Клод Моне, «Водяные лилии», 1916. Национальный музей западного искусства, Токио.
Внезапно вы оказываетесь внутри одной из самых известных водяных лилий Моне, где вас окутывает бесконечная гладь мягко колышущихся зеленых и синих оттенков, и вы чувствуете себя убаюканным бризом летнего дня. Мазки кисти, изображающие природу на холсте, текучие, а свет, просочившийся сквозь лепестки и листья, создает игру отражений на воде, словно пытаясь запечатлеть вечное мгновение мимолетного мгновения.
Но как только вы отдаетесь спокойствию сада Живерни, вас внезапно захватывает интенсивный аромат акварелей Пьера-Жозефа Редуте, где каждый лепесток розы, кажется, увековечивает любовь к природе, которая почти священна. Изысканность этих форм окутывает вас, позволяя вам стать частью самой сути красоты.
Однако время быстротечно, и вскоре вы оказываетесь перед знаменитыми «Подсолнухами» Ван Гога, шедевром, где интенсивные желтые и золотые оттенки мощно выделяются на холсте, словно оживленные внутренним светом. Более того, быстрые и решительные мазки художника придают цветам почти осязаемую жизненную силу, превращая их в символы энергии и жизни.
Цветы, нарисованные Пьером-Жозефом Редуте.
Клод Моне, Маки, 1873. Масло на холсте. Музей Орсе, Париж.
Пришло время повернуться и полюбоваться «Белой сиренью в хрустальной вазе» Эдуарда Мане, работой, которая запечатлела этот особый вид цветов, тщательно размещенных в элегантном, изысканном и светящемся контейнере. Мане запечатлел нежную сущность этих цветов, подчеркнув их светлые и чистые тона, поместив их на темный фон. Результатом является празднование простоты предмета, а также дань эфемерной красоте природы, задуманная как приглашение к созерцанию спокойствия и безмятежности цветочного мира.
Наконец, долгий рассказ об истории искусств приводит нас к ярко-красным макам Клода Моне, изображенным на его одноименной картине 1873 года, где они предстают перед зрителем как языки пламени, пылающие под летним солнцем и колышущиеся на ветру на, казалось бы, бескрайнем поле.
И именно в этом путешествии среди бессмертных шедевров формируется современное повествование, приводящее нас к работам художников Artmajeur. Эти художники, в своем личном стиле, продолжают исследовать и переосмысливать самые популярные цветы в истории искусства — кувшинки, розы, подсолнухи, сирень и маки — снова приглашая вас открыть для себя, как природа остается неисчерпаемым источником вдохновения и чуда для изобразительного искусства. А теперь давайте посмотрим на их работы и сравним их!
Лилии (2023) Картина Андрея Белайчука.
О. Балбышев «Давайте поплаваем голышом!» - ИЗДАНИЕ ПЕЧАТИ 01/50 (2022) Печать Александра Балбышева
От Моне до Балбышева, проездом через Белайчук
Шедевр Моне, открывающий это повествование, выставленный в Национальном музее западного искусства в Токио, является возвышенным примером импрессионизма. Его изображение водяных лилий характеризуется тонкими и яркими мазками, которые запечатлевают свет и отражения на воде в воздушной манере. Французский мастер исследовал природную красоту с подходом, который отдавал приоритет визуальным впечатлениям и мимолетным моментам, а не точным деталям. Результатом является холст, на котором цвета мягко смешиваются, создавая пейзаж, напоминающий размытый сон.
С другой стороны, современная работа Белайчука черпает вдохновение из импрессионистского стиля Моне, но обновляет его более современным и живым языком. В то время как Моне стремился запечатлеть свет и атмосферу, этот художник Artmajeur подчеркивает яркие цвета и сильные контрасты. Композиция Белайчука включает в себя водяные лилии, которые, кажется, взрываются цветом, с яркими цветами, выделяющимися на фоне более нежных оттенков озера. В отличие от классического импрессионизма, который стремился запечатлеть суть момента, эта картина передает более непосредственную и живую энергию, призванную погрузить зрителя в живой, динамичный и игривый пейзаж.
Однако перспектива Балбышева радикально порывает с традицией, поддерживаемой предыдущими моделями импрессионистов, помещая обнаженную мужскую фигуру в центр сцены. Художник не только черпает вдохновение из кувшинок Моне, но и использует их в качестве фона для размышлений о репрезентации мужского тела в искусстве. Мужская форма, редко исследуемая как чувственный субъект в искусстве по сравнению с женской обнаженной фигурой, здесь подчеркивается и восхваляется. Таким образом, работа Балбышева — это не просто дань уважения к кувшинкам Моне, но также критика и переосмысление того, как мужская чувственность и красота исторически недооценивались в искусстве.
Желтые розы (2024) Картина Валерия Цветкова.
Желтые розы (2022) Картина Рози Ройс
Розы и эволюция фигуративизма
Возвращаясь к розам известного иллюстратора Пьера-Жозефа Редуте, они представляют собой классический пример ботанической точности. Редуте, известный как «Рафаэль цветов», запечатлел красоту цветков с скрупулезным вниманием к деталям. В этом смысле его розы изображены с почти научной точностью: каждый лепесток, каждый лист, каждый оттенок цвета переданы с особой тщательностью, направленной на точное документирование естественной формы.
Что касается картины Валерия Цветкова, мы наблюдаем эволюцию в сторону реализма, который, сохраняя точность деталей, также фокусируется на экспрессии и атмосфере. Розы Цветкова изображены с сильным чувством трехмерности, где свет и тень играют решающую роль в оживлении цветов. В отличие от ботанической точности Редуте, этот художник Artmajeur использует масляную живопись, чтобы исследовать бархатистую текстуру лепестков и их мягкую игру света, создавая работу, которая, хотя и реалистична, стремится вызвать эмоции и чувства тепла и безмятежности. Здесь точность слегка уступает поэзии представления, стремясь передать не только физический вид, но и эмоциональную сущность цветов.
