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Como definir estilo Arte tribal ?

As artes visuais e a cultura material dos povos indígenas são referidas como arte tribal, às vezes conhecida como arte não-ocidental, arte etnográfica ou, mais controversamente, arte primitiva. A arte tribal normalmente tem uma função ritualística ou espiritual. O design e artesanato de objetos de culturas tribais, geralmente com origens rurais, são referidos como arte tribal.

No século 19, famosos profissionais da arte ocidental nem mesmo consideravam a arte não-ocidental como arte. Em vez disso, esses objetos eram vistos como relíquias e exemplos de sociedades "exóticas" ou "primitivas". Mas na segunda metade do século 20, as atitudes sobre as artes tribais mudaram. Antes do pós-modernismo surgir na década de 1960, os críticos de arte viam as artes tribais principalmente de um ponto de vista formalista, dando pouca consideração ao significado simbólico, ao contexto histórico ou cultural ou à intenção do artista da peça. Desde então, a arte tribal, como a arte africana nas coleções ocidentais, passou a ser muito valorizada por colecionadores internacionais, exposições e mercado de arte.

A frase "tribal" pode conotar um tipo de arte menos sofisticado que está associado ao primitivismo e sugere falta de habilidade, design, intenção ou conceito. No entanto, à medida que os museus reexaminam e atualizam seus acervos, reconhecendo a realidade de que a arte tribal está longe de ser simples e primitiva e frequentemente tem uma habilidade de execução muito além do que esperamos, ela está ganhando cada vez mais interesse do público. Além disso, tem o poder de alcançar nossas almas. Nossos instintos internos podem ser despertados e nos conectamos com sua verdade como resultado de sua presença convincente e energia emocional, aumentando nossa percepção de profundidade espiritual.

Historicamente, antropólogos ocidentais, colecionadores particulares e museus de etnografia e história natural coletaram obras de arte tribais. Nas coleções de museus, a arte tribal pode ser dividida em três categorias principais: Arte das Américas e da Oceania, especialmente da Austrália, Melanésia, Nova Zelândia e Polinésia; e arte africana, notadamente a da África Subsaariana.

Arte tribal africana

Esculturas em pedra, esculturas em madeira (máscaras e esculturas), joias, cestaria, tecidos, cachimbos, instrumentos musicais, armamento, contas e o design de características arquitetônicas como portas e ornamentação de parede são exemplos de arte tribal africana. O desenvolvimento desses ofícios foi impactado pela acessibilidade de ferramentas, recursos e know-how; nem todas as tribos se engajaram nesses empreendimentos artísticos. O material mais típico era a madeira, freqüentemente decorada com argila, tinta, conchas, miçangas, marfim, metal, penas, pelos de animais, ráfia e, em raras ocasiões, até pedras semipreciosas.

A arte africana era uma parte fundamental de uma religião abrangente. As forças vitais supostamente presentes em todos os seres vivos eram representadas por imagens específicas que agiam como suas personificações ou representantes. A essência da ancestralidade da tribo foi preservada por essas representações dos mortos, que frequentemente falavam por eles e davam às pessoas a chance de se conectar com os espíritos ancestrais. Artefatos tribais africanos foram tipicamente criados como arte religiosa - para um ritual específico ou uso cerimonial - apesar do fato de que muitas das formas usadas incluem componentes seculares e algumas obras de arte são puramente decorativas e ornamentais.

A iniciação em grupos de idade, como as "sociedades" de homens jovens ou velhos, cada uma com seus próprios símbolos e motivos de culto, é a base de muitos rituais tribais. Essas "sociedades" são conhecidas por sua abundância de estatuetas e máscaras esculpidas, muitas das quais representam divindades padroeiras como o Deus do Trovão ou o Deus do Fogo. Embora as esculturas fossem quase exclusivamente fabricadas como um item de luxo por algumas sociedades, elas eram tão onipresentes e populares quanto as máscaras e tinham um significado ritualístico. A tribo Yoruba na Nigéria era habilidosa escultora de figuras redondas e frequentemente coroava suas máscaras tipicamente grandes com hordas de bonecos muito vivos, criando a ilusão de que uma festa estava acontecendo. Os escultores podiam alcançar uma estatura e notoriedade um tanto parecidas com as de um artista conhecido no Ocidente por causa do excelente calibre e reputação da escultura africana entre outras tribos, principalmente os iorubás.

Arte Tribal Oceânica

A sub-região da Oceania é composta por quatro regiões etnogeográficas distintas: Polinésia, Micronésia, Melanésia e Australásia. A arte tribal da Oceania refere-se às tradições culturais e à história criativa dos povos indígenas que vivem nessas quatro áreas. Essa cultura Lapita eventualmente teve um impacto na maior parte da Polinésia, Micronésia e Melanésia. Outro fator foi a civilização vietnamita Dong-Son, que floresceu por volta de 600 DC e foi um importante comerciante no Pacífico ocidental. Artefatos de bronze desta civilização foram encontrados em toda a Oceania.

Embora cada região e grupo de ilhas tivesse suas tradições estéticas únicas que moldavam suas artes e ofícios, a arte tribal oceânica estava ligada a eventos pagãos envolvendo o sobrenatural, a adoração de espíritos e a fertilidade. Uma grande variedade de formas de arte, incluindo pintura corporal, tatuagem, pintura, escultura, escultura em madeira e arte têxtil, foi produzida, sendo a maioria dos materiais utilizados por artistas e artesãos perecíveis. Como resultado, apenas um pequeno número de exemplos - excluindo edifícios de pedra e esculturas - persistiu.

As monumentais esculturas de pedra (moai) em Rapa Nui/Ilha de Páscoa e nas Marquesas, exemplificando o uso de desenhos que incorporam figuras antropomórficas com línguas protuberantes e olhos esbugalhados, comuns em muitas áreas orientais e remotas da Polinésia, estão entre os exemplos famosos da arte polinésia. que sobreviveram. Outros exemplos incluem tecidos de casca de árvore altamente ornamentados no oeste da Polinésia.

Por serem usadas em complicados ritos pagãos e práticas de culto em toda a Melanésia, as máscaras eram um motivo-chave na arte indígena. As relíquias tribais da Micronésia também incluem tigelas de madeira esculpidas, barcos pintados e máscaras de madeira estilizadas, além de pintura corporal e tatuagem. Pintura corporal, pintura rupestre, pintura em casca de árvore, gravuras rupestres, menires, entalhes, esculturas e adornos ornamentais em ferramentas e armas são apenas alguns exemplos dos numerosos estilos e mídias usados na arte aborígine australiana.

Arte tribal americana

A arte dos índios americanos foi profundamente impactada tanto pelo estilo de vida nômade e caçador do primeiro quanto pelo ambiente um pouco mais estático, mas ainda assim empobrecido, do segundo. Outro aspecto significativo no surgimento de tradições criativas regionalmente distintas foi a acessibilidade de recursos, incluindo madeira, vime, metal, osso animal, argila e algodão.

As tribos do sudoeste eram especialistas em tecer, fazer cerâmica e criar afrescos. Essas tribos incluíam os povos Zuni, Navaho e Hopi, bem como os Hohokam do sul do Arizona, os Ansazi do norte do Arizona e do Novo México, os Mimbres do sudoeste do Novo México e os Ansazi. Os nativos americanos do sudoeste inventaram a pintura de areia, muitas vezes conhecida como pintura seca (notavelmente o Navajo).

No Centro-Oeste, as tribos eram as únicas responsáveis por moldar a cultura. Essas tribos eram reconhecidas por sua intrincada arte têxtil, bem como por seus conhecidos trabalhos de terraplenagem, ou "montículos de efígies", que foram construídos para se assemelhar a diferentes animais. A arte tribal também compreendia cachimbos de pedra esculpidos com padrões que iam do extremamente realista ao abstrato, além de tigelas de madeira esculpida e pedra polida e ornamentos de cobre.

A região sudeste também produzia cachimbos em forma de pássaros e animais, conchas finamente esculpidas e acessórios de roupas pintadas de maneira elaborada. Apesar de usar argila inferior, era conhecida por produzir cerâmica requintada. Peças de cerâmica foram criadas e adornadas em uma variedade de padrões florais e geométricos para usos cerimoniais, religiosos e privados.

A cestaria nativa americana era um tipo proeminente de arte na Costa Oeste, particularmente na Califórnia. A tribo iroquesa dos índios do nordeste, em particular, era conhecida por seus cintos wampum tecidos, penas de porco-espinho e máscaras da False Face Society. A melhor arte tribal produzida no Noroeste era a escultura, particularmente a escultura em madeira. Totens, pequenas estatuetas de madeira e máscaras meticulosamente pintadas e freqüentemente incrustadas com pedras e conchas de abalone estavam entre os estilos mais populares de escultura esculpida à mão.

Como a arte tribal influenciou a arte moderna

Em meados do século XIX, à medida que mais expedições traziam de volta artefatos tribais, o interesse pelo que era então conhecido como primitivismo/arte primitiva - tipicamente a arte da África negra - começou a crescer. Exposições de arte tribal significativas do final do século 19 e início do século 20 também expuseram a arte não ocidental à comunidade artística ocidental. Exposições importantes, como a American Indian Art de 1941 e a African Negro Art de 1935, foram realizadas no Museu de Arte Moderna.

Os artistas descobriram um modelo para uma alternativa à arte ocidental em estátuas de deuses tribais e máscaras rituais, cujas formas não naturalistas e altamente estilizadas também incorporavam imagens poderosas e altamente emotivas. A arte tribal teve uma influência significativa em artistas famosos como Vincent Van Gogh e Henri Matisse, Paul Gauguin e Pablo Picasso. O efeito inicial mais impressionante foi o cubismo, que, ao fragmentar a imagem e abrir mão da perspectiva, rapidamente enfraqueceu o paradigma ocidental ao basear-se principalmente nas implicações formais da arte tribal. A arte abstrata foi um dos principais resultados disso.

O grupo alemão Die Brücke começou a se concentrar mais nos elementos primitivos, instintivos e ritualísticos da arte não-ocidental por volta do mesmo período, estabelecendo o principal movimento de arte moderna conhecido como Expressionismo. Os dadaístas promoveram a quebra do paradigma ocidental inspirando-se na arte tribal, no cubismo e no expressionismo em Zurique, Nova York e, finalmente, em Paris. O trabalho pictórico ou escultórico de Dada era composto principalmente de colagem e montagem, sua contraparte tridimensional. O fato de que a arte pode ser criada a partir de qualquer coisa e não precisa ser pintada, esculpida ou modelada foi estabelecido por esta obra composta de materiais encontrados. Suas imagens freqüentemente incorporavam aspectos da arte tribal e eram conflituosas em nível político, social ou estético. Dada apresentou os conceitos que eventualmente levaram à arte conceitual, cujo impacto se misturou com os das outras correntes da arte moderna para criar o vasto, amplo, enormemente rico, variado e globalmente diverso rio da arte contemporânea que o mundo desfruta atualmente.

Compra de obras de arte sobre o tema " Nudez "

Como testemunham as estátuas que chegaram até nós desde a Antiguidade, o corpo humano em sua forma mais simples sempre foi uma fonte inesgotável de inspiração para os escultores. Fora da Idade Média, quando a influência religiosa lançava um modesto véu sobre o corpo nu, então considerado vergonhoso e sinônimo de "pecado", o nu sempre foi uma espécie de escultura destinada a destacar e celebrar o belo. do corpo humano de uma forma acadêmica ou mais erótica. O nu em escultura, seja masculino ou feminino, é antes de tudo a correta representação da silhueta em pose estacionária ou em movimento, o trabalho sobre a simetria dos membros, o rigor das proporções, através de posturas mais ou menos sugestivas. Entre as famosas esculturas de nus até hoje, podemos citar por exemplo O David de Michelangelo, O Pensador de Auguste Rodin ou a famosa Vênus de Milo.

Como posso comprar uma escultura nua online?

Artistas de todo o mundo se inspiraram no corpo feminino ou masculino desde o início dos tempos. Na história da arte, nus e retratos figurativos, surrealistas ou abstratos têm sido presença constante.

Há muitas maneiras de expressar suas crenças religiosas através do uso de obras de arte ou esculturas de nus representando corpos nus.

Esculturas nuas podem ser monótonas e convencionais, mas dependendo da estética do artista, também podem ser ultramodernas. No mundo da arte de hoje, os escultores são adeptos da criação de obras de arte que abrangem todo o corpo. Você vai se apaixonar por estátuas nuas depois de vê-las.

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