Vincent van Gogh, Campo de Trigo com Corvos , 1890. Óleo sobre tela, 50,2 cm × 103 cm. Museu Van Gogh, Amsterdã.
Começando por Vincent van Gogh...
Sobre um campo de trigo maduro voa um bando de corvos que, olhando atentamente para o manto dourado, parece quase dirigir-se para aquela estradinha, que surge em primeiro plano do suporte, destinada a romper os talos amarelos e depois obter perdido na própria natureza. O limite deste último é determinado, na sua parte inferior, por orlas de relva verde, bem como por abundante solo argiloso, que encontra o seu lugar sob um céu escuro, onde rodopiam nuvens negras, que parecem reproduzir o mesmo movimento de as aves em questão. Pois bem, o tema do artigo são justamente estes últimos animais dentro da narrativa da história da arte, tema que poderia ser abordado referindo-se apenas à pintura acima descrita, ninguém menos que o renomado Campo de trigo com corvos (1890), de Vincent van Gogh, continuando a narrativa com a igualmente famosa A Árvore dos Corvos (1822) de Caspar David Friedrich e Santos Antônio Abade e Paulo o Eremita (1634-1660) de Diego Velasquez. Querendo, no entanto, saltar tópicos amplamente explorados, passarei a ilustrar outras pinturas de corvos, executadas por grandes mestres, certamente menos conhecidos do que as principais pinturas acima mencionadas. Então, de acordo com esta última intenção, apresentarei a vocês os trabalhos sobre o tema de Alexei Kondratievich Savrasov, Vasily Vereshchagin, August Friedrich Schenck, John William Waterhouse, Marie Spartali Stillman e Lovis Corinth, começando com a obra-prima do primeiro pintor em questão, The Rooks Have Returned (1871).
Alexei Savrasov, As torres retornaram , 1871. 62 cm × 48,5 cm. Galeria Tretyakov.
Alexei Kondratievich Savrasov: As torres retornaram (1871)
Em primeiro lugar, é bom apresentar o artista (Aleksej Kondrat'evič Savrasov; 1830-1886), simplesmente dizendo que foi um pintor russo principalmente um pintor de paisagens, que se distinguiu por dar origem ao estilo lírico do género em questão. In propisito de The Rooks Have Returned (1871), no entanto, a obra, preservada na Galeria Estatal Tretyakov (Moscou), é considerada a obra mais conhecida de Savrasov, bem como uma pintura necessária para o desenvolvimento da pintura de paisagem russa. Além disso, The Rooks Have Returned foi o resultado de um longo estudo do artista, que decorreu entre Yaroslavl e na sua posterior mudança para a província de Lostroma, onde, na aldeia de Molvitino, conseguiu inspirar-se nas características da Igreja. da Ressurreição. Em todo o caso, a obra foi concluída em Moscovo, capital onde a obra-prima teve grande sucesso, pois foi imediatamente reconhecida como uma obra capaz de dar voz à alma simples do artista, inequivocamente sensível e próxima da realidade da natureza e suas mudanças. Na verdade, a pintura capta o momento em que, todos os anos, os corvos regressam aos seus ninhos nas proximidades da primavera, precisamente antes de a neve do inverno ter derretido completamente, um instante bastante previsível e repetitivo, que, através do milagre da arte, transforma-se num rito sagrado a ser contemplado silenciosamente, mas também com grande e inédita atenção.
Vasily Vereshchagin, A Apoteose da Guerra , 1871. Óleo sobre tela, 127 cm × 197 cm. Galeria Tretyakov, Moscou.
Vasily Vereshchagin: A Apoteose da Guerra (1871)
O pintor russo Vasily Vasilyevich Vereshchagin (1842-1904) foi um artista de guerra que, sendo membro da Ordem de São Jorge, ficou famoso principalmente pelo caráter gráfico de suas cenas realistas, que, justamente por tais peculiaridades, sofreram ostracismo de parte da intelectualidade russa, tanto que alguns deles nunca foram impressos ou exibidos. Já em A Apoteose da Guerra, a pintura retrata uma pilha de crânios humanos, provavelmente resultado de uma batalha ou cerco, que encontram o seu lugar numa paisagem desolada situada fora dos muros da cidade de Samarcanda, um lugar onde o artista já havia lutado pelo Exército Imperial Russo nas operações para conquistar o Turquestão Russo. Porém, ao que acaba de ser descrito falta a presença sombria de um bando de corvos, tendo chegado, ou ainda chegando, ao referido e sombrio banquete, enquanto as montanhas mudas observam a cena, servindo de linha divisória da pintura, e assim separando as estepes vazias da imensidão do céu. Por fim, a descrição termina com as palavras do próprio artista, que, na moldura da obra, escreveu: dedicou a pintura “a todos os grandes conquistadores, passados, presentes e futuros”, provavelmente desejando opor-se ao início da morte, que , personificado por caveiras e corvos, sempre se apresentou como o mais trágico inimigo da memória da vida humana.
August Friedrich Schenck, Angústia , 1878. Óleo sobre tela, 151 cm × 251,2 cm. Galeria Nacional de Victoria, Melbourne.
August Friedrich Schenck: Angústia (1878)
August Friedrich Albrecht Schenck (1828-1901), pintor ativo principalmente na França, nasceu na cidade de Glückstadt, município alemão na época dinamarquês. Falando deste último mestre, é importante dar a conhecer que a sua obra mais conhecida é precisamente aquela que representava, entre outras coisas, um bando de corvos, nomeadamente, Angústia (1878). A tela em questão imortaliza, como tema principal, uma mãe ovelha angustiada com a morte de seu filho, cujo corpo sem vida está rodeado por um grupo de pássaros pretos, prontos e esperando para devorá-lo. Importante é a observação dos detalhes da obra, como o ar que se condensa próximo à boca da mãe cordeirinha, animal que acabava de emitir um lamento agonizante de luto, enquanto um fio de sangue avança na neve branca, espalhando-se de a boca do bebê mamífero falecido. O céu sob o qual ocorrem tais acontecimentos nefastos apresenta as peculiaridades mais tristes do período de inverno, mostrando-se cinzento e nublado, como um rosto que a qualquer momento pode explodir numa chuva de choro. Por fim, é curioso saber como existe uma outra versão da obra, nomeadamente O Órfão, Memória da Auvergne (1885), pintura que, instalada no Musée d'Orsay, apresenta o cordeiro acima do corpo sem vida da sua mãe .
John William Waterhouse, O Círculo Mágico , 1886. Óleo sobre tela, 183 cm × 127 cm. Tate Britain, Londres.
John William Waterhouse: O Círculo Mágico
O moderno pré-rafaelita John William Waterhouse (1849-1917) foi um pintor britânico, cuja obra, nascida algumas décadas após a dissolução da irmandade pré-rafaelita, apresenta, tanto a influência desta última, como a dos impressionistas que foram seus contemporâneos, fato que gerou o desenvolvimento de traços estilísticos "limítrofes", que se concretizam principalmente em temas mitológicos ou arturianos. Sua obra em que a presença necessária dos corvos se concretiza é The Magic Circle, uma pintura a óleo que visa retratar uma feiticeira com a intenção de usar uma varinha para desenhar um círculo de fogo na terra, através do qual a intenção de dar vida a um espaço ritual, onde um evento cerimonial pode tomar forma. A mulher é definitivamente a personagem principal da pintura, que vem acompanhada de corvos e de um sapo, presenças pintadas como símbolos populares de atividades de feitiçaria, que encontram o seu lugar num ambiente enevoado, algo irreal, místico e, sem sombra de dúvida, paisagem mágica. O tema O Círculo Mágico não nos deve surpreender, pois o mestre recorreu frequentemente, na sua obra pictórica, à explicação de temas relativos à magia e ao poder da profecia, indelevelmente ligados à imagem de uma mulher feiticeira, sempre pronta a evocar a famosa Circe da Odisseia.
Marie Spartali Stillman, Antígona dando ritos funerários ao corpo de seu irmão Polinices (data desconhecida), óleo sobre tela, mais detalhes desconhecidos.
