Movimento na fotografia: do cavalo à figura humana

Vadim Stein, Aizhan Mukatova I , 2016. Fotografia não manipulada / Fotografia analógica / Light Painting sobre papel, 38,1 x 30,5 cm.

A história do movimento na fotografia está indissociavelmente ligada ao estudo das técnicas, com o objetivo de ultrapassar os “limites” da mais antiga arte pictórica que, perante o dinamismo cubista e futurista, se apegou a imortalizar o movimento, a fixá-lo num forma muito precisa e atraso "estático". Dito isso, a dança selvagem de La Goulue pode ser vista em Bal au Moulin Rouge, tela de Henri de Toulouse-Lautrec, na qual o protagonista permanece com uma perna levantada desde cerca de 1890 até hoje. É certo que a representação da ideia de movimento nos é dada pela pose desajeitada e antinatural em que a dançarina foi "congelada", mas esses modos de expressão "padronizados" mostraram-se um pouco estreitos para o meio fotográfico, cujo as peculiaridades técnicas forneceram, com uma predisposição natural, ricas percepções sobre as formas de representar o dinamismo. Antes de discutir as maneiras pelas quais três grandes artistas da história da fotografia investigaram a representação do movimento, é bom simplesmente descrever as inovações de seu trabalho, comparando-as com sua "arte prima" que é a pintura. Para concretizar este projeto narrativo, é possível partir da observação de três obras-primas da história da arte, tais como: Full cry over fences de Henry Thomas Aiken (início do século XIX), Bay Malton de George Stubbs com John Singleton up (1767) e The 1821 Derby at Epsom (1821) de Théodore Géricault, pinturas em que o galope dos cavalos, parado em um momento preciso, parece imortalizar um espécime determinado a voar como o mitológico Pegasus, em vez de correr como Winning Bre . Neste ponto, é imperioso chegar à figura de Leland Stanford, industrial e equestre, que encarregou Eadweard Muybridge, em 1872, de estudar o movimento do cavalo a galope através da experimentação da sua arte fotográfica. Apesar da data do noivado, devido a violentas vicissitudes pessoais, o artista só voltou ao referido projeto em 1877, período em que deu vida a uma série de fotografias que, tiradas no Autódromo de Palo Alto, em Standord, documentaram a movimentação de o cavalo Sallier Gardner sucessivamente, tornando-se uma evidência clara de como, ao longo do movimento de galope, o cavalo poderia realmente desprender os cascos do solo em momentos de impulso prolongado, ação capaz de torná-lo semelhante ao mencionado garanhão mitológico.

Eadweard Muybridge, planos sequenciais de Sallier Gardner, 1872.

Étienne Jules Marey, cavalo em movimento capturado por uma única imagem.

A investigação do dinamismo do cavalo continuou nas experiências de Étienne Jules Marey, fisiologista, cardiologista e inventor francês nascido em 1830, que conseguiu cristalizar, pela primeira vez na história da fotografia, a sequência dos movimentos do referido animal , dentro de uma mesma imagem, ao invés de mediar a sucessão utilizada pelo referido "colega" inglês. Nesse ponto, surge uma pergunta espontânea: em comparação com as grandes inovações da fotografia no final do século XIX, o que a arte contemporânea oferece em relação à visão de um mesmo mamífero? Se antes o cavalo era sobretudo escolhido como símbolo por excelência de trabalho, vitalidade e dinamismo, os artistas do nosso tempo atribuíram ao animal um significado inédito e lúgubre, que, pela representação do seu corpo sem vida, quis aludir, de uma forma forma bastante banal, para a morte mais temida. De fato, enquanto Giovanni Fattori e Théodore Géricault já haviam abordado esse tema, ele encontrou mais atenção do público nos tempos modernos, principalmente por meio do trabalho controverso de artistas como Berlinde De Bruyckere e Maurizio Cattelan. Por fim, voltando mais uma vez ao dinamismo investigado pela fotografia, é impossível não mencionar a inovação trazida pelo movimento das mãos do violoncelista do século XX (1913), captadas pela lente do mestre italiano Anton Giulio Bragaglia, realizador, crítico de cinema e ensaísta italiano ligado ao futurismo, movimento com o qual partilha experiências sobre dinamismo. De facto, data de um ano antes do referido plano, Le mani del violinista de Giacomo Balla, pintura que o mestre italiano desenhou após uma meticulosa pesquisa do movimento, pretendendo ser representada através da representação repetida dos membros do referido músico. , que parece determinado a agarrar o braço de um violino. Em conclusão, as atuais tecnologias fotográficas, voltadas para a captação do dinamismo, devem-se ao trabalho incontornável dos três mestres da objetiva acima referidos e, em alguns casos, também à sua ligação ao mundo pictórico.

DA Woisard, Flashback , 2010. Fotografia analógica sobre papel, 60 x 50 cm.

Angie, Fun III , 2022. Fotografia digital sobre papel, 30 x 40 cm.

