НЕЗАБЫВАЕМЫЙ ТЫ (2024)Картина Шанталь Пру
В огромной вселенной искусства присутствие женщин прошло извилистый и глубоко эволюционный путь. Исторически сложилось так, что женщин часто исключали из доминирующих творческих кругов, отводя их вклад на маргинальную роль или ограничивая их анонимностью. Лишь в последние столетия, благодаря неустанной борьбе за эмансипацию и признание, женщины-художницы начали требовать заслуженного места в мире искусства.
Переход от безвестности к утверждению был трудным путем, отмеченным социокультурными барьерами, которые не позволяли женщинам свободно выражать свой талант. Академические ограничения и ограниченный доступ к покровителям, которые когда-то были исключительно мужской прерогативой, стали серьезными препятствиями, замедлившими рост женщин в мире искусства. Однако, начиная с 20-го века, вклад женщин стал более широко признаваться, отчасти благодаря появлению движений за права женщин, которые способствовали большему гендерному равенству.
Сегодня, благодаря таким платформам, как Artmajeur, мы являемся свидетелями все более сбалансированного и разнообразного представления, где художницы-женщины мастерски работают во всех художественных средах. Живопись, скульптура, фотография, рисунок, коллаж, текстильное искусство и цифровое искусство — это лишь некоторые из областей, в которых женщины оставили и продолжают оставлять неизгладимый след.
В этих самых областях художники Artmajeur представляют исключительный диапазон талантов, исследуя и трансформируя различные медиа, демонстрируя, как искусство может быть мощным инструментом самовыражения и перемен. С каждой работой они бросают вызов традиционным представлениям и расширяют горизонты возможного, подтверждая решающую роль женщин в постоянном определении и обновлении ландшафта современного искусства.
Теперь мы готовы исследовать женскую точку зрения с помощью различных средств массовой информации, анализируя и сравнивая работы художников, скульпторов, фотографов и других художников на Artmajeur. На старт, внимание, марш!
Три художника, переписывающие искусство
Начав с живописи, мы рассмотрели уникальные подходы к творчеству трех выдающихся художников, каждый из которых имеет свое собственное видение. Тот же анализ будет распространен на скульптуру и фотографию, где мы будем исследовать разнообразные художественные проявления через работы других талантливых авторов. Для других дисциплин — рисования, коллажа, текстильного искусства и цифрового искусства — мы выберем по одному представителю для каждой, подчеркнув их уникальное влияние.
ЗЕРКАЛО (2023)Картина Агнесе Курземниеце
КОГДА ВАША ГОЛОВА В ОБЛАКАХ (2023)Картина Агнес Курземниеце
Картина Агнесе Курземниеце , художницы, которая живет и работает в Риге (Латвия), глубоко исследует тему женственности в изменяющейся, «экспрессионистской» и сюрреалистической среде через очень личный, почти символический объектив. Первоначально обучавшаяся в Рижской художественной школе имени Яниса Розенталса, а затем совершенствовавшаяся в живописи и графике в Латвийской художественной академии, Агнесе в последние годы переключила свое внимание на акриловую живопись, продолжая и развивая темы, начатые в ее ранних графических работах.
Анализируя две картины Агнесе Курземниеце, «Зеркало» (2023) и «Когда твоя голова в облаках» (2023), выявляются четкие стилистические и тематические повторы, способные синтезировать практически весь корпус произведений художницы.
В «Зеркале» очевидна фигура молодой женщины, наблюдающей за своим отражением в зеркале. Эта сцена пронизана безмятежным спокойствием, переданным за счет использования «мягкой» и гармоничной цветовой палитры, которая мягко окутывает фигуру тонким светом, предполагая интимность и размышление. Кроме того, композиция приглашает к созерцанию, подчеркивая задумчивое и серьезное выражение субъекта, полностью поглощенного самоанализом. Картина также вызывает элегантность и спокойствие, ощущения, создаваемые контролируемым использованием сдержанных тонов, которые оживают в тщательно продуманном контексте.
Точно так же «Когда твоя голова в облаках» представляет сюрреалистическую атмосферу, где лицо женщины, помещенное среди движущихся зеленых облаков, переносит зрителя в сказочный мир. Фигура с удлиненной шеей и безмятежным видом также создает ауру загадочности и очарования, выделяясь на зеленом и розовом фоне, призванном придать сцене глубину. Все видение вызывает удивление и изумление в контексте воображаемого, неземного пейзажа.