С другой стороны, работа Рози Ройс представляет собой еще один шаг к абстракции. Художница почти полностью отказывается от детального представления, чтобы сосредоточиться на цвете и текстуре. Розы, хотя и остаются узнаваемыми, деконструируются в энергичные и жестовые мазки, с цветами, которые, кажется, взрываются на холсте.
Джирасоли (2022) Дипинто ди Джерри Чаплески
Подсолнухи (2024) Картина Анны Мамонкиной
Влияние Винсента Ван Гога в 2024 году
Две представленные выше работы, хотя и различаются по своей интерпретации и обстановке, предлагают интригующее образное повествование, связанное с влиянием великих мастеров прошлого, в частности Винсента Ван Гога.
Первая картина Джерри Чаплески сразу же вызывает в памяти знаменитый шедевр «Подсолнухи» вышеупомянутого голландского мастера. Однако художник Artmajeur представляет современный подход, манипулируя масляной краской, создавая фактурный и динамичный эффект, отличающийся от старых мазков Ван Гога. Эта техника придает цветам почти цифровой вид, как будто формы были деконструированы, а затем собраны заново таким образом, что цветы кажутся парящими на фоне.
Работа Анны Мамонкиной, с другой стороны, переносит подсолнухи в совершенно иной контекст, напоминающий новую «Звездную ночь». Здесь подсолнухи больше не являются центром статической композиции, а помещены в обширный сельский пейзаж, пробуждающийся с первыми лучами рассвета. В этом временном интервале контраст между нарастающим дневным светом и звездами, все еще сияющими в небе, создает сказочную атмосферу, вызывая связь между землей и вселенной. Как будто сами подсолнухи участвуют в этом переходе между ночью и днем, отдавая дань уважения непрерывной красоте и надежде, которые приносит новый день.
Сирень в белой вазе (2023) Картина Анимеша Роя
Сирень (2016) Картина Ивана Колисныка
Что бы подумал Эдуард Мане?
Вот как могло бы звучать стилистическое сравнение двух представленных выше работ, если представить, как это делает Эдуард Мане, создатель «Белой сирени в хрустальной вазе»:
«Глядя на эти две современные работы, я не могу не задуматься о том, как искусство продолжало развиваться в своем отношении к цветочным темам. Когда я писал «Белую сирень в хрустальной вазе» между 1882 и 1883 годами, я стремился запечатлеть чистоту и нежность цветов посредством сочетания реализма и чувства непосредственности. Хрустальная ваза с ее прозрачностью служила идеальным фоном для возвышения сирени, как будто она была подвешена в воздухе, невесомая.
В картине Animesh Roy я замечаю, как сюжет может прослеживать свои истоки в моей работе, хотя художник выразил себя через язык современного импрессионизма. Рой использует более толстые мазки, с определенной непринужденностью в применении цвета, где формы цветов скорее намечены, чем определены, придавая произведению ощущение движения и жизненной силы. Однако, в отличие от моего подхода, где прозрачность вазы играла центральную роль, этот художник Artmajeur выбирает непрозрачную белую вазу, которая почти сливается с фоном, переключая все внимание на интенсивные цвета цветов и листьев.
Переходя к работе Ивана Колисника, я думаю, что она показывает более толстые и четкие контуры по сравнению с работой Роя. Цвет нанесен яркими пятнами, смелыми мазками, которые дают ощущение текстуры и плотности материала, придавая цветам почти осязаемое присутствие. Кроме того, в отличие от Роя, который предпочитает более абстрактный и неопределенный фон, Колисник принимает более реалистичный, основывая композицию на более конкретной реальности. Этот выбор, кажется, подчеркивает контраст между более экспрессивным живописным подходом к цветам и окружающей среде, создавая баланс между субъективным видением и объективным представлением».
Маки в горах (2024) Картина Косты Морра
Новое поле маков
Куда делись фигуры, некогда оживлявшие пейзаж Моне с маками?
В представлении Косты Морра маки все еще присутствуют, яркие и живые под сияющим солнцем, но пологие холмы, которые когда-то были местом неспешных прогулок матери и ребенка, были заменены внушительными, стилизованными горами, в то время как небо передано в смелых, графических тонах. Природа действительно могущественна и доминирующа, но человеческий элемент полностью отсутствует.
Когда мы смотрим на эту сцену, кажется, что ранние фигуры Моне были поглощены самим пейзажем или решили покинуть эту сцену ради более интимного и скрытого места. Коста Морр, с его графическим стилем и яркими цветами, создает пейзаж, который прославляет природу в более «абстрактной» и идеализированной форме, где роль человека сводится к роли зрителя, а не участника. Это может быть связано с идеей о том, что в работах Морра природа сильна, почти непобедима, тогда как у Моне она была более мягкой, готовой приветствовать и принимать человеческое присутствие.
Это сравнение двух работ побуждает нас задуматься о том, как изменились отношения между человеком и природой в искусстве. В работах Моне люди были неотъемлемой частью пейзажа, внимательными и уважительными наблюдателями, в то время как у Морра природа, кажется, заслоняет человека, сведена к теням, которые не появляются на холсте. Возможно, фигуры Моне все еще там, скрытые среди холмов и полей, или, возможно, они просто уступили место природе, которая теперь требует, чтобы ее увидели и восхваляли во всем ее величественном одиночестве.
Olimpia Gaia Martinelli
