Kristina Korobeynikova, A fusão , 2022. Acrílico sobre tela de linho, 180 x 110 cm.
O pontilhismo contado por Georges Seurat
"A incapacidade de alguns críticos de ligar os pontos não torna inútil o pontilhismo".
As palavras do pioneiro do pontilhismo Georges Seurat, provavelmente nascido em um contexto "defensivo" das peculiaridades artísticas da técnica do final do século XIX, resumem perfeitamente suas peculiaridades, destacando a forma como as cores são decompostas em pequenos pontos como elemento distintivo a ser remonta ao movimento neo-impressionista. Para compreender a real contribuição do pontilhismo no mundo da arte, porém, é preciso aprofundar o assunto, fazendo o referido pintor falar por meio de sua obra, em especial, analisando a pintura O Circo , datada de 1891 e mantida no Musée d'Orsay em Paris. Esta obra-prima do "circo", identificada como uma das maiores pesquisas pontilhistas, imortaliza um tema caro ao mundo da arte da década de 1880, também investigado por mestres como Renoir, Degas e Toulouse-Lautrec. Além disso, a tela faz parte de uma série que, incluindo as obras Circus Sideshow (1888) e The Can-can (1889-1890), persegue o objetivo de "documentar" as atividades de entretenimento noturno de Paris na época.
Georges Seurat, O Circo , 1891. Óleo sobre tela, 185,5 x 152, 2 cm. Paris: Museu d'Orsay
Sobre a composição da obra-prima de 1891, a obra retrata o interior de um circo, onde decorre um espetáculo rico e dinâmico, animado por múltiplas presenças, tais como: um palhaço, que, captado em primeiro plano por trás, provavelmente dirige seu olhar para seus colegas; uma amazona decidida a se equilibrar em um cavalo correndo, retratada na parte mais central da pintura; um treinador, que, focado em dirigir a corrida do referido animal, encontra colocação na parte direita da tela; e dois palhaços pegos na execução de um ato circense peculiar e imprudente, ocorrendo no extremo da arena. Para observar esta cena colorida, animada e imaginativa encontramos uma multidão ordenada de espectadores, dispostos em níveis elevados em que se destacam personagens mais ou menos elegantes, acompanhados pela atuação de uma orquestra colocada na extremidade superior da obra. Apesar desta cuidadosa disposição das personagens, a intenção principal da tela de Seurat é evocar o espírito mais autêntico do espetáculo circense, reconstruído através de uma hábil justaposição das cores vermelho, amarelo, laranja e azul, que, enriquecidas pelo branco de puro leve, tornam o ambiente autêntico, intenso, envolvente, luminoso e harmonioso. Por fim, é importante destacar como esse cromatismo tão procurado é acompanhado, aprimorado e enriquecido pelas próprias peculiaridades da técnica do pontilhismo, em relação à qual a pintura foi aplicada no suporte por meio da criação de pontos de cor pura justapostos entre si, que, estudados em seu arranjo cromático, são percebidos pelo espectador como se tivessem sido canonicamente misturados.
Frédéric Durieu & Nathalie Erin, Marilyn com borboletas , 2016. Trabalho digital 2D em metal, 40 x 40 cm.
Mariana Prochkaruk, Marrom-azul , 2020. Óleo sobre tela de linho, 160 x 90 cm.
Curiosidade: qual a diferença entre o pontilhismo francês e o divisionismo italiano?
As referidas peculiaridades do pontilhismo são fruto do clima positivista do final do século XIX, que, indelevelmente marcado pela ideia dominante do triunfo do progresso, bem como pela extrema fé na técnica e na ciência, passou a cobrar de racionalidade até mesmo os mundo da arte, antes dominado pelo "romantismo" dos impressionistas. De fato, as características estilísticas de Seurat já mencionadas representam a interpretação artística de algumas descobertas científicas fundamentais, que, ocorrendo no campo da óptica naqueles anos, estão inextricavelmente ligadas à pesquisa do químico francês Michel Eugène Chevreul e do físico americano Nicholas Ogden Rood. Em detalhe, o primeiro descobriu que duas tonalidades justapostas, ligeiramente sobrepostas ou muito próximas, têm o efeito de outra cor quando percebidas pelo olho humano a uma certa distância (princípio do "contraste simultâneo"). Além disso, o químico francês também observou que, ao justapor dois tons complementares, a aura de um fortalece a do outro, aumentando mutuamente seu brilho. Falando de Nicholas Ogden Rood, sua pesquisa pode ser resumida com tal revelação: a justaposição de matizes primários cria uma cor mais intensa, luminosa e agradável do que a obtida pela mistura direta de pigmentos. Consequentemente, o pintor pontilhista, referindo-se aos estudos mencionados, tende a justapor matizes complementares, organizando-os como pontos de cor pura na tela, que serão posteriormente "interpretados" pelo observador, por meio de "mistura óptica". Em relação ao divisionismo, por outro lado, esse movimento pictórico, que se desenvolveu na Itália a partir da última década do século XIX, tomando em parte dicas técnicas do pontilhismo francês, deriva principalmente da corrente Scapigliatura Lombarda e do Decadentismo. De fato, no divisionismo os pequenos pontos neoexpressionistas tornam-se filamentosos, minuciosos e vibrantes pinceladas de cor pura, que, interagindo entre si em sentido ótico, pretendem tornar-se porta-vozes de intensos significados simbólicos, religiosos, políticos e sociais, tendo o papel de dar vida a um ideal de salvação alcançável através da arte.