В конечном итоге становится очевидным, что обе работы демонстрируют способность Курземниеце исследовать темы, связанные с женской идентичностью и самовосприятием, в разных контекстах, сохраняя стилистическую последовательность, сочетающую реализм с сюрреалистическими элементами. Фактически, в то время как «Зеркало» исследует внутреннее отражение в спокойной и интимной обстановке, «Когда твоя голова в облаках» воплощает те же самые ощущения во внешней среде. Такое разнообразие обстановки позволяет нам задуматься о пространственном разнообразии, показывая, как искусство может служить мостом между реальным и сюрреалистическим, видимым и невидимым.
ТРОПИЧЕСКИЙ ЗАКАТ (2024)Картина Натальи Сидоровой
НИТИ (2024) Картина Наоко Палушак
Мы подошли к сравнению двух абстрактных картин: «Тропический закат» (2024) Натальи Сидоровой и «Нити» (2024) Наоко Палущак .
Что касается Натальи Сидоровой , то современная украинская художница передала на холсте яркое изображение тропического заката, используя взрыв оранжевых, розовых и синих оттенков. Эта картина маслом отражает вдохновение, почерпнутое из работ Герхарда Рихтера, где богатые текстуры и яркие цвета сливаются воедино, напоминая теплый свет солнца. Точно так же подход Сидоровой находится под сильным влиянием таких художников, как Марк Ротко и Сай Твомбли, известных своим мастерством в использовании смелых цветов, о чем свидетельствует «Тропический закат». Кроме того, помимо игривого цветового акцента, эта картина призвана излучать хорошее настроение и вдохновение, энергично преобразовывая среду, в которой она находится.
Что касается абстрактных исследований Наоко Палушак , удостоенной наград японской художницы, проживающей в Соединенных Штатах, ее работы заключены в «Нитях», акриловом произведении, новаторски исследующем особенности абстрактного экспрессионизма. Это принимает форму цветных линий, причудливо переплетающихся, но четко оформленных, создающих образ, который поражает нас своей способностью вызывать сильные эмоции и воспоминания, часто запутанные и застрявшие в нашем подсознании. Говоря о подготовке, опыт Палушак как графического дизайнера заметно обогатил ее искусство своеобразным эмоциональным динамизмом, иногда почти осязаемым.
Таким образом, оба художника, работая в индивидуальных и различных стилях, разделяют склонность к смелому использованию цвета и склонность к абстракции, предлагая зрителям интерпретировать работы глубоко личным способом. В то время как Сидорова фокусируется на абстракции, вдохновленной природными явлениями, Палушак исследует противоречие между абстрактным и фигуративным, создавая формы, которые бросают вызов традиционному визуальному восприятию.
Два голоса в мире скульптуры
Изучив живопись, мы теперь погружаемся в мир скульптуры, подчеркивая вклад женщин в работах двух талантливых скульпторов — Елизаветы Портновой и Иоанны Закшевской-Холевы.
ПЛАЗИР (2023)Скульптура Елизаветы Портновой
AINSI VA LA VIE (2023)Скульптура Елизаветы Портновой
Говоря о Елизавете Портновой , мы погружаемся в мир украинского скульптора, сделавшего новаторство и экспериментирование столпами своего искусства. Проживая во Франции, Портнова пересмотрела границы керамического искусства, сочетая традиционные техники со смелыми и творческими исследованиями. Ее умение придавать форму глине руками сочетается с использованием оксидов, шликеров и глазурей, чтобы добавить глубину и визуальную сложность ее творениям, которые часто включают органические и неорганические материалы в игру двусмысленности, которая бросает вызов восприятию аудитории.
Работы Портновы также глубоко укоренены в природных и археологических источниках вдохновения, создавая особую вселенную, отражающую текстуры, намекающие на слоистые породы или разрушенные эрозией окаменелости, демонстрируя внутреннюю хрупкость и непредсказуемость, родственную капризам природы.
Обращаясь теперь к скульптурам «Плезир» (2023) и «Ainsi Va La Vie» (2023), мы замечаем увлекательную тематическую эволюцию, отражающую не только творчество Портновой, но и ее личную жизнь. Обе скульптуры изначально были смоделированы в Украине в 2020 году и перевезены во Францию после начала войны, символизируя путешествие, как физическое, так и эмоциональное. «Plaisir» покрыт декалями, включающими стихи Андре Бретона и ноты Вивальди, что является данью уважения счастливым воспоминаниям Портновы в Италии и утверждению жизни через художественное творчество. Точно так же «Ainsi Va La Vie» представляет безликое тело, отмеченное переменами и невзгодами, также покрытое стихами.