Muybridge, Marey e Bragaglia: técnicas fotográficas de movimento

A simples descrição da obra de Muybridge, Marey e Bragaglia não dá conta do peso de suas inovações que, no campo da fotografia, tomam termos precisos, vinculados a processos técnicos específicos. Como antecipamos acima, a fotografia em movimento teve origem nos estudos experimentais de Muybridge, que demonstrou cientificamente que é possível perceber o dinamismo de um sujeito por meio de uma série de imagens vistas em sequência. Esta descoberta foi feita através do uso de uma série de vinte e quatro câmeras dispostas uma atrás da outra, cujos obturadores, posicionados ao longo do trajeto da já mencionada pista de Palo Alto, foram acionados pela quebra dos fios presos à câmera, induzida pelo contato com os cascos do cavalo em movimento. Se é assim que se sucedem as imagens emblemáticas e reveladoras de Sallier Gardner, atribui-se a Marey, que registrou toda uma sequência de tomadas em movimento em uma única chapa, a invenção da cronofotografia, aparelho capaz de registrar as diferentes posições que constituiriam a imagem final, graças à abertura e fechamento regulares e contínuos do obturador da lente. Por fim, falando de Bragaglia, é fundamental destacar como o movimento de seu violoncelista foi captado, de forma totalmente inovadora, por meio de um único disparo fotográfico, feito pelo registro na chapa do movimento de um gesto, havendo exposição prolongada para o tempo necessário para sua realização. Esse processo gerou figuras que se moviam e, ao mesmo tempo, se multiplicavam na esteira de seu dinamismo, visando condensar-se em estações intermediárias do gesto. Por fim, a história do movimento na fotografia chega até os dias atuais, bem ilustrada em sua riqueza de formas e técnicas de expressão pela obra de artistas Artmajeur, como, por exemplo, Roz Delacour, Sergio Capuzzimati e Ömer Erdoğan.

Roz Delacour, Ombres n.3 , 2022. Fotografia em prata sobre Plexiglas, 80 x 60 cm.

Roz Delacour: Sombras n°3

A fotografia a preto e branco de Roz Delacour pode ser descrita apoiando-se na visão poética do mundo, a que ela própria nos remete: uma jovem, decidida a caminhar idilicamente à beira-mar, é representada através dos signos, ou seja, das pegadas , que ela deixa de si mesma na areia, assim como o reflexo que seu corpo gera ao se admirar na superfície do oceano, vem banhar, com ritmo e constância, as margens de uma praia silenciosa. Neste contexto, a ideia de movimento, visando omitir os expedientes de repetição de imagem, cronofotografia, desfocagem, os mais comuns Motion blur, etc., é-nos dada por um plano simples e estratégico, visando explorar naturalmente o " ondas". produzida pelas imagens refletidas em águas mais ou menos salgadas. Ressalte-se, porém, que tal resultado dinâmico só é possível de ser obtido quando a superfície refletora se mostra ela mesma em movimento, pois, em uma cidade "semelhante" fotografada pela pioneira da fotografia de rua, Vivian Maier, visando capturando um homem e duas crianças caminhando, encontramos a presença do reflexo mais estático de uma poça. De qualquer forma, a ideia de aproveitar a água para gerar fotografias mais interessantes une a investigação artística de Delacour à da babá mais conhecida da fotografia, pois Maier, ao longo de sua vida, cuidou de várias crianças, como uma verdadeira Marie Poppins equipada com uma Rolleiflex !

Sergio Capuzzimati, Estudo segundo uma paisagem urbana de Hong Kong, homenagem a francis bacon 2, 2022. Fotografia digital sobre papel, 60 x 42 cm.

Sergio Capuzzimati: Estudo de uma paisagem urbana em Hong Kong, homenagem a Francis Bacon 2

Francis Bacon, icônico pintor irlandês nascido em 1909, é conhecido, entre mil outras coisas, por suas múltiplas releituras expressionistas do famoso retrato do Papa Inocêncio X de Diego Velázquez, obra-prima que o artista do século XX se limitou a analisar através reproduções fotográficas da obra, recusando-se categoricamente a ir ver o original guardado em Roma. Na sua interpretação de 1953 de um dos já referidos Screaming Popes, Bacon concretiza, através do rosto gritante da efígie, o drama da existência infernal a que o homem está predestinado, aproximando-se da obra introspectiva de Edvard Munch. Por outro lado, de um ponto de vista puramente estilístico, o drama repete-se também na forma como é representada a cadeira estilizada, destinada a transformar-se numa espécie de armadilha, acompanhada pela execução de pinceladas verticais, que, multiplicando-se ao longo o trabalho, dão a ideia de um fluxo energético visando “alongar” a silhueta. É precisamente este último aspecto que acaba por ser “reproposto” pelo efeito que o fotógrafo de Artmajeur, Capuzzimati, escolheu empregar na sua fotografia, pensada precisamente para fazer referência clara ao tema largamente estudado pelo referido mestre irlandês. Assim, a paisagem urbana de Hong Kong foi produzida a partir da técnica de ICM (movimento intencional da câmera), visando gerar uma multiplicação de “linhas”, devido ao movimento da câmera durante a exposição. Este efeito criativo, que gera a sobreposição contínua de imagens no mesