Евгений Семенюк, Человек в стиле Эгон Шиле в белой маске , 2020. Холст, масло/акрил, 40 х 30 см.
«Искусство не может быть современным. Искусство изначально вечно».
Словами Эгона Шиле, культового австрийского живописца и гравера, родившегося в 1890 году, вводится фундаментальная концепция истории искусства, направленная на демонстрацию того, как шедевры всех времен оказываются вне актуального и ограниченного пространственно-временного измерения, находя свою место в месте, которое, подобно вечному и непрерывному настоящему, признает их объектами бесконечного созерцания, дабы помнить, демонстрировать и возвеличивать высшие способности человечества. В этом повествовании без «сроков» нельзя не упомянуть вошедшие в историю автопортреты вышеупомянутого мастера и как инструмент высокоэкспрессионистского образного исследования, и как средство экспликации и познания темперамент художника, запечатленный на разных этапах его творчества. По сути, многочисленные автопортреты Шиле, выполненные в период между 1910 и 1918 годами, представляют собой подлинное исследование душевного состояния вышеупомянутого человека, позволяя нам войти «в доверие» к одному из самых известных художников 20-го века. век. Поэтому для знакомства, как с произведением, так и с художником, хорошо начать с 1910 года, даты исполнения трех шедевров вышеупомянутого жанра: « Автопортрет в полосатой рубахе», «Автопортрет с натягиванием вниз» . Веко и Автопортрет стоя . На первом акварельном рисунке Шиле чуть за двадцать предстаёт перед зрителем в полосатой рубашке, хотя его пристальный и притягательный взгляд может показаться «обнажённым», поскольку его глаза раскрывают нам его более глубокий, высокомерный взгляд. мятежная, любознательная и духовная сущность. Однако с хроматической точки зрения оттенки одежды повторяются в оттенках головы главного героя, что делает композицию гармоничной как композиционно, так и хроматически. Говоря об « Автопортрете, опустив веко », работа, которая еще раз показывает лелеемый интерес Шиле к автопортрету, фигуративной тенденции, считавшейся довольно необычной в то время, представляет собой заметный отход от стилистических особенностей ранее господствовавших работ Климта. Фактически, вышеупомянутая акварель, перепрофилируя яркие и декоративные цвета, полученные от мастера Баумгартена, представляет новый выразительный язык тела, направленный на то, чтобы предложить вес мыслей и чувств чучела, часто сосредоточенных на проблемах, связанных с темами смерти, любви, секс и процесс становления художником. Также из того же года Автопортрет стоя представляет собой вершину интроспективного поворота Шиле, тенденции, которая выражается в высшей степени драматично, грубо и радикально той самой гримасой боли, в которой художник увековечил себя, преследуя цель раскрывая более подлинный и болезненный взгляд на жизнь, теперь окончательно далекий от роскошного и блестящего золота климтовского происхождения. Подобный фатос можно увидеть и в более поздней акварели, а именно в « Автопортрете», относящемся к 1911 году, на котором художник предстает в похожей позе и позе.
Габриэле Донелли, Портрет Эгона Шиле , 2009. Картон, акрил, 62 x 46 см.
Эмили Старк, Эгон Шиле , 2020. Акрил/акварель/графит/масло/коллаж на бумаге, 65 х 50 см.
Что касается 1912 года, то нельзя не упомянуть « Автопортрет с китайским фонарным растением », одну из самых почитаемых работ австрийского художника, которая, стремясь запечатлеть образ Шиле с беспрецедентной точки зрения, вдавливает главного героя в новаторский горизонтальный формат. Кроме того, напряжение, присущее изображению, также усиливается положением его головы, которая, обращенная вправо, «отступает» от его глаз, которые пристально смотрят на зрителя, смотрящего в противоположном направлении. В таком эмоционально заряженном контексте плечи художника резко выделяются на светлом фоне, обогащенном присутствием ветки с листьями и китайских фонариков. Наконец, еще говоря о цвете, важно не упускать из виду богатый хроматизм кожи и глаз, которые, имея красный зрачок, раскрывают необыкновенную по чувствительности и художественному смыслу душу. Подводя итог творческому импульсу 1915 года, можно назвать знаковую работу мастера, а именно «Смерть и дева», полотно, в котором Шиле хочет выразить всю ту печаль, которую он испытал, расставшись со своей моделью и возлюбленной Уолли. Действительно, шедевр изображает двух влюбленных, которые, изображенные в акте объятия друг друга, расположены на скомканном листе, помещенном на каменистый фон, призванный намекнуть своей геометрией на взаимосвязанные тела изображений. Именно такая физическая близость относится не к действительному любовному экстазу, а к положению, предшествующему отстранению, кристаллизующемуся в невероятных позах, которые относятся к осязаемому ощущению беспокойства, ненадежности и смерти. Эпилог такого чувства подтверждается и далекими взглядами чучел, так как женщина сосредоточенно смотрит вовне, словно погруженная в свои мысли, а ее спутник с широко открытыми глазами в небытии даже как бы теряется в своем сложном внутренний мир. Что касается жизни Шиле, то, однако, конец вышеупомянутого чувства не был связан с простым истощением любви, поскольку художник оставил Валли только для того, чтобы получить выгодный брак с более социально презентабельной женщиной. Таким образом, выясняется, что даже в более страстном и инстинктивном мире искусства Шиле в некоторых случаях рациональность и расчет брали верх над более подлинной страстью.
