Pablo Picasso, Retrato de Dora Maar , 1937. Óleo sobre tela, 92×65 cm. Museu Nacional Picasso, Paris.
Grandes mestres e grandes obras-primas...
A história da pintura espanhola pode ser contada por referência aos períodos mais importantes, que marcaram o seu desenvolvimento e evolução, como o Gótico, o Maneirismo, a Idade de Ouro e o século XX. Estas épocas podem também ser interpretadas como uma progressiva exteriorização da cretividade do referido país, pois, se no período gótico este reproduziu quase passivamente traços estilísticos franceses e italianos, e no período renascentista-maneirista tomou como modelo, ambos o Bel Paese, e a Holanda, só mais tarde, e depois com a Espanha da Idade de Ouro e do século XX, se materializou a existência de uma língua puramente espanhola, exteriorizada pela presença de mestres de classe mundial, como El Greco, Diego Velázquez, Francisco Goya e, mais tarde, Pablo Picasso, Salvador Dali, Miró, etc. Todas essas personalidades eram essencialmente independentes de estarem associadas a uma multidão de expoentes de um único movimento, tendência ou corrente artística a serem ligadas principalmente à expressão de um determinado país, como foi, por exemplo, o Renascimento para a Itália e o Impressionismo para a França. Tomando Dali como exemplo, como também poderia ser feito para Picasso, ele foi o único espanhol extremamente popular a fazer parte do surrealismo, mas sua presença foi de extrema importância para o movimento, tanto que conseguiu transmitir universalmente os valores da cultura espanhola através de seu papel de destaque dentro da referida "tendência". Consequentemente, poderíamos dizer também que a arte espanhola, mais do que movimentos e correntes, é composta por personalidades influentes e individuais, que, com traços estilísticos claros, guiaram sozinhos toda a expressão de um país em todo o mundo. O que foi dito dá às minhas dez melhores pinturas o papel de guia, dentro de uma narrativa real de uma história da arte espanhola feita principalmente de grandes mestres e grandes obras-primas.
10 melhores
Juan Gris, Retrato de Picasso , 1912.
10. Juan Gris, Retrato de Picasso (1912)
Na décima posição, escolhi destacar a obra de Juan Gris, pintor espanhol e expoente do cubismo conhecido, entre outras coisas, pelo seu célebre Retrato de Picasso, obra-prima datada de 1912, na qual o mestre madrilenho imortalizou uma das dos artistas mais importantes do século XX, apelando para o seu distintivo cubismo integral, ou seja, um estilo individual marcado pela mais regular fractura das formas, onde figuras geométricas se ligam a estruturas diagonais, visando a criação de semblantes quase cristalinos. Falando da relação entre os dois pintores, porém, Gris chegou em 1906 a Paris, onde conheceu Picasso e Braque, juntando-se ao desenvolvimento da corrente cubista, que o identificou, apenas seis anos depois, como discípulo de Pablo. De facto, o ponto de vista de Juan inspira-se no cubismo analítico do andaluz, referindo-se à sua desconstrução e ao ponto de vista simultâneo dos objectos, mas trazendo de volta uma geometria mais sistemática e cristalina, reproduzida, no retrato em questão, por um fragmento cabeça, onde o pescoço e o tronco se decompõem em vários planos e formas geométricas simples, organizadas numa estrutura composicional regida por diagonais, tudo explicitado através da utilização de uma paleta de tons frios de azul, castanho e cinza. Por fim, os traços estilísticos de Retrato de Picasso dão origem a uma obra que visa a imortalização da efígie como pintora, uma vez que o sujeito traz uma paleta nas mãos, detalhe que, tal como a inscrição "Hommage a Pablo Picasso, claramente nos faz pensar como Gris estimava o inovador do cubismo por excelência.
Joan Miró, O Carnaval do Arlequim , 1924/1925. Óleo sobre tela, 66 cm × 90,5 cm. Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nova York.
9. Joan Mirò, O Carnaval do Arlequim (1924-25)
A tela de Joan Mirò, datada entre 1924 e 1925, é ocupada por uma multidão de festivas figuras híbridas, que, meio humanas e meio animais, são por vezes antropomorfizadas, por possuírem partes anatômicas humanas, que foram associadas pelo espanhol a formas de objetos. Esta atmosfera despreocupada convida o espectador a perder-se na festa, sugerindo mesmo que se dê ao trabalho de imaginar uma melodia, que sirva de pano de fundo à vivacidade das figuras. De um ponto de vista puramente histórico-artístico, porém, a obra insere-se no período surrealista de Miró; em particular, é anterior à época em que Breton redigiu o manifesto do movimento, embora na obra-prima de Joana já estivesse bem concretizado o automatismo psíquico posteriormente promovido pelo referido poeta francês. De facto, O Carnaval do Arlequim dá forma às visões fantásticas e surreais da imaginação, que o artista pretende exteriorizar associando-as a algum elemento da realidade, que, assumindo outro significado, se transforma dando origem a novas interpretações visionárias. Nesse sentido, cabe explicitar que o que foi retratado pelo pintor é a dimensão do inconsciente, muitas vezes narrada por meio da representação de uma escada de mão, que, recorrente na obra do mestre e também presente na pintura em questão , representa um trampolim, visando partir da realidade para ir além, ou seja, em direção à imaginação.
El Greco, O Enterro do Conde de Orgaz , 1586. Óleo sobre tela, 480×360 cm. Igreja de São Tomás, Toledo.
8. El Greco, O Enterro do Conde de Orgaz (1586)
Meu top ten não poderia ser crível em sua função de resumir as figuras-chave da arte espanhola se não mencionasse El Greco, pintor, escultor e arquiteto grego, além de uma das figuras mais importantes do Renascimento espanhol, muitas vezes considerado o ser o primeiro mestre da Era de Ouro. A obra-prima em causa, nomeadamente o Enterro do Conde de Orgaz, datado de 1586, retrata alegoricamente o acontecimento explicitado pelo próprio título, tendo como tema principal o falecido senhor da cidade de Orgaz, milagrosamente sepultado por Santo Estêvão e Santo Agostinho, que desceu do céu exclusivamente para a ocasião. Este tema, inspirado numa lenda do início do século XIV, foi executado pelo pintor em pleno cumprimento do contrato celebrado com a igreja paroquial de Santo Tomé em Toledo, Espanha, local onde a pintura se conserva até hoje. Em todo o caso, apesar do fiel cumprimento dos pedidos dos padroeiros, El Greco introduziu alguns elementos modernizadores, como alguns traços atribuídos a um cortejo fúnebre habitual do século XVI, as vestes dos dois santos, bem como a representação de figuras eminentes de Toledo de seu tempo. Este modo de interpretação visava promover a finalidade puramente didática do óleo, que, de acordo com as doutrinas da Contra-Reforma, perseguia o intento de promover a veneração dos santos e as boas obras para a salvação da alma.
Francisco Goya, Saturno devorando seu filho , 1821-1823. Mural de mídia mista transferido para tela, 143,5 cm × 81,4 cm . Museu do Prado, Madri.
7. Francisco Goya, Saturno devorando seu filho (1821-1823)
A obra-prima criada entre 1821 e 1823 concretiza uma visão macabra: Saturno morde o corpo do filho como se fosse uma presa animal, que, parcialmente coberta por filetes de sangue, agora aparece desprovida de cabeça, enquanto o braço jaz na boca do pai, tudo envolto por um fundo escuro e indefinido, que coloca o ato extremo no centro das atenções. Quanto à interpretação desta arrepiante composição, inserida no ciclo das Pinturas Negras, obras realizadas pelo artista para as paredes da sua própria casa nas margens do rio Manzanares (Madrid), poderia evocar, tanto o conflito entre juventude e velhice , onde o tempo parece devorar tudo, e a personificação da Espanha da época, um país capaz de devorar seus filhos através de guerras amargas, revoluções e absolutismos. Somando-se ao exposto, há um outro significado atribuível à obra-prima, que está simplesmente ligado a um desejo mais óbvio de retratar a condição humana nos tempos modernos. Embora a dúvida interpretativa permaneça, fica claro como a pintura representa o ápice extremo das Pinturas Negras, caracterizada, além dos tons sombrios e ameaçadores, por um fio temático relacionado justamente à figura de Saturno, tradicionalmente associado ao desespero e à velha idade, expressa em obras-primas anteriores, que, como a de Rubens, certamente parecem mais convencionais, além de distantes da loucura freudiana do protagonista da obra de Goya.
Francisco Goya, A Maja Nua, 1790-1800. Óleo sobre tela, 97 cm × 190 cm. Museu do Prado, Madri.
6. Francisco Goya, A Maja Nua, (1790-1800)
Uma jovem modelo nua olha com confiança descarada para o espectador enquanto ela aparece reclinada sensualmente com as mãos cruzadas atrás da nuca, um ponto em seu corpo em cuja proximidade seus cabelos escuros e cacheados também encontram seu lugar, caindo livremente para os lados de seu rosto, que é cercado por suas bochechas cheias e coradas. Tal visão encontra o seu lugar na superfície de um sofá forrado a veludo verde, onde também estão dispostas as duas almofadas forradas sobre as quais a mulher repousa, bem como o lençol que lhe cobre a parte inferior do corpo. A ousada obra-prima em causa, conhecida, para além da sua audácia e malícia, por mostrar de forma inovadora, bem como escandalosa, a linha negra que liga a vulva ao umbigo, podia retratar, tanto a amiga do pintor, nomeadamente a Duquesa de Alba, como seu amante Pepita. O que é certo é que a tela representa o nu profano mais explícito da coleção de Godoy, um militar para político espanhol de grande renome, que possuía um rico acervo sobre o gênero mencionado, incluindo obras-primas de toda a Europa, bem como a famosa Vênus de Velázquez Rokeby. Precisamente neste contexto, é necessário especificar como no século XVIII as pinturas de nus foram realmente proibidas na Espanha, ao contrário da doutrina cristã, tanto que Godoy também encomendou a versão vestida da referida obra-prima, a fim de esconder o mais um explícito.
Pablo Picasso, Les demoiselles d'Avignon, 1907. Óleo sobre tela, 243,9 cm × 233,7 cm. Museu de Arte Moderna. Adquirido por meio do legado de Lillie P. Bliss, cidade de Nova York.
5. Pablo Picasso, Les demoiselles d'Avignon (1907)
Por que Les Demoiselles d'Avignon é uma obra-prima indispensável da história da arte, ou seja, uma daquelas obras que, caso nunca tivesse sido feita, o curso de investigação criativa que conhecemos certamente teria tomado outros caminhos? A resposta está no fato de que a pintura é considerada a primeira obra cubista de Picasso, que, feita no período africano do mestre, posterior ao período rosa, provavelmente foi inspirada na visão, que o artista teve ao frequentar um bordel de Barcelona, localizado na Carrer d'Avinyò. Além disso, é bom destacar como a pintura em questão é resultado de mais de uma centena de estudos, dentro dos quais o artista também incluiu a presença de algumas figuras masculinas, fato que leva a especular como o sujeito poderia representar uma espécie de memento mori, em que o pintor quis alertar para os perigos do sexo, nomeadamente a então popular sífilis. Quanto à descrição da obra-prima datada de 1907, ela retrata cinco meninas, que, provavelmente citando as Vênus da tradição clássica, se oferecem ao olhar do espectador exibindo descaradamente a nudez. Finalmente, no que diz respeito aos seus rostos, representam uma cesura deliberada com a tradição artística anterior, na medida em que se materializam na intensidade dos olhares, quer diretos e reconhecíveis, quer mais evasivos, sempre caracterizados pela deformidade, que pretendem remeter a exemplo das tradicionais máscaras africanas.
Francisco Goya, 3 de maio de 1808, 1814. Óleo sobre tela, 268 cm × 347 cm. Museu do Prado, Madri.
4. Francisco Goya, Três de maio de 1808 (1814)
Francisco Goya, 3 de maio de 1808 (1814): num cenário envolto em trevas, onde apenas uma lanterna ilumina a penumbra do entardecer, um facho de luz vem iluminar com maior intensidade um camponês desamparado rebelde, que, com grande dignidade e coragem, aceita que deve sacrificar sua existência em nome da liberdade. Da mesma forma, sofrendo e em extrema angústia, a figura do Cristo crucificado muitas vezes se apresentou na narrativa da história da arte, que neste caso profano está cercado por seus companheiros caídos ou assustados, que têm diante de si um pelotão de fuzilamento composto por um grupo de soldados franceses sob o comando de Napoleão. Na verdade, a pintura pretende explicitamente retratar a resistência das tropas de Madrid ao exército francês, que ocorreu durante a ocupação de 1808 da Guerra da Independência Espanhola. De igual interesse temático revelam-se também outras obras do artista, nomeadamente a série de gravuras intitulada Os Desastres da Guerra, onde o mestre deu origem a uma exteriorização concreta do seu luto pela invasão de Espanha pelas tropas de Napoleão. No que diz respeito ao estilo da obra-prima de 1814, porém, o drama bruto desta última não pode ser considerado puramente romântico, embora seja indiscutível como sua sensível exteriorização emocional se assemelha à obra dos pintores do movimento em questão. Da mesma forma, a pintura distancia-se da idealização da beleza perseguida, tanto pelo Romantismo quanto pelo Neoclassicismo.
Diego Velázquez, Las Meninas , 1656. Oli sobre tela, 320,5 cm × 281,5 cm. Museu do Prado, Madri.
