Фрида Кало, Раненный олень, 1946 год. Масло, масонит. Частная коллекция.
Какие художники приходят на ум при упоминании Латинской Америки? Наверняка вы уже представляете себе знаменитую бровь Фриды Кало, ее очаровательные усы, целующие губы другого знаменитого художника: Диего Ривера. Возможно, вы также представляете себе красивых, пухлых женщин Фернандо Ботеро, отличающихся своими преувеличенными формами, которые провозглашают концепцию универсальной красоты и вызывают радостную улыбку на вашем лице. Но подождите! Не останавливайтесь на достигнутом. Вместе мы узнаем, что наряду с этими известными фигурами в истории латиноамериканского искусства есть и другие незаменимые мастера, которых вам просто необходимо знать - в нашем топ-10!
1. Диего Ривера и мурализм: визуальный голос нации
Биография и стиль
Диего Ривера (1886-1957) — один из самых влиятельных художников 20-го века, известный как основатель мексиканского движения монументалистов. Значительные периоды времени он провел в Европе и США. Его самобытный стиль сочетает в себе современные европейские влияния и мексиканское доколумбовое наследие. Используя технику итальянской фрески, он затронул социальные и исторические темы, такие как социальное неравенство и судьба Мексики. Он предпочитал фрески из-за их публичной доступности и оказал влияние на общественное искусство в Соединенных Штатах. Ривера, марксист и член Коммунистической партии Мексики, использовал искусство, чтобы выразить свою политическую приверженность, изображая крестьян, рабочих и революционных деятелей, что часто вызывало споры.
Знаменитый шедевр: «Сон воскресного дня в парке Аламеда»
«Сон воскресного дня в парке Аламеда» прославляет мексиканский фольклор и историю народа, смешивая реальность и фантазию в сюрреалистической композиции. Ривера описал свою работу как сплав своих детских впечатлений в парке Аламеда с историческими эпизодами и фигурами. Среди изображенной на фреске толпы можно узнать выдающихся деятелей мексиканской истории, таких как Франсиско Игнасио Мадеро, лидер революции 1910 года.
В атмосфере теплого, окутывающего света Смерть ведет медленную процессию живых и мертвых по тропинкам парка. Выбор места действия именно этого места не случаен, а обусловлен тем фактом, что Ривера в детстве проводил там много времени со своей семьей. Действительно, у художника много воспоминаний об этом месте, вызванных здесь с оттенком тонкой меланхолии, возможно, обусловленной ностальгией по юности, воспринимаемой теперь как нечто далекое, подтверждаемой тем, что художник изобразил себя десятилетним мальчиком. мальчик.
Однако в центре произведения доминирует Калавера Катрина, культовая фигура-скелет, созданная гравером Хосе Гуадалупе Посада, чтобы высмеивать тщеславие европейской буржуазии и критиковать богатых мексиканских женщин, которые отказались от местных традиций, чтобы следовать европейской моде. Ривера увековечил эту фигуру шляпой с перьями и боа, отсылая к иконографии ацтекского божества Кецалькоатля, типичного символа коренных корней Мексики. В этом смысле художник использовал «Калавера Катрина», чтобы подтвердить национальную гордость и постоянное влияние доколумбовых традиций в современном обществе.
Рядом с этим главным героем Ривера изобразил себя, как упоминалось ранее, ребенком, держащим за руку знаменитую фигуру-скелет, а Хосе Гуадалупе Посада, на противоположной стороне, изображен предлагающим ей руку.
2. За пределами фресок: Руфино Тамайо и станковое искусство
Биография и стиль
Руфино Тамайо, родившийся 25 августа 1899 года в Оахака-де-Хуарес и скончавшийся в июне 1991 года в Мехико, был влиятельным латиноамериканским художником и гравёром. В отличие от таких современников, как Диего Ривера, Тамайо избегал явных политических заявлений в своих работах, сосредоточившись на пропаганде личной свободы и универсальности искусства, за что получил прозвище «Международный мексиканец». В уникальном стиле Тамайо сочетались элементы европейских авангардистских течений (реализма, экспрессионизма, абстракции и кубизма) с доколумбовым наследием Мексики. Он предпочитал станковую живопись фрескам и использовал ограниченную, но мощную цветовую палитру, часто применяя чистые цвета, такие как красный и фиолетовый, чтобы придать своим композициям большую силу и смысл. Кроме того, Тамайо разработал уникальную технику печати под названием «Миксография», которая придает его графическим работам тактильные ощущения.