Гаспар де Гуж, Густавия и друзья , 1999. Масло/акрил/уголь на панели МДФ, 157 x 104 см.
Walter Diem, Bild 21 120 sammlung diem, 2021. Живопись, бумага, мел/акварель, 70 x 50 см.
Жизнь Шиле: история продолжается в произведениях Artmajeur
Работа Шиле отточила выразительный подход, отличающийся искаженными фигурами и «резкими» мазками, которые, чрезвычайно заряженные эмоциональной энергией, и по сей день являются мощным символом психологического, эмоционального и сексуального выражения. На самом деле коллекция произведений искусства Artmajeur богата как точками зрения, вдохновленными образным исследованием венского мастера, так и фактическими «римейками» его величайших шедевров, картин, через которые можно продолжить повествование о жизни художника, таких как Джулианна Мур . пьесы Шиле Франческо Децио, « Объятия » Дмитрия Трубина и « После Эгона Шиле » Себастьяна Монтага.
Франческо Дезио, Джулианна Мур играет Шиле , 2022. Бумага, акварель, 56 x 45 см.
Франческо Децио: Джулианна Мур интерпретирует Шиле
Акварель Децио на бумаге представляет собой «третье поколение» великого шедевра истории искусства, поскольку итальянский художник переосмыслил известную фотографию Питера Линдберга, который, в свою очередь, создал нынешний шедевр Шиле « Сидящая женщина с согнутым коленом» ( 1917). Действительно, в кадре немецкого фотографа Уолли, вышеупомянутая любовница и модель Шиле, принимает образ популярной американской актрисы Джулианны Мур, которая в том же контексте также изображала главных героев других известных произведений искусства, таких как как: « Портрет Адели Блох-Бауэр I » Густава Климта (1907), « Калека » Джона Каррина (1997), « Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица » Эдгара Дега (1879–1881) и « Портрет Лунии Чеховской с веером » Амедео Модильяни (1919). Вместо этого, возвращаясь к шедевру немецкого мастера, из которого и Децио, и Линдберг взяли свои реплики, он изображает Уолли в неформальной позе, которая, обратив свой взгляд на зрителя, принимает очень выразительную, непринужденную и эротическую позу. Однако за безопасностью женщины, сидящей с согнутым коленом , скрывается сокровенное стремление художника, который, хотя и женился на другой женщине, продолжает возрождать свою сорванную любовь в измерении холста.
Дмитрий Трубин, Embrace . Окрашены, размеры доступны по запросу.
Дмитрий Трубин: Объятия
Картина Трубина представляет собой оригинальное и личное переосмысление шедевра Шиле « Объятия », датированного 1917 годом, в котором художник изобразил себя втянутым в страстные сношения со своей женой Эдит Хармс, на которой он женился в 1915 году. Таким образом, композиция пронизана сильной сентиментальностью, что, характерное для произведений, созданных после женитьбы мастера, делало его работу менее мучительной, чем обычно. Тем не менее, завуалированное подобие скорбной меланхолии остается ощутимым, чувство, вероятно, предвестник зловещих событий 1918 года, когда испанский грипп, помимо миллионов жертв, также унес Эдит. Что касается интерпретации «Объятий» Трубиным , то она поддерживает культовую вуайеристскую точку зрения оригинала, согласно которой зритель проникает в частную сферу молодой пары, превратившейся теперь в два экземпляра манекенов, достойных кисти Джорджо де Кирико. Сам последний, начиная с 1915 года, населял свои картины монументальными фигурами, которые, таинственно лишенные глаз, рта и ушей, намекали, вероятно, на способность исследовать реальность даже за пределами ее феноменального облика. Кроме того, манекены итальянского мастера также можно интерпретировать как символы чрезвычайно меланхолического душевного состояния, настроения, которое, безусловно, может быть связано с завуалированным пессимизмом Шиле.
Себастьян Монтаг, После Эгона Шиле , 2021. Холст, акрил, аэрозольная краска, 41 x 33 см.
Себастьен Монтаг: После Эгона Шиле
После того, как Эгон Шиле является «немой» и «минималистской» переинтерпретацией « Автопортрета с опущенным », в «римейке» художника Artmajeur интенсивный взгляд шедевра Шиле был «стерт» вместе с другими отличительными чертами персонажа. Вероятно, эта новая точка зрения была вдохновлена современностью, то есть реальностью, в которой, по сравнению с прошлым, мы склонны быть более быстрыми, прямыми и синтетическими, в том числе благодаря формам ментиса, переданным нам новыми технологиями. Возвращаясь к « Автопортрету с опущенной головой », с другой стороны, произведение характеризуется тем, что оно увековечивает Шиле с опущенной головой, положение, которое подчеркивает направленный вверх взгляд персонажа, направленный на принятие крайне гротескного и тревожного положения. Кроме того, еще одной важной деталью картины является большая левая рука, которая с растопыренными пальцами повторяет ту же позу, что и в «Отшельниках» и другом автопортрете того же года. В действительности, однако, руки оказываются «обязательными» в художественном произведении Шиле вообще, поскольку они также являются главными героями многочисленных фотографий, увековечивающих мастера. Вероятно, они символизируют защитное отношение к жизни и миру, которое принимает художник, ставя их перед всем, что встречается на его пути.
Olimpia Gaia Martinelli
