O amor dos artistas pelo marrom

Picrate, A grande noite, 2022. Acrílico/pigmentos sobre tela de linho.

Georges Braques e o marrom

"Começa parecendo que não tem nada a dizer, mas depois o marrom sempre acaba fazendo amor com castanhas e outono."

As palavras de Fabrizio Caramagna, o "maravilhador" italiano nascido em 1969 e especializado na criação de aforismos de sucesso, sintetizam poderosamente a incapacidade das primeiras impressões de captar todo o potencial das coisas e das pessoas, além de resumir a estreita conexão entre a cor marrom e a realidade outonal, bem exemplificada justamente pelo crepúsculo das folhas caindo. É precisamente esta última associação que muitas vezes faz com que a nuance mencionada pareça limitada a um contexto específico, além de monótona e sem glamour, em comparação com as outras cores do círculo cromático. Na realidade, o castanho tem demonstrado ao longo dos séculos a sua relevância na esfera artística, área em que tem sido utilizado predominantemente para dar vida aos tons crepusculares ou escuros, bem como para a criação, através dos tons de sienna queimado e umber queimado , de sutis gradações de claro-escuro. Em outros contextos, tal combinação de vermelho e verde tornou-se protagonista de algumas obras-primas da história da arte, dentro das quais moldou os principais temas da tela, como, por exemplo, Man with a Guitar (1912), de George Braque. A superfície pictórica desta última pintura, literalmente dissecada em fragmentos de claro-escuro, abriga no centro a chave que segura a corda do violão, enquanto a presença da figura masculina, de difícil identificação, só é possível imaginar referindo-se ao título da obra. De fato, Homem com Violão exige um esforço de interpretação considerável, pois o espectador tem que abandonar a busca de referências ao mundo conhecido, para ser conduzido pelos mecanismos da razão, visando reconstruir uma nova e inédita dimensão contemplativa. Sobre o uso da cor, por outro lado, a obra repropõe um cromatismo caro ao cubista francês, que, a partir de 1907, ou seja, na fase do cubismo primitivo, submeteu as imagens a um processo de simplificação drástica, visando reduzir a paleta a apenas tons de verde e marrom, processo bem expresso pela obra-prima Case a L' Estaque (1908). Mais tarde, e mais precisamente no período do Cubismo Analítico (1909-1922), o mestre francês dedicou-se à produção de uma variedade de naturezas-mortas, nas quais os objetos, que aparecem como se remontados após o desmembramento, são feitos com igual prevalência de tons de marrom, verde e cinza, como, por exemplo, os de: Violin and Palette (1909), Piano and Mandola (1909-10) e The Clarinet (1912). Este tipo de investigação artística segue nas obras do Cubismo Sintético, enriquecida pela presença de números e letras que se organizam em torno das figuras, de forma a "alimentar" a narrativa estética com elementos figurativos reconhecíveis, perseguindo a clara intenção de se distanciar o movimento do abstracionismo. Por fim, é bom destacar como essa recorrência do marrom também pode ser encontrada na obra cubista de Picasso, tanto que é possível comparar duas pinturas relacionadas feitas pelos mestres citados, como Ma Jolie (1911-12) e The Português (1911-12). Justamente nesse contexto, emerge, mais uma vez, como a prevalência do marrom e do cinza foi novamente utilizada com o propósito de desmembrar e fragmentar a realidade ao nosso redor, por meio do hábil claro-escuro, visando gerar imagens complexas demais para serem interpretadas pela mera uso da vista.

Ilya Volykhine, Kaituhi - bloco de escritor lll , 2022. Óleo sobre tela, 140 x 120 cm.

Luis Guiné (Luison), retrato de Dna. Ana Zubizarreta, 2002. óleo sobre tela.

Brown na arte: da pré-história aos dias de hoje

A presença do marrom na história da arte possui uma tradição muito antiga; de facto, o umber, um pigmento natural de argila composto por óxido de ferro e óxido de manganês, com o qual se obteve a referida cor, foi utilizado, tanto na pré-história, ou seja, em pinturas datadas de 40.000 a.C., como na arte do Paleolítico Superior, bem exemplificada pelas paredes da caverna de Lascaux, que remonta a cerca de 17.300 anos. A popularidade da cor do outono seguiu no antigo Egito, onde figuras femininas em pinturas funerárias eram frequentemente executadas com um tom de pele obtido através do uso de terra-sombra. Essa tez "bronzeada" também fez sucesso nos mundos grego e romano, onde se produziu um sutil tom marrom-avermelhado que, feito com a tinta de uma variedade de chocos, foi posteriormente usado pelos maiores mestres renascentistas. No período medieval, por outro lado, o marrom, associado às humildes vestes dos monges franciscanos, raramente era usado na arte, pois eram preferidos os tons mais brilhantes e régios, como vermelho, azul e verde. O grande retorno da cor castanha ocorreu por volta do século XVII, quando nomes como Rembrandt usaram essa tonalidade para criar efeitos de claro-escuro, mas também para dar vida a um fundo em que as figuras surgiam com grande destaque. Em conclusão, falando dos séculos XIX e XX, as abordagens à referida tonalidade foram diferentes durante este período, tanto que o castanho, odiado pelos impressionistas, passou a ser muito querido por Gauguin, pintor que criou retratos luminosos de castanhos das pessoas e paisagens da Polinésia. Finalmente, a história do marrom continua até a contemporaneidade, graças às visões originais e inéditas de artistas Artmajeur como Oleksandr Balbyshev, Radek Smach e Marc Mugnier.