Легендарный шедевр: «Женщины Теуантепека».
Одним из самых знаковых шедевров Руфино Тамайо является «Женщины Теуантепека», картина маслом, созданная в 1939 году. На работе изображены женщины сапотекской культуры, узнаваемые по деталям их одежды, красочной и оживленной обстановке, а также характерным тонам их цвет лица. Эта картина, в настоящее время находящаяся в МоМА, в соответствии с привычным для художника использованием цвета использует ограниченную и повторяющуюся палитру, которая подчеркивает контраст между приглушенными тонами одежды и лиц.
Наконец, «Женщины Теуантепека» — это мастерский пример способности Тамайо передать культурную самобытность через яркие образы обычных людей. Женщины, черты лица которых свидетельствуют о традициях, излучают силу и гордость, отражая достоинство мексиканской культуры коренных народов.
3. Фрида Кало: путешествие в душу через искусство
Биография и стиль
Магдалена Кармен Фрида Кало-и-Кальдерон родилась 6 июля 1907 года в Мехико. На ее жизнь серьезно повлияла тяжелая дорожно-транспортная авария в 1925 году, повлекшая за собой хронические физические травмы, которые глубоко повлияли на ее искусство. Фрида Кало, скончавшаяся в июле 1954 года в Мехико, оставила неизгладимое художественное и культурное наследие. Фрида Кало известна своими очень личными и запоминающимися автопортретами, исследующими темы идентичности, боли и женственности. Используя визуальный язык, включающий религиозные, мифологические и культурные символы, она изобразила физическую и психологическую боль с беспрецедентной искренностью и глубиной. Ее работы часто раскрывают внутренние органы, раны и страдания, предлагая грубый и интимный взгляд на состояние человека. Фрида также произвела революцию в представлении женственности в искусстве, выделив аспекты жизни, которые часто скрываются или считаются табу, такие как аборты и бесплодие.
Легендарный шедевр: «Две Фриды».
Картина «Две Фриды» (Las dos Fridas), созданная в 1939 году, является одной из самых известных и представительных работ Кало. На картине, хранящейся в Музее современного искусства в Мехико, изображены две версии художницы, сидящие рядом: одна Фрида носит белое европейское платье, символизирующее ее более уязвимую и раненую сторону, с открытым и кровоточащим сердцем. Другая Фрида одета в традиционное мексиканское платье, с неповрежденным сердцем на груди и маленькой фотографией Диего Риверы в правой руке.
Через эту композицию художница словно выражает свое эмоциональное состояние во время болезненного перехода от «до» к «после», от влюбленной Кало к своему новому «я», решившему развестись, несмотря на страдания. Две фигуры связаны не только жестом держания за руки, но и длинной веной, соединяющей их сердца, перерезанной хирургическими ножницами, из-за которых кровь капает на землю. Это символизирует большую утрату и сильную боль, вызванную чем? Очередным невыносимым предательством Диего, соблазнившего на этот раз сестру художника.
Тем не менее, двойной автопортрет подчеркивает не только одиночество художницы, но и ее стойкость и способность к возрождению, поскольку ее искусство становится средством исследования и выражения глубочайших эмоций, связанных с женственностью, любовью и страданием. Действительно, эта работа, несомненно, была для художницы способом исследовать две ее противоположные личности, объединенные ее сложными отношениями с Диего Риверой, кратко выраженными в собственных словах Кало: «Почему я называю его своим Диего? Он никогда не был и никогда не будет мой. Он принадлежит себе».
4. Тарсила ду Амарал: мать бразильского модернизма
Биография и стиль
Тарсила ду Амарал, родившийся 1 сентября 1886 года в Капивари, Бразилия, и умерший в январе 1973 года в Сан-Паулу, является ключевой фигурой бразильского модернизма. Выходец из богатой семьи, она изучала искусство в Европе и находилась под влиянием авангардных движений. Вернувшись в Бразилию, она в значительной степени сформировала художественную идентичность Бразилии 20-го века. Ее самобытный стиль сочетает в себе европейский кубизм с бразильскими мотивами и цветами, характеризующимися яркой палитрой и упрощенными формами. Ключевая фигура антропофагического движения, она стремилась по-новому интерпретировать европейские культурные влияния с точки зрения Бразилии. Ее модернистское искусство исследует темы национальной идентичности, природы и фольклора, часто включая сюрреалистические элементы.
Легендарный шедевр: «Абапору».
Одним из самых знаковых шедевров Тарсила ду Амарала является картина «Абапору», написанная в 1928 году. Она символизирует бразильский модернизм и вдохновила антропофагическое движение. На картине изображена стилизованная человеческая фигура с искаженными пропорциями, маленькой головой, длинной рукой и огромными ногами, сидящая рядом с кактусом. Название, которое на языке тупи-гуарани означает «человек, который ест людей», намекает на культурный каннибализм.
Название было предложено поэтом Раулем Боппом, и картина стала центральной в антропофагическом движении, целью которого было адаптировать иностранную культуру к бразильскому контексту. Первоначально она была написана как подарок на день рождения мужу Тарсилы, писателю Освальду де Андраде.
Наконец, «Абапору» отличается яркой цветовой палитрой и стилизованными формами, отражающими цель Тарсилы — синтезировать европейские влияния с бразильской оригинальностью.
5. Гений Ботеро: красота и ирония в преувеличенных формах
Биография и стиль
Фернандо Ботеро Ангуло, родившийся 19 апреля 1932 года в Медельине, Колумбия, и скончавшийся в сентябре 2023 года в Монако, был всемирно признанным колумбийским художником, скульптором и рисовальщиком, известным своим уникальным стилем «ботеризм». Его долгая и плодотворная карьера сделала его одним из самых уважаемых художников Южной Америки. «Ботеризм» характеризуется буйными, объемными формами, с фигурами людей и животных, а также предметами, изображенными округло и чувственно, часто с юмором и очарованием. Несмотря на критику в адрес того, что он всего лишь «художник толстых людей», искусство Ботеро охватывает широкий спектр тем, включая повседневную жизнь Колумбии, портреты, натюрморты, а также важные политические и социальные проблемы, такие как незаконный оборот наркотиков в Колумбии и нарушения прав человека со стороны Колумбии. Американские военные в Ираке.
Легендарный шедевр: «Смерть Пабло Эскобара».
Одним из самых знаковых шедевров Фернандо Ботеро является «Смерть Пабло Эскобара», написанная в 1999 году. Эта историческая картина, выполненная в типичном для Ботеро наивном стиле, изображает драматическое падение пресловутого колумбийского наркобарона Пабло Эскобара, используя характерный для Ботеро объемный стиль. изобразите его одновременно внушительным и уязвимым.
Картину можно интерпретировать по-разному: как ознаменование конца мрачного периода хаоса и коррупции в истории Колумбии, вызванного Эскобаром и Медельинским картелем, а также как критику жестокого правосудия и повсеместного насилия в борьбе с незаконным оборотом наркотиков. Ботеро представляет Эскобара трагически человечным, несмотря на его преступления, сочетающим техническое мастерство с глубокими социальными и политическими взглядами. Эта работа подчеркивает смелость Ботеро в решении сложных тем и его умение превращать важные исторические события в впечатляющее искусство.
6. Видение Вифредо Лама: кубизм, сюрреализм и африканские корни
Биография и стиль
Вифредо Лам, родившийся 8 декабря 1902 года в Сагуа-ла-Гранде, Куба, и умерший в сентябре 1982 года в Париже, Франция, был выдающимся художником, оказавшим влияние на современное искусство 20-го века с точки зрения мультикультурализма и деколонизации. Первоначально обучавшийся академическому искусству, позже он перенял европейские авангардные техники, разработав уникальный стиль, который отразил его кубинские корни и опыт работы в Европе и странах Карибского бассейна. Работы Лама объединили кубизм и сюрреализм с афро-кубинскими мотивами, охватывая такие традиции, как Сантерия. Его искусство послужило формой деколонизации, представив афро-карибские мотивы на международной художественной сцене и бросив вызов разделению западной цивилизации на «примитивное» и зрелое искусство. Его работы поддерживали движение Негритюда, стремящееся восстановить и возвысить африканскую идентичность вопреки историческому угнетению, колониализму и политике ассимиляции.
Легендарный шедевр: «Джунгли».
Самый знаковый шедевр Вифредо Лама «Джунгли» (1943) известен своим уникальным изображением фигур с лицами, напоминающими маски африканских или тихоокеанских островов, на фоне кубинского поля сахарного тростника. Эта картина призвана передать тревожные последствия рабства и колониализма на Кубе, используя яркую цветовую палитру и сложное сочетание человеческих, животных и растительных элементов в сюрреалистической композиции.
Выбор Ламом названия «Джунгли» отражает хаотичную и плотную реальность жизни на плантациях, символизируя смятение и угнетение, с которыми сталкиваются порабощенные рабочие. Джунгли служат метафорой лабиринта эксплуатации, страданий и сопротивления на плантациях.
Значение работы подчеркивается ее влиянием на французского писателя Пьера Мабиля, который сравнил ее важность с открытием перспективы Паоло Уччелло.
7. Освальдо Гуаясамин: мастер человеческого самовыражения
Биография и стиль
Освальдо Гуаясамин, родившийся 6 июля 1919 года в Кито, Эквадор, и умерший в марте 1999 года в Балтиморе, был всемирно известным художником и скульптором, известным своей глубокой общественной деятельностью. Он запечатлел человеческие страдания и устойчивость, заслужил многочисленные международные награды и стал ключевой фигурой в латиноамериканском искусстве 20-го века. Стиль Гуаясамина характеризуется интуитивным и драматическим выражением человеческой боли с использованием вытянутых, искаженных фигур с выразительными лицами. Под влиянием местных традиций и социальных реалий Латинской Америки он разработал уникальный визуальный язык, сочетающий элементы экспрессионизма с глубокой человеческой чувствительностью. В его работах преобладают темные и землистые тона, они подчеркивают драматизм и серьезность, уделяя особое внимание социальной несправедливости, войне и неравенству, используя свое искусство для осуждения и размышлений.
Легендарный шедевр: «Эпоха гнева»
Культовая серия шедевров Освальдо Гуаясамина «Эпоха гнева» (La Edad de la Ira) включает 130 картин, созданных на протяжении нескольких десятилетий и осуждающих ужасы войны и социальной несправедливости. Начатый в 1960-х годах и оставшийся незавершенным как свидетельство вечного конфликта, сериал иллюстрирует XX век как самую жестокую эпоху человечества, ссылаясь на Первую мировую войну, Гражданскую войну в Испании и Вторую мировую войну, среди других конфликтов.
Среди этих работ выделяется «Крик» (Эль Грито), написанный в 1976 году. На нем изображена фигура, искаженная в агонии, с непропорциональными формами и интенсивными красными оттенками, усиливающими эмоциональное воздействие. Эта картина ярко отражает всеобщие человеческие страдания и служит острым символом протеста против насилия и угнетения.
8. Из Чили в мир: Художественная революция Роберто Матты
Биография и стиль
Роберто Себастьян Антонио Матта Эчауррен, родившийся 11 ноября 1911 года в Сантьяго, Чили, и умер в ноябре 2002 года в Чивитавеккья, Италия, был известным чилийским художником и архитектором, известным синтезом европейской, американской и латиноамериканской культур. Будучи членом сюрреалистического движения и наставником абстрактных экспрессионистов, он развил личное видение, исследуя внутренний и внешний миры с сильным социальным сознанием. Работы Матты сочетают абстракцию, фигуру и многомерные пространства в сложные пейзажи. Первоначально являясь частью сюрреализма, он представил социальные и политические темы, создавая масштабные картины с геометрическими и биоморфными формами, которые трансформируются в динамичные фигуры. Его исследование бессознательного через абстрактные формы повлияло на абстрактный экспрессионизм, оказав влияние на таких художников, как Джексон Поллок и Роберт Мазервелл.
Легендарный шедевр: «Вторжение ночи».