Кроме того, наблюдая за двумя скульптурами, мы можем представить, что одна является продолжением другой, как будто фигура «Плезира», первоначально вертикальная и собранная, в последующем движении падает и скручивается, становясь «Ainsi Va La Vie». Этот визуальный переход между работами предполагает поток повествования и формы, подчеркивающий мимолетность и постоянную трансформацию, ключевые элементы художественного исследования Портновы.
Наконец, приведенный выше анализ демонстрирует не только техническое мастерство Портновой, но и ее стремление исследовать темы памяти, утраты и надежды, устанавливая глубокий диалог между художницей, ее работами и публикой. Действительно, искусство Портновой приглашает зрителей задуматься о личных и коллективных проблемах, предлагая пространство для признания и катарсиса.
ЦИРКОВЫЕ АКРОБАТЫ, НЕТ. V/VIII, ВЫСОТА 49 СМ (2024 г.) Скульптура Иоанны Закшевской-Чолевы.
НОВАЯ ИГРА, НЕТ. EA I/II (2022) Скульптура Иоанны Закшевской-Чолевы.
Говоря о Иоанне Закшевской-Холеве , мы встречаем польского скульптора 1976 года рождения, выпускницу Академии изящных искусств в Кракове. В основном она использует бронзу, работая в технике литья по выплавляемым моделям, создает скульптуры, отличающиеся чистотой и весомостью металла.
Углубляясь в ее творчество, скульптуры «Цирковые акробаты, № V/VIII» (2024 г.) и «Новая игра, № EA I/II» (2022 г.) представляют собой прекрасные примеры ее художественного подхода, поскольку они исследуют темы движения и баланс, полученный посредством изучения человеческой формы. Что касается «Цирковых акробатов», то на работе изображены фигуры в акробатическом акте, где жесткость позы и гармония форм закреплены в бронзе. Более того, эта скульптура демонстрирует искусную манипуляцию с металлом, создавая ощущение динамичности и легкости, несмотря на изначально тяжелый материал.
Напротив, «Новая игра» исследует баланс в другом контексте, где в сцене доминирует не взаимодействие между человеческими фигурами, а скорее связь между человеком и геометрическим элементом, кольцом. Эта работа выражает диалог между телом и объектом, исследуя, как внешние структуры могут влиять на физический баланс и поддерживать его. Кольцо не только поддерживает, но и интегрируется в динамику фигуры, предполагая симбиоз человека и окружающей его среды, отражая игру форм, бросающую вызов гравитации и фиксирующую момент эстетического напряжения и равновесия.
Таким образом, обе скульптуры подчеркивают движение, не только физическое, но также эмоциональное и концептуальное, предлагая зрителю задуматься о природе поддержки и баланса в человеческих отношениях, а также между человеком и средой его обитания. Таким образом, Закшевска-Холева наглядно демонстрирует важность доверия и баланса как в межличностном, так и в индивидуальном контексте, укрепляя идею взаимодействия как фундаментального элемента гармонии и личностного роста.
Видения двух фотографов
Теперь мы углубимся в область фотографии, подчеркнув влияние женщин через работы двух разных фотографов: Валеры Самарине и Маришки Карто.
САМАРИН ВАЛЕРА СЕРИЯ OMBRES PHOTOGRAPHIE F19F (1999) Фотография Валеры Самарин
САМАРИН ВАЛЕРА СЕРИЯ OMBRES ФОТОГРАФИЯ FN03F (1996) Фотография Валеры Самарин
Валера Самарин — опытный фотограф, превращающий повседневные предметы в настоящие визуальные откровения. Опытный преподаватель и инженер, Самарин обладает обширными знаниями в области черно-белой фотографии и основах композиции. Ее работы ценятся во всем мире и представлены в многочисленных частных и государственных коллекциях и престижных галереях.
Отличительный аспект ее искусства проявляется в серии «Фуршеты», созданной между 1994 и 1999 годами. Эта серия исследует обычный объект вилки с острым вниманием к форме и свету, напоминающий работу Андре Кертеса и его знаменитую фотографию «Вилка». (1928). Кертеш, также прославившийся своей способностью превращать простые детали в медитативную поэзию, оказал влияние на многих фотографов, привлекая их к исследованию скрытой красоты повседневной жизни посредством тщательного использования яркого света и драматических теней.
Две представленные работы, действительно входящие в серию «Фуршеты», демонстрируют талант Самарина в передаче двойственности и напряжения между простотой и проработкой. На первом изображении изображена вилка, проецируемая на полосатый фон, призванная создать игру света и теней, подчеркивающую геометрические и линейные формы. На второй фотографии, напротив, используются тени, чтобы превратить вилку в объект с двойной идентичностью, подчеркивая ее преобразующий потенциал посредством фотографической абстракции.
ДЕНЬ ПРАЧЕЧНОЙ (2021). Фотография Маришки Карто.
DIVA ATTACK (2017). Фотография Маришки Карто.
Маришка Карто , родившаяся в Суринаме и выросшая в Нидерландах, сочетает в своих работах богатое культурное наследие, простирающееся от Южной Америки до Индонезии, от Африки до Голландии. Ее искусство отражает это разнообразие через уникальное сочетание стилей и тем, демонстрируя сильную склонность к фигуративному искусству, воплощенному в человеческих формах, интегрированному с цветами, природными элементами и окружающей средой. Маришка не ограничивается внешним исследованием этой эстетики, а углубляется в повествование, намекая также на внутреннюю тайну изображенных персонажей.
Ее фотографии «День стирки» (2021) и «Атака дивы» (2017) блестяще воплощают стиль фотографа, воплощая в жизнь мощное и чувственное представление женственности. «День стирки» превращает обычную домашнюю сцену в юмористическое выражение женской силы, где предметы повседневного обихода символизируют женскую стойкость и независимость. Точно так же «Diva Attack» с легкостью и несколько китчевым оттенком напоминает похожие ситуации и темы.
Обе работы, визуально представляющие женские фигуры в позах, которые могут показаться уязвимыми или покорными, опрокидывают эти представления с помощью разумного использования иронии и символизма, раскрывая истинную внутреннюю силу и стойкость женщин. Фактически, сочетая игривость и сильную экспрессию, Карто не только передает внешний вид своих моделей, но и проникает в их более глубокую сущность, превращая каждую фотографию в мощное подтверждение женской силы и красоты. Становится очевидным, что ее работы говорят о женственности не как о слабости, а как о мощном источнике силы, даже когда она кажется погребенной или скрытой под слоями повседневного контекста.
ТОМАТ ЧУАР (2023, рисунок Сильви Тэлон)
Профиль рисовальщика
Сильви Тэлон — французская художница-самоучка, специализирующаяся на рисунках карандашом и тушью. Сильви родилась в 1962 году в Байонне и открыла свою студию в небольшой деревне с населением 200 человек на границе между Ландами и Жером во Франции, где она находит спокойствие, необходимое для того, чтобы посвятить себя живописи и рисованию, своей давней страсти.
Ее работы, отличающиеся безупречным техническим мастерством и нежными цветами, исследуют женскую жизнь в ее двойственности, отсылая к мечтам, стремлениям и достижениям. Чувственные персонажи Сильви, часто изображенные в левитации, окутывают зрителя сказочной атмосферой, создавая мир нежности и визуальной близости.
Одна из ее последних работ, «Tomate Noire» (2023), является великолепным примером ее таланта запечатлеть уникальную красоту природы. На этом рисунке, сделанном карандашом на бумаге, изображен красивый черный помидор, собранный в ее саду. Несмотря на название, цвет этого фрукта — темно-красный, переданный с точностью, которая подчеркивает его необычную и оригинальную форму, оживляя его чувственность.
Эта особенность фрукта напоминает работы Эдварда Уэстона, особенно его «Перец № 30», где предмет повседневного использования возводится в икону красоты и чистой формы посредством фотографического искусства. Точно так же Сильви Тэлон превратила простой помидор в произведение искусства, прославляя уникальность природных форм.