Marie Spartali Stillman: Antígona dando ritos funerários ao corpo de seu irmão Polinices (data desconhecida)
Marie Eufrosyne Spartali (1844 - 1927) foi uma das modelos preferidas da Irmandade Pré-Rafaelita, uma influente associação artística da pintura vitoriana, que a viu, mais tarde, também formada como pintora, cuja longa carreira foi estimada por grandes nomes da o “gênero” como, por exemplo, Dante Garbiel Rossetti. Falando, porém, da sua obra que nos fala de corvos, trata-se de Antígona dando ritos funerários ao corpo do irmão Polinices, uma das primeiras pinturas a óleo do pintor, que nessa mesma época aprendia a técnica em questão com um dos principais expoentes dos pré-rafaelitas, nomeadamente o mestre britânico Sir Edward Coley Burne-Jones. Essa pintura retrata uma cena da tragédia grega Antígona, precisamente aquela em que esta última heroína pretende lamentar o luto pelo seu falecido irmão Polinices, enquanto ele está deitado sobre uma rocha varrida pelo vento, numa paisagem desolada. Antígona, que neste mesmo contexto tenta enterrar o corpo do irmão, vai contra a vontade do rei Creonte de Tebas, que impôs um decreto específico pelo qual Polinices nem sequer devia ser lamentado. Esta última decisão deve-se ao facto de Polinices, que pretendia ascender ao trono de Tebas, ter morrido sitiando a cidade, comportando-se como um inimigo, a quem Creonte não quis prestar honras fúnebres. Assim, a pintura retrata o momento em que Antígona se opôs à lei acima mencionada, tentando dar ao seu irmão um enterro digno, facto que, quando descoberto, custou-lhe a liberdade e, posteriormente, a vida, como a mulher, uma vez presa, decidiu enforcar-se, acontecimento que levou ao gesto extremo de Aemon, filho de Creonte e também noivo da mulher. Então, os corvos da peça também poderiam representar uma espécie de alternativa salvadora providencial aos danos implícitos no enterro, pois se tivessem tido o prazer de devorar o corpo de Polinices não teria havido mais derramamento de sangue.
Lovis Corinth, Paisagem com um Grande Corvo (1893), óleo sobre tela, 96 × 120 cm, Städelsches Kunstinstitut und Städtische Galerie, Frankfurt.
Lovis Corinth: Paisagem com um Grande Corvo (1893)
Lovis Corinth (1858-1925) foi um pintor, gravador e escritor alemão cuja obra sintetizou elementos do Impressionismo e do Expressionismo. Ele inicialmente começou como um artista principalmente naturalista, mas depois evoluiu seu estilo através do uso de cores vibrantes, concentrando-se principalmente em retratos, nus, paisagens e cenas bíblicas, todos caracterizados por extraordinária vitalidade e poder. No que diz respeito às paisagens, uma de suas obras notáveis é “Paisagem com um Grande Corvo” (1893). Esta pintura representa efetivamente o trabalho do artista na década de 1890, quando começou a se dedicar seriamente ao assunto. No caso desta obra-prima, parece "evocar" o exemplo próximo de "Campo de trigo com corvos" de Vincent van Gogh (1890). Da mesma forma que a última pintura, em "Paisagem com um Grande Corvo", esses pássaros simbolizam presságios de morte ameaçadores, inconfundíveis e iminentes, capturados enquanto voam pelo céu, sendo os únicos seres vivos a animar um campo de outra forma deserto. Embora estejamos bem conscientes da turbulência interior de Vicente, que se manifestava consistentemente nas suas obras de arte, é importante notar que Corinto também era afligido por uma profunda melancolia, uma característica proeminente dos seus momentos de depressão. Esta melancolia esteve muitas vezes escondida atrás da imagem mais tradicional da sua vida social e dos aspectos geralmente mais positivos do seu trabalho. Finalmente, é impossível concluir esta coleção de obras de arte com o tema do corvo sem mencionar outros exemplos, como "Ruin by the Sea" de Arnold Böcklin (1881), "Crows Before the Sleigh" de Stanislaw Siestrzencewicz (c. 1900), "The Última Jornada”, “Paisagem com Corvos” de Egon Schiele (1911) e “O Povo Peregrino” de Marie Spartali Stillman (1914).
Olimpia Gaia Martinelli