3. Diego Velázquez, Las Meninas (1656)
Uma das cenas mais conhecidas da história da arte, que não quero simplesmente descrever aventurando-me na banalidade, aconteceu no atelier de Diego Velázquez, uma vez que o pintor foi cedido pelo rei Filipe IV de Espanha, por volta de 1650, para utilizar a principal salão do Real Alcázar de Madrid como seu atelier, espaço onde o soberano costumava passar momentos a observar o mestre a trabalhar, tanto que muitos acreditam que Filipe infringiu as regras régias de comportamento, mesmo fazendo amizade com o pintor. Falando da obra-prima em questão, ela retrata apenas ostensivamente um retrato da corte, pois foi concebido para se tornar um manifesto de propaganda, visando explicitar como a arte pode efetivamente reproduzir a realidade. De qualquer forma, a intrincada composição é passível de múltiplas interpretações e questionamentos, incluindo, por exemplo: por que os soberanos aparecem no espelho? É provável que essas figuras tivessem a intenção de espionar a cena posando na meia-luz, enquanto a luz vem do fundo, onde o assistente da rainha Nieto, cuja entrada em cena permanece um tanto enigmática, encontra seu lugar. Por fim, de grande relevância é a presença do próprio artista dentro da obra, figura provavelmente destinada a indicar sua intenção de celebrar a si mesmo, sua presença na corte de Filipe IV, seu papel, bem como seu desejo de exteriorizar sua concepção pessoal essa pintura acaba por ser a superior entre as artes.
Salvador Dali, A Persistência da Memória , 1931. Óleo sobre tela, 24 cm × 33 cm. Museu de Arte Moderna, Nova York.
2. Salvador Dali, A Persistência da Memória (1931)
Muitos se lembram dos relógios "macios", isto é, de consistência quase líquida, presentes em A Persistência da Memória, embora poucos saibam que estes se inspiraram na observação dos alongamentos do queijo Camembert, que Salvador admirou exposto diante de uma fonte de aquecer. Aliás, foi precisamente o cérebro excêntrico do mestre espanhol que conseguiu transformar uma visão tão banal numa obra-prima, destinada a dar forma concreta à passagem do tempo, que, embora mensurável, permanece bastante variável quando considerada em relação à percepção humana. , isto é, aos estados de espírito que o tornam, se alegre mais rápido, quando doloroso mais lento. Além disso, de acordo com Dali, a memória também apresenta um funcionamento semelhante, na medida em que é fácil lembrar de coisas que nos interessam, mesmo que distantes, enquanto é altamente provável que esqueça momentos próximos que são bastante triviais para nós. Resumindo: os relógios pintados em A persistência da memória serviriam precisamente para simbolizar aquela condição temporal incontrolavelmente associada a estados mentais e também à memória. Por fim, ainda a propósito da obra-prima, vale destacar como esta, uma das obras mais conhecidas de Dali, foi exposta pelo marchand Julien Levy em sua galeria de Nweyork em 1931, fato que foi seguido pelo público e pela crítica interesse pelo mestre catalão.
Pablo Picasso, Guernica , 1937. Óleo sobre tela, 349,3×776,6 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madri.
1. Pablo Picasso, Guernica (1937)
Mesmo no caso da obra que ocupa o pódio, quero fugir da descrição mais simples e comum da pintura para focar em suas características estilísticas, fruto da aproximação de Pablo em meados da década de 1920 ao ponto de vista surrealista , que na época se expressava principalmente através da criação de interiores com naturezas-mortas, objetos e instrumentos musicais. Foram estes temas tradicionais que deram origem à inovação, tanto que neste mesmo período Picasso tomou consciência das múltiplas formas de quebra da forma, bem como da apresentação da composição a partir de múltiplas perspetivas, que viria a animar a “revolução” cubista. " Em todo o caso, porém, o artista, que considerava a arte um instrumento de exteriorização de si, traduziu esta investigação figurativa através da construção de espaços claustrofóbicos, provavelmente inspirados nos tristes acontecimentos relacionados com a contemporânea e ansiosa Primeira Guerra Mundial. Além da já mencionada pesquisa intimista, a obra do mestre espanhol do período também foi marcada pela presença constante da figura feminina, entendida como uma musa inspiradora capaz de dar forma às muitas relações turbulentas empreendidas pelo mestre. Além disso, nos próprios anos que antecederam a criação de Guernica, Picasso se concentrou no simbolismo veiculado pelo corpo feminino, pesquisas que culminaram, juntamente com as anteriores, na criação da obra-prima em questão. Na verdade, Guernica representa o ápice do esforço artístico de Picasso, no qual foram incorporados todos os recursos visuais que o tornaram famoso, tanto que a obra não pode ser compreendida sem analisar, mesmo brevemente, as etapas anteriores e necessárias no desenvolvimento de sua linguagem visual. Em todo o caso, a pintura acaba por ser mais conhecida pelo facto de, ao retratar os horrores da guerra, se ter tornado o símbolo por excelência da luta contra todas as formas de conflito nefasto.
Olimpia Gaia Martinelli