Oleksandr Balbyshev, M elting Lenin , 2016, Óleo sobre tela, 90 x 70 cm.

Oleksandr Balbyshev: Derretendo Lenin

Na pintura do pintor ucraniano Balbyshev, o rosto de Lenin aparece fragmentado, como se tivesse sido primeiro pintado e depois, posteriormente, apagado da superfície da tela marrom, seguindo impulsos e razões que parecem obscuras à primeira vista. Na realidade, como explicitado na própria descrição do artista de Melting Lenin , tal modo de retratar o político alude ao impacto que a ideologia marxista e leninista teve no mundo artístico russo, transformando-o em mero meio de propaganda política, desprovido de evolução livre. Além disso, Balbyshev, ao imortalizar Lenin, também se pergunta como poderia ter sido a investigação figurativa do referido país se não tivesse havido esse período de opressão, questão que, infelizmente, não pode ser respondida. Falando em história da arte, por outro lado, sabe-se como até Rembrandt costumava usar a cor marrom como fundo de suas pinturas, de fato, a aplicação de algumas demãos de giz bolonhesa e cola animal alisada, recebia uma camada de branco chumbo em óleo de linhaça misturado com terra preta, sombria ou siena queimada.

Radek Smach, pintura abstrata marrom va766, 2019. Acrílico sobre tela, 100 x 80 cm.

Radek Smach: pintura abstrata marrom

A pintura abstrata marrom traz de volta um cromatismo icônico da história da arte, pois o trabalho foi feito com tons semelhantes aos de Autumn Rhythm (Número 30) , uma pintura de Jackson Pollock datada de 1950. Nesta "versão moderna" de meados do século obra-prima do século, o princípio da técnica de gotejamento é dispensado, pois as cores são regularmente e cuidadosamente espalhadas sobre o meio de pintura, em vez de "aleatoriamente" sobrepostas por gotejamentos "desordenados". Apesar dessas diferenças, a imposição de tons de marrom traz à mente, em ambas as obras, as atmosferas de outono, que, no caso de Pollock, são explicitamente mencionadas pelo próprio título da obra. Em particular, Autumn Rhythm evoca essa estação através do movimento energético desencadeado pela combinação de linhas e gotas de cor, visando quase reivindicar a vitalidade de uma época do ano muitas vezes associada apenas à hibernação ou ao doce sono. Já na obra do artista Artmajer, a composição estudada aponta para um outono mais tradicional, ou seja, terroso, aconchegante e rotineiro, marcado por uma atmosfera que incita à introspecção, ao recolhimento, ao autocuidado e à proteção, visando transformar o indivíduo e fazê-lo "florescer" apenas na próxima primavera.

Marc Mugnier, Esferóide de madeira , 2020. Escultura em madeira, 40 x 40 x 40 cm.

Marc Mugnier: Esferóide de madeira

A escultura esférica de Mugnier foi criada a partir da montagem de peças de carvalho encerado, perseguindo o objetivo de revelar alguns dos mistérios da natureza que nos rodeia. De facto, precisamente através da utilização de substâncias orgânicas, o artista, que, ao criar uma ligação com a matéria mais autêntica, quer transmitir a memória do nosso planeta, acompanhando-o com uma forte mensagem de paz e respeito pelo mundo em que vivemos viver. Por outro lado, no que diz respeito à relação que o espectador deve ter com o Wooden Spheroid , Mugnier faz questão de salientar que, para além da mensagem de apoio à natureza, não há outras intenções na sua obra do que estimular a livre interpretação do espectador. Por fim, do ponto de vista histórico da arte, a obra do artista Artmajeur lembra as esculturas de Ben Butler, construídas através da montagem de centenas de peças de madeira, que, dispostas em estranhas formações, não seguem um plano definido, a não ser imitar formações naturais.