Фрэнк Стелла, выдающаяся фигура в абстрактном искусстве на протяжении более шести десятилетий, скончался в возрасте 87 лет. Его смерть произошла 4 мая в его доме в Нью-Йорке, о чем объявила галерея Марианны Боески, его представитель с 2014 года. Галерея получила высокую оценку Замечательная и постоянно развивающаяся работа Стеллы, в которой исследуются формальные и повествовательные возможности геометрии и цвета, а также различия между живописью и объектом. «Работать с Фрэнком на протяжении последнего десятилетия было огромной честью», — сказала Марианна Боски, размышляя о его впечатляющем наследии.
В 23 года, после всего лишь года работы в Нью-Йорке, Стелла ярко появился на художественной сцене города в 1959 году с его яркой полосатой монохромной серией «Черные картины» (1958-60). Эти картины, примечательные использованием черной бытовой эмали и тонкими линиями там, где холст оставался голым, дебютировали на исторической выставке «Шестнадцать американцев» в Музее современного искусства в 1959 году. На выставке также были представлены работы более старших современников, таких как Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс. , имел большое значение: МоМА приобрел у него картину Стеллы «Брак разума и убожества, II» (1959). Стелла стремилась к тому, чтобы «Черные картины» воспринимались без иллюзий, когда краска равномерно наносилась декораторской кистью, создавая прямой и связный визуальный эффект.
Фрэнк Стелла, который изначально придерживался строгой монохромной эстетики, постепенно включил в свои работы металлические тона, а затем яркие цвета, отображая их в различных геометрических конфигурациях. Его полотна новаторской формы впервые появились в серии «Алюминий» на его дебютной персональной выставке в Кастелли в 1960 году. В первые годы его пребывания в Нью-Йорке творения Стеллы были представлены на многочисленных ключевых выставках в лучших культурных учреждениях города, включая «Геометрическую абстракцию» (1962). ) в Музее американского искусства Уитни, «Формованный холст» (1964) и «Системная живопись» (1966) в Музее Соломона Р. Гуггенхайма и «Структура цвета» в Музее Уитни в 1971 году.
Стелла родилась в 1936 году в Молдене, штат Массачусетс, пригороде к северу от Бостона, и выросла в соседнем городе Мелроуз, после того как получила образование. Он зарабатывал себе как декоратор дома, изучая живопись под руководством Патрика Моргана в Академии Филлипса в Андовере, штат Массачусетс, а затем в Принстонском университете под руководством историка искусства Уильяма Зейтца и художника-абстракциониста Стивена Грина, который окончил в 1958 году. К 1959 году Стелла уже участвовала в группе. выставки в Оберлин-колледже, штат Огайо, а также в Нью-Йорке в галерее Тибора де Надя и Лео Кастелли, что привело к его значительному включению в выставку МоМА «Шестнадцать американцев».
Ретроспективы МоМА
В 1965 году Фрэнк Стелла вместе с такими современниками, как Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс, Клаас Ольденбург и Джим Дайн, был выбран представлять Соединенные Штаты на Венецианской биеннале. К 1967 году Стелла запустил свою серию «Транспортир» в Лео Кастелли. Эти работы, характеризующиеся яркими цветами и крупномасштабными полукруглыми формами, названными в честь чертежного инструмента, укрепили его влияние на современное абстрактное искусство. В 1970 году, когда Стелле было всего 33 года, она стала самой молодой художницей, удостоенной ретроспективы в Музее современного искусства (МОМА). Его вторая комплексная выставка в МоМА «Фрэнк Стелла: Работы с 1970 по 1987 год» (1987–88) началась с серии «Польская деревня». Эти произведения, посвященные синагогам, разрушенным в Польше во время Второй мировой войны, ознаменовали его переход от коллажей с низкими рельефами к более сложным конструкциям с горельефами с использованием таких материалов, как войлок и картон.
В интервью The Art Newspaper в 1999 году Стелла размышлял об этой эволюции в своих работах: «Рельефные картины заставили меня более активно взаимодействовать с реальным миром. Я обнаружил, что иду закупать такие материалы, как войлок, фанера и сотовый алюминий. Этот процесс привнес новые элементы в мое искусство, перейдя от контролируемой среды студии к более исследовательскому использованию материалов. Пикассо также отважился выйти за традиционные границы в использовании материалов, хотя по сегодняшним меркам он еще больше раздвинул границы. материальные инновации, чем физические исследования».
Размышляя о начале своей карьеры в 1999 году, когда он проводил выставку скульптур Бернарда Джейкобсона в Лондоне, Фрэнк Стелла отметил изменения в своем профессиональном кругу, отметив: «Я перерос или пережил дилеров 1960-х годов. Ларри Рубин ушел на пенсию, Лео Кастелли скончался [он умер в том же году]. На самом деле я вырос в другом поколении, и их всех уже нет. но я не совсем вписываюсь в сегодняшний жестокий мир».
Стелла расширил свою практику, включив в нее крупномасштабные скульптуры и сотрудничество с такими архитекторами, как Ричард Мейер — друг на протяжении 65 лет. Вместе они работали над такими проектами, как здание Федерального суда в Фениксе (открыто в 2000 г.), Музей современного искусства в Барселоне (1995 г.), Форум Вейсхаупт недалеко от Ульма на юге Германии (1993 г.) и Юбилейная церковь в Риме (2003 г.). , а также с Сантьяго Калатравой. Одним из примечательных проектов является «Занавес Майкла Кольхааса» (2008), 30-метровая картина-баннер Стеллы, накинутая на кольцеобразную раму, разработанная Калатравой.
Исследование Стеллой истории живописи
В 1983–1984 учебных годах Стелла читала в Гарвардском университете лекции Чарльза Элиота Нортона под названием «Рабочее пространство» (впоследствии опубликованные Гарвардом в 1985 году). В этих лекциях он хвалил барокко и другие исторические стили за их поэтическое и конструктивное использование пространства и объема. Во время выставки «Фрэнк Стелла: эксперимент и перемены» в Художественном музее НГУ в Форт-Лодердейле в 2017–2018 годах, на которой было представлено более 300 его работ, Стелла и куратор Бонни Клируотер обсуждали его глубокое увлечение историей живописи. Стелла рассказала о своей ранней встрече с Диптихом «Распятие» Рогира ван дер Вейдена (около 1460 г.) в Художественном музее Филадельфии, которую он описал как плодотворное влияние на его понимание того, чего искусство может стремиться достичь. В каталоге выставки Клируотер отметил, что для Стеллы убедительное визуальное воздействие картины было более важной целью, чем соблюдение доктрин модернизма.
Барбара Роуз, первая жена Стеллы, стала выдающимся искусствоведом и в 1965 году написала влиятельное эссе «ABC Art» для журнала «Искусство в Америке», которое сыграло решающую роль в формировании понимания минимализма. В своем эссе Роуз предположила, что «скромная анонимность», наблюдаемая в работах нью-йоркских художников, таких как Дональд Джадд, Роберт Моррис и ее тогдашний муж Стелла (они расстались в 1969 году), была контрреакцией на безудержную личную выражение, преобладавшее в то время, а также формальный ответ на преобладающие живописные излишества.
Откровенный подход Стеллы к искусству
Фрэнк Стелла был известен своими откровенными высказываниями о своих произведениях искусства. Его известное высказывание «что видишь, то и видишь» прозвучало во время разговора с историком искусства Брюсом Глейзером. Когда Глейзер ответил: «После этого остается не так уж много, не так ли?» Стелла ответила: «Я не знаю, что еще есть». Размышляя об этом десятилетия спустя в интервью The Art Newspaper, Стелла повторила: «Я говорила это много раз: абстракция может быть многим. живописный рассказ».
В интервью 1999 года Норберту Линтону для The Art Newspaper Фрэнк Стелла поделился своими мыслями о том, как он воспринимал эволюцию своей работы за первые четыре десятилетия своей карьеры. «Люди часто спрашивают: «Почему ты меняешься?» Я отвечаю, что на самом деле я не сильно меняюсь. Изменения в моей работе вызваны двумя основными чувствами: немного неудовлетворенности и немного надежды, всегда в поисках чего-то нового. Люди ожидают, что вы «найдете себя» и «найдете себя». создать единый стиль, но художники обычно хотят продолжать исследования», — объяснил он.
Использование передовых технологий
Стелла также был известен своим ранним внедрением и новаторским использованием новых технологий. С конца 1980-х годов он занимался компьютерным проектированием (САПР), а к середине 2000-х годов начал использовать технологии 3D-печати. Как сообщает The Art Newspaper, Стелла использовал 3D-печать для создания компонентов из металла и смолы для своей серии полихромных скульптур Скарлатти Киркпатрик. Эта серия черпала вдохновение как из сонат для клавесина Доменико Скарлатти, итальянского композитора XVIII века, так и из научных работ Ральфа Киркпатрика, американского музыковеда XX века.