«Вторжение ночи» (1941) Роберто Матты считается одним из его самых знаковых шедевров, демонстрируя уникальное сочетание сюрреализма и абстракции. Картина представляет собой сюрреалистическую и динамичную сцену, сочетающую сказочные пейзажи с эмоциональными жестами. Он представляет собой смесь геометрических и биоморфных форм, подвешенных в псевдокосмическом пространстве, создавая ощущение постоянного движения и трансформации. Инновационное использование Маттой нескольких перспектив повышает плавность композиции, приглашая зрителей исследовать яркие цвета, абстрактные формы и сюрреалистическую атмосферу, которая стирает грань между реальностью и фантазией.
Искусство Матты в «Вторжении ночи», известное тем, что раздвигает границы визуального восприятия, выходит за рамки традиционной физики, предлагая альтернативную реальность, в которой пространственные и временные нормы не действуют. Этому эффекту способствует его техника, характеризующаяся быстрыми мазками и многослойными цветами для придания глубины. Более того, картина углубляется в подсознание и психологию человека под влиянием теорий Фрейда и Юнга. Биоморфные и геометрические формы в произведении символизируют психические процессы и внутренние эмоции, а плавность композиции отражает поток мыслей и чувств.
9. Лигия Кларк и эволюция современного искусства.
Биография и стиль
Лигия Кларк (1920–1988) была ключевой фигурой в бразильском искусстве 20-го века, соосновательницей движения неоконкретизма. Она стремилась растворить границы между искусством и жизнью, продвигая интерактивный и чувственный опыт. Первоначально известная своими абстрактными картинами, она перешла к трехмерным формам, став пионером совместного искусства, где зрители физически участвуют в работе, чтобы завершить ее. Ее инсталляции часто требовали тактильного взаимодействия, трансформируя традиционный художественный опыт.
Культовый шедевр: «Descoberta da Linha Organica» (Открытие органической линии)
«Descoberta da Linha Organica» («Открытие органической линии») — один из самых знаковых шедевров Лигии Кларк, знаменующий поворотный момент в ее карьере: начало ее исследования трехмерного пространства и взаимосвязи между произведением искусства и телесным опытом зрителя. .
В картине Кларк использует термин «органический» не для описания биологических форм, а для обозначения линии, которая служит отверстием, через которое зритель может войти в произведение искусства. Эта органичная линия сравнима с функциональными линиями дверных коробок в архитектурном пространстве, служащими точками доступа и перехода. Вдохновленный работами Пита Мондриана, Эль Лисицкого и Казимира Малевича, работы Кларка превосходят их геометрическую абстракцию.
По словам самой художницы, ее работа — это попытка найти в картине органическое пространство, создать место, куда зритель может по-настоящему войти и прочувствовать произведение искусства.
10. Торрес-Гарсия и конструктивизм: универсальное искусство Латинской Америки.
Биография и стиль
Хоакин Торрес-Гарсия (1874–1949), влиятельный уругвайский художник и дизайнер, объединил европейское современное искусство с доколумбовой символикой. Проведя годы в Европе, он вернулся в Уругвай, основав влиятельную художественную школу и способствуя интеграции местного и современного искусства. Его стиль сочетает в себе элементы кубизма и неопластицизма с местной эстетикой, используя сеточную структуру и симметрию. Он основал движение «Универсальный конструктивизм», стремясь создать универсальный визуальный язык с простыми геометрическими формами и архетипическими символами.
Культовый шедевр: «Конструктивный универсализм»
Одна из самых знаковых работ Хоакина Торреса-Гарсиа — «Конструктивный универсализм», термин, охватывающий всю его художественную философию, а не одну картину. Среди этих работ выделяется «Конструктив с четырьмя фигурами» (1932) как шедевр, воплощающий универсальный конструктивизм.
В этой картине Торрес-Гарсия использует геометрическую сетку для структурирования холста, объединяя стилизованные фигуры и символы, представляющие универсальные темы, такие как человечность, женственность, солнце и луна. Композиция включает в себя простые формы, которые подчеркивают ее вневременное и универсальное качество, а элементы, вдохновленные доколумбовым искусством, закрепляют ее в культурном наследии Южной Америки.
В конечном счете, «Конструктив с четырьмя фигурами» иллюстрирует видение Торрес-Гарсиа искусства как языка, преодолевающего культурные и временные границы, иллюстрируя его веру в фундаментальное единство человеческого опыта.
Olimpia Gaia Martinelli