EMANATION 6 (2024)Коллажи Аннемарике Ван Пеппен
Художественное видение коллажа
Аннемарике ван Пеппен — художница, родившаяся в 1971 году в Роттердаме и получившая образование в Академии искусств и промышленности (AKI) в Энсхеде, где специализировалась на моде. После учебы она путешествовала по Индонезии, Австралии и Малайзии, находя вдохновение и развивая личный художественный стиль. Ее работы охватывают коллажи, инсталляции, впечатляющие арт-проекты, фотографию, скульптуры и одежду, с постоянным поиском человеческой сущности, даже в ее сложности.
Серия «Эманации», частью которой является приведенный выше коллаж, размышляет над термином «эманация», означающим нечто, возникающее из источника, проявляющееся в новых формах, для исследования сущности человеческого опыта посредством создания новых идентичностей. Они призваны символизировать непрерывный поиск самопознания и роста. Этот подход действует для художницы как зеркало, приглашая к самоанализу и размышлениям, а также рассказывая о ее личном процессе переосмысления и принятия постоянного потока изменений и эволюции.
Что касается «Эманаций 6», то на коллаже изображен портрет в оттенках серого, состоящий из множества маленьких кусочков текстильного волокна, наклеенных на деревянную поверхность. Отдельные части работы тщательно аранжированы, чтобы сформировать целостное и детальное изображение лица человека, с особым вниманием к градациям тонов и текстурам для достижения реалистичного изображения. Кроме того, перекрывающаяся ткань создает уникальную текстурированную поверхность, которая увеличивает визуальную глубину и сложность портрета. Наконец, очевидно, что работа сочетает в себе элементы традиционной портретной живописи с современными техниками коллажа, демонстрируя мастерство художника в манипулировании материалами, чтобы вызвать эмоции и смыслы.
КОМПОЗИЦИЯ ВАЗЫ VI'24 (2024)Текстильное искусство Милены Паладино.
Текстильные инновации от женщин
Милена Паладино родилась в Польше в 1985 году, окончила факультет истории искусств Университета Адама Мицкевича в Познани, а затем переехала в Италию, чтобы продолжить свою страсть к искусству. Поиски идеального средства выразительности привели ее к специализации на текстильных работах с использованием техники перфорации иглой.
Ее творения характеризуются простыми и тонкими композициями, которые исследуют форму и пропорции через натюрморт. Руководствуясь поиском сущности и формальной чистоты, Милена стремится к четкой гармонии и пропорциям, в результате чего создаются минималистичные и чувственные работы. Работая с натуральными тканями, такими как шерсть или альпака, Милена придает своим работам сильное визуальное воздействие и тактильное качество, позволяя зрителям удовлетворить множество чувств.
Точно так же «Композиция вазы VI'24» (2024 г.) иллюстрирует искусство Паладино, формируя сочетание фигур и материалов, где текстильная композиция новаторски исследует текстуру и цвет. В этом контексте техника перфорирования иглой вместе с натуральными материалами снова создает поверхность, богатую визуальными и тактильными вариациями.
DEEP SOUL 138 (2023)Цифровое искусство Лоуренса Верни
Цифровое будущее – женское
Лоуренс Верни — французский художник, родившийся в 1962 году, чья художественная вселенная сегодня выражается через цифровое искусство. Верни любит воплощать в жизнь иллюзии, поэтому материал, фактура, глубина, движение и контраст в ее работах создают выразительную силу, которая придает смысл ее изображениям и стимулирует воображение. В этом смысле играет роль и загадочное качество света, способное вызывать глубокие эмоции и придавать великолепие и вибрацию исследуемым предметам.
Говоря об иллюзиях, Лоуренс Верни находит вдохновение в оптическом искусстве Виктора Вазарели, а также абстракции Пьера Сулажа, черно-белой фотографии Эдварда Уэстона и эфемерных образах крупных городов, созданных Эрнестом Пиньоном-Эрнестом и младший Эти мастера влияют на ее творческие поиски, которые также вдохновлены спонтанностью уличного искусства.
Цифровое произведение искусства «Deep Soul 138» (2023 г.) представляет собой сочетание обработанной цифровой фотографии, изображений, созданных искусственным интеллектом, и 2D-фотомонтажа на алюминии. Он был создан, чтобы исследовать суть человеческого опыта посредством использования сложных текстур и игр света, призванных создать почти осязаемую работу. Что касается изображенного лица, то оно появляется из неземной завесы, передавая ощущение глубины и самоанализа, а цифровые манипуляции и использование таких материалов, как алюминий, создают современный образ, способный объединить традиции и инновации.
Olimpia Gaia Martinelli