В интервью The Art Newspaper в 2013 году Рон Лабако, куратор Музея искусств и дизайна в Нью-Йорке, рассказал, как технология 3D-печати позволила Фрэнку Стелле создавать проекции на стене способами, которые традиционные методы были бы слишком громоздкий и тяжелый, достичь не удалось. Лабако включил работы Стеллы в выставку компьютерного искусства под названием «Из рук: материализация постцифрового», которая проходила с 2013 по 2014 год.
В 2022 году Фрэнк Стелла запустил свой первый NFT (невзаимозаменяемый токен) в рамках своего проекта «Геометрии» в сотрудничестве с Обществом прав художников (ARS), которое было создано в 1987 году для защиты прав художников посредством авторского права, лицензирования, и мониторинг художников-визуалистов в Соединенных Штатах. Это партнерство подчеркнуло давнее участие Стеллы в ARS и ее поддержку. Катарина Федер, директор по развитию бизнеса ARS, сообщила The Art Newspaper: «Мы распродали все 2100 токенов и, что особенно важно, получили гонорары от перепродажи от вторичных продаж — дело, за которое Фрэнк уже давно выступает».
Через свое цифровое подразделение ARSNL Общество по правам художников (ARS) привлекло коллекционеров NFT, поделившись видео процесса и кураторским заявлением эксперта по арт-аналитике Джейсона Бэйли. «Коллекционеры цифровых изображений были очарованы Фрэнком и его творениями, — отметила Катарина Федер, — и многие начали создавать свои собственные производные работы, что Фрэнк разрешил. Мы представили Фрэнку некоторые из этих производных, и он был от них в восторге». Привлекательность NFT для Стеллы, как он объяснил журналу NFT Right Click Save, заключалась в том, что «NFT в абстрактном смысле, кажется, могут решить некоторые проблемы, возникающие из-за растущей воспроизводимости в технологиях визуализации и производства. Что еще более ощутимо, они предлагают художникам механизм, позволяющий требовать права перепродажи, которыми, как я считаю, мы должны обладать».
Прогрессивная позиция Стеллы в отношении выпуска NFT, поощряющая коллекционеров как создавать производные произведения, так и печатать их на 3D-принтере, еще больше укрепила его репутацию борца за права художников. Гретхен Эндрю в своей колонке Art Decoded в The Art Newspaper подчеркнула преданность Стеллы: «Фрэнк всегда был так же озабочен материальностью и тактильными качествами своих работ, как и защитой прав своих сверстников. В течение многих лет он был активным голосом в борьбе за права на перепродажу».
Серия «Звезды»
Среди самых знаменитых работ в дальнейшей карьере Фрэнка Стеллы — его серия «Звезды», в которой представлены большие, многоконечные, отдельно стоящие звезды. Известная инсталляция из этой серии включала пару семиметровых звезд, выставленных во дворе Королевской академии в Лондоне в 2015 году. В 2021 году Стелла представила «Расколовшуюся звезду» Джаспера, скульптуру из нержавеющей стали, на площади нового 7 World. Торговый центр в Нью-Йорке. Эта скульптура послужила яркой символической заменой двух больших картин Стеллы — «Лестригония I» и «Телепилус Лестригония II», каждая размером 10 на 10 футов, — которые ранее размещались в вестибюле первоначального здания 7 Всемирного торгового центра, прежде чем оно было разрушено во время Второй мировой войны. Теракты 11 сентября.
Непреходящее наследие Фрэнка Стеллы: инновации и влияние в абстрактном искусстве
Фрэнк Стелла, неукротимая сила в абстрактном искусстве на протяжении более шестидесяти лет, оставил после себя огромное наследие, отмеченное новаторским вкладом в эту область. Его кончина в возрасте 87 лет означает конец эпохи, но также подчеркивает непреходящее влияние его творчества, от новаторских «Черных картин» до его новаторских крупномасштабных скульптур и сотрудничества с архитекторами. Исследования Стеллы охватили сферы формы, цвета и пространственной динамики, изменив диалог вокруг абстрактного искусства и его пересечений с современными технологиями и новыми медиа, включая NFT. Его стремление к развитию своего художественного самовыражения и защите прав художников подчеркнуло его роль не только как творца, но и как дальновидного мыслителя в мире искусства. Путь Стеллы от молодой художницы из Нью-Йорка к почитаемой иконе, чьи работы бросили вызов эстетическим границам своего времени и превзошли их, оставляет прочный отпечаток на холсте современного искусства.
Selena Mattei