руках цимбалы. Эта сцена завершает сложный цикл фресок, украшающих триклиний виллы: дионисийский ритуал, завершающийся символическим и духовным освобождением посвященного.
Танцовщица, вероятно, менада, олицетворяет последний момент посвящения, когда адепт, уже преображенный, празднует свое мистическое единение с богом посредством танца и музыки. Ее тело запечатлено в полном движении, облаченное в струящуюся ткань, которая соответствует изгибам ее туловища, создавая яркий, динамичный образ, который нарушает статическую поверхность фрески.
Работа выполнена в технике мегалографии и представляет собой изображения фигур в натуральную величину на красном помпейском фоне, цвет которого несет в себе ритуальное и символическое значение. Это исключительный пример второго помпейского стиля, где архитектурное пространство подчеркивается живописью, придающей глубину и драматическую интенсивность.
На одной из самых известных фресок Виллы Мистерий в Помпеях молодая женщина танцует грациозно и торжественно, держа в руках цимбалы. Эта сцена завершает сложный цикл фресок, украшающих триклиний виллы: дионисийский ритуал, завершающийся символическим и духовным освобождением посвященного.
Танцовщица, вероятно, менада, олицетворяет последний момент посвящения, когда адепт, уже преображенный, празднует свое мистическое единение с богом посредством танца и музыки. Ее тело запечатлено в полном движении, облаченное в струящуюся ткань, которая соответствует изгибам ее туловища, создавая яркий, динамичный образ, который нарушает статическую поверхность фрески.
Работа выполнена в технике мегалографии и представляет собой изображения фигур в натуральную величину на красном помпейском фоне, цвет которого несет в себе ритуальное и символическое значение. Это исключительный пример второго помпейского стиля, где архитектурное пространство подчеркивается живописью, придающей глубину и драматическую интенсивность.
Olimpia Gaia Martinelli