Cébé, Heavenly piano , 2014. Acrílico sobre tela, 80 x 80 cm.
Música e arte representam, sem sombra de dúvida, duas disciplinas relacionadas que, através da imaterialidade do som e do encantamento das imagens, são capazes de revelar sentimentos e experiências humanas, tanto em seu lado positivo e alegre quanto em seu lado mais introspectivo e graves. Justamente por essas peculiaridades, as artes citadas têm desempenhado um papel de destaque desde a antiguidade e, em particular, desde os primórdios das civilizações clássicas, quando, a partir de sua união, foram geradas duas combinações distintas: arte que conta a música e arte que sustenta a música. Quanto a este último aspecto, basta referir os anfiteatros e teatros gregos e romanos, como, por exemplo, o Teatro de Epidauro (Epidauro, Grécia), que, construído no século IV a.C., representa uma obra-prima da arquitetura projetada com o objetivo de maximizar a acústica.
Policlito, o Jovem, Teatro de Epidauro, 340 aC, Epidauro.
Por outro lado, no que diz respeito à arte que conta a história da música, esta dupla foi concretizada ao longo dos séculos através do trabalho de grandes pintores, designers gráficos e escultores, que, visando imortalizar, tanto músicos como instrumentos musicais, consequentemente, também documentaram sua evolução. Nos seus primeiros exemplos, esta história é-nos contada pelas estatuetas e vasos das primeiras civilizações mediterrânicas, tal como o Tocador da Lira do 2.º milénio a.C., das Ilhas Cíclades. Esta última estatueta de mármore, representando um homem decidido a tocar lira, foi feita na mais pura esquematização geométrica da forma humana típica da arte das Cíclades. Para representar a relação arte-música no mundo helênico, por outro lado, podemos tomar como exemplo a ânfora de colunas vermelhas com fundo preto, representando Orfeu tocando lira, obra vascular da Ática hoje abrigada no Museu de Pérgamo Em Berlim. O mesmo mito "musical" também é reproposto no mundo romano e, mais especificamente, no piso de mosaico do Museu Arqueológico de Palermo, decorado com Orfeu cercado de animais . Antecedendo o exemplo da Roma antiga, no entanto, estão os afrescos etruscos da Necrópole de Tarquinia, capazes de evidenciar um aspecto mais propriamente lúdico do mundo da música, pois imortalizam os tocadores de lira e aulos acompanhados por dançarinos.
Tocador de lira , 2º milênio aC, mármore. Atenas: Museu Nacional. 
Orfeu cercado por animais , 1º - 2º séc. AD, mosaico de piso romano. Palermo: Museu Arqueológico.
A história da ligação entre arte e música continua na Idade Média, época em que, além de pinturas e esculturas, as iluminuras também se tornaram um importante meio de divulgação do conhecimento musical, assim como a Remède de Fortune do poeta e músico Guillaume de Machaut, que, remontando ao século XIV, representa uma das fontes artístico-literárias mais abrangentes sobre o assunto. Ainda a propósito deste período, importa referir também os portais das catedrais românicas e góticas, que, em múltiplas instâncias, albergam esculturas de anjos, ou santos, munidos de instrumentos musicais. Exemplos desta associação de arte, religião e música são o Portal de Santa Ana em Notre Dame em Paris e o Portal da Glória em Santiago de Compostela.
Guillaume de Macaut, Remede de fortune , séc. IV, códice iluminado.
Alguns séculos mais tarde, e mais precisamente no final do século XV, alguns dos maiores mestres flamengos narraram o mundo da música através da arte, tal como se pode ver em Angels , de Hans Memling (c. 1485) e The Garden of Earthly, de Hieronymus Bosch. Delícias (1480-1490). Nesta última pintura, porém, os instrumentos, colocados no painel direito do tríptico que representa o inferno, parecem aludir ao som de uma melodia tudo menos agradável, ou seja, um ruído bastante incômodo e caótico, também encontrado no combinação de notas transcritas no pentagrama presente na obra. Assim como Bosch, Caravaggio, na pintura Descanse na fuga para o Egito , de 1595, também se mostrou muito atento às mensagens lançadas pelas partituras. De fato, a partitura de uma melodia precisa, a do compositor flamengo Noel Bauldewijn, baseada no texto do Cântico dos Cânticos e intitulada "Quam pulchra es", é entregue nas mãos de Joseph.
H. Bosch, O Jardim das Delícias Terrenas , 1480. Óleo sobre painel. Madri: Museu do Prado.
Caravaggio, Descanso na Fuga para o Egito , 1595. Óleo sobre tela. Roma: Galeria Doria Pamphilj.
Saltando um lapso temporal de cerca de dois séculos, o século XIX caracteriza-se por uma visão mais íntima da relação entre arte e música; na verdade, os jogadores retratados nesta época acabam por ser mais recolhidos em seus estudos e, consequentemente, em seu mundo. Um exemplo disso é The Bagpipe Player , de Thomas Couture, que, totalmente absorto em sua prática, não se importa com o que o cerca. Por fim, é importante destacar como, com a chegada do século XX, o par arte-música foi indelevelmente modificado pelas vanguardas, portadoras inexoráveis de visões inéditas sobre a realidade. Demonstração emblemática do que acaba de ser afirmado é a Guitarra de Pablo Picasso (1912-1913), que, atualmente conservada no MOMA de Nova York, representa uma idealização tridimensional da música, visando adquirir "concretude" através de um volume tangível, espessura e forma. Além disso, a referida obra-prima, sendo para todos os efeitos capaz de reproduzir sons, não é mais apenas uma obra de arte representando algo, mas também um meio que expressa a existência de um instrumento.
Kristof Toth, Diptych escultura violoncelista + harpista , 2020. Escultura, bronze sobre pedra, 52 x 30 x 15cm / 10,00 kg.
Karen Axikyan, Melody , 2020. Escultura, Metais sobre metal, 41 x 26 x 10 cm / 1,20 kg.
A combinação de arte e música nas obras dos artistas da Artmajeur
A marca de nascença atemporal para contar a história do mundo musical através da arte continua até hoje; de fato, esse desejo anima a obra de muitos artistas contemporâneos, inclusive os de Artmajeur, que, muitas vezes, se inspiraram nos maiores exemplos figurativos do passado. Esta vontade de emular a mais alta tradição da arte, no entanto, é acompanhada por um forte desejo de inovação, que, visando enriquecer o vínculo histórico entre arte e música, está bem manifestado nas obras de Pierre Duquoc, Massimo Iacovelli e Jamie Lee.
Pierre Duquoc, Ghost #36 , 2022. Fotografia, Fotografia manipulada / Fotografia digital sobre papel, 50 x 75 cm.
Pierre Duquoc: Fantasma #36
A foto de Pierre Duquoc, intitulada Ghost #36 , captura uma violinista feminina usando uma técnica um tanto paradoxal; na verdade, como o próprio artista afirmou, não é costume um fotógrafo querer desfocar seus trabalhos. Na realidade, porém, Duquoc empurrou ainda mais a contradição mencionada acima, ao recriar o borrão de fotos originalmente nítidas. Esse procedimento persegue a intenção de investigar os pequenos desaparecimentos do cotidiano, ou seja, aqueles momentos efêmeros capturados e armazenados em nossa memória, que, posteriormente, são transformados em memórias. Performances em palco, muitas vezes marcadas por movimentos repetitivos e ordenados, revelam-se particularmente adequadas para traduzir o conceito de reminiscência também porque os músicos, uma vez terminada a performance, geram uma espécie de "desaparecimento" que favorece as reencenações. Já no tema da história da arte, Ghost #36 tem múltiplas afinidades com The Hands of the Violinist , de Giacomo Balla, pintura em que o mestre italiano captou, por meio de um efeito óptico próximo ao desfoque fotográfico, o movimento de um músico .
Massimo Iacovelli, Formidable , 2022. Escultura-madeira, 74 x 24 x 24 cm.
Massimo Iacovelli: Formidável
A escultura de Iacovelli, feita com um violino real, é o resultado da decomposição deste último instrumento musical, visando gerar visões múltiplas, fragmentadas e dissecadas do objeto no espectador. Nesse contexto, a obra de arte se apresenta ao espectador em toda a sua relatividade, pois, ao exibir a imagem conhecida de um violino, a re-propõe de forma inédita e não convencional, desvinculada de qualquer costume. Além disso, Formidable lembra as icônicas esculturas de violino decompostas de Arman, concebidas com o mesmo propósito de mostrar, ao mesmo tempo, diferentes formas e perspectivas em um único objeto. Expoente ao lado de outros artistas como Yves Klein e Jean Tinguely do Nouveau Réalisme, o já citado mestre francês tinha o hábito de recuperar objetos reais e obsoletos para decompô-los em suas formas, alterando sua percepção e revelando sua essência. Consequentemente, as peculiaridades da obra de Iacovelli revelam-se muito próximas da mais alta tradição histórica da arte.
Jamie Lee, Buddy Rich , 2022. Tinta acrílica/spray sobre tela, 70 x 70 cm.
Jamie Lee: Amigo Rico
A pintura pop de Jamie Lee retrata, em estilos emprestados de Roy Lichtenstein, o famoso baterista e líder de banda americano Buddy Rich. Tal escolha de tema não deve nos surpreender, pois a Pop art sempre esteve intimamente ligada ao mundo musical; de fato, desde o século XX, as formas de cultura mais populares tenderam para a multimídia, ou seja, a combinação de palavras, música, imagens e dança que criava resultados artísticos complexos. Além disso, em sua constante referência à modernidade e aos novos fenômenos de massa, o movimento mencionado obviamente levou em conta a música e seus protagonistas. Referências óbvias ao mundo musical podem ser encontradas na obra de Peter Blake, David Hockney, Richard Hamilton e Andy Warhol, de modo que a obra do artista de Artmajeur se enquadra perfeitamente dentro de uma grande tradição.
Olimpia Gaia Martinelli