Van Lanigh, Sparkles of joy , 2022. Escultura, argila polimérica/resina sobre tela, 30 x 24 x 8 cm / 4,00 kg
Françoise Suzanne, Série na pista - pistas em terras africanas n°11 , 2022. Acrílico sobre cartão, 80 x 60 cm.
Pontilhismo nas obras de artistas Artmajeur
A narrativa do pontilhismo, apesar de atingir seu auge no final do século XIX, continua na arte contemporânea, onde muitos de seus conceitos, ideias e pontos de vista seguem ganhando forma através da obra de artistas populares como, por exemplo, Miguel Endara, Ana Enshina, Kyle Leonard (KAL), Philip Karberg, Herb Williams, Jihyun Park e a conhecida Yayoi Kusama. Tal "renascimento" também acontece através do trabalho de artistas Artmajeur, como evidenciado pela arte de Dent-De-Lion Du Midi, Sophie Artinian e A-Criticart
Dent-De-Lion Du Midi, segunda- feira | Seurat | Reimagine art , 2021. Pintura digital sobre papel, 90 x 127 cm.
Dent-De-Lion Du Midi: Segunda- feira | Seurat | Reimagine a arte
Assim como sugere o próprio título do trabalho, segunda- feira | Seurat | Reimagine art representa um remake "no início da semana" de A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte , obra-prima "lotada" de Georges Seurat, que, datada entre 1884 e 1886, é preservada no Art Institute of Chicago. Falando desta última pintura, ela resume perfeitamente os costumes e hábitos da Paris da Revolução Industrial, quando, com o surgimento do trabalho assalariado e fabril, tanto o tempo de lazer quanto o tempo social e a justaposição dos tempos e locais de trabalho com o tempos e lugares da vida cotidiana se estabeleceram. De fato, na atmosfera dominical que o mestre francês capturou em um parque às margens do Sena, "inspira-se" aquele clima autêntico do dia de descanso, que, neste caso, se expressa nas atitudes descontraídas das mulheres passeando ao redor se abrigando com lindos guarda-chuvas, de remadores descansando após a competição, de crianças brincando tranquilamente, do macaco mestiçado na coleira, etc. segunda- feira | Seurat | Reimaginar a arte , por outro lado, permite-nos conhecer como seria o mesmo lugar durante uma tarde de segunda-feira, ambientada tanto no século XIX quanto na contemporaneidade, pois, apesar da passagem dos séculos, muitos aspectos unir a vida de hoje com a dos maiores mestres de todos os tempos.
Sophie Artinian, Eternity , 2017. Óleo sobre tela de linho, 60 x 60 cm.
Sophie Artinian: Eternidade
Em Eternidade , pintura a óleo de Sophie Artinian, o pontilhismo encontra o abstracionismo, criando uma "sinfonia" de cores que quase nos faz imaginar que estamos vislumbrando a silhueta de algumas montanhas, que, idealmente colocadas na metade inferior da obra, assumir os tons mais escuros da tela. Além disso, precisamente o cromatismo supracitado, caracterizado pelo triunfo dos tons de roxo, rosa, azul e azul claro, torna a pintura semelhante a uma conhecida obra-prima feita com tons semelhantes e a mesma técnica, nomeadamente A Praia de Ambleteuse em Low Maré (1900) de Theo van Rysselberghe. Esta última obra faz parte de uma série de marinhas criadas pelo artista belga em Ambleteuse, França, que, tendo por tema a mesma vista, captam suas variações de luz, maré e movimentos do mar. Por fim, assim como Eternity , a obra-prima de 1900 acaba por ser dividida em "faixas" de luz, ou seja, áreas mais ou menos brilhantes, construídas a partir de manchas individuais de cor pura semelhante a um mosaico.
A-Criticart, Pixel Jordan , 2019. Desenho, conté/caneta esferográfica/lápis sobre papel, 75 x 55 cm.
A-Criticart: Pixel Jordan
A contemplação do Pixel Jordan convida à formulação de um pensamento revelador: a pixel art representa, em certo sentido, a forma mais difundida e atual de "pontilhismo". De fato, a pixel art, cuidadosamente simulada pelo desenho de A-Criticart, é uma forma de arte digital que, nascida na década de 1980 a partir da disseminação de coin-ops e videogames, constrói imagens controlando deliberadamente a posição dos pixels, ou daqueles pequenos unidades composicionais de cor em toda a obra. Assim, embora os pixels possam parecer o resultado de um desenvolvimento recente, eles são na verdade a aplicação moderna das mesmas teorias do século XIX subjacentes ao pontilhismo. Consequentemente, Micheal Jordan, de A-Criticart, pode representar uma espécie de interpretação recente do retrato "pontilhista", que, entre suas principais obras-primas, possui obras como Seurat's Seated Model, in Profile, Study for The Models (1887), Seurat's Young Woman Empoeirando -se (1890), e jovem camponês de Pissarro em seu toilette (1888). Por fim, à pesquisa figurativa realizada por estas últimas obras, o desenho do artista de Artmajeur acrescenta um desafio, pois a “baixa definição” da imagem pretende testar a capacidade interpretativa do cérebro humano.
Olimpia Gaia Martinelli
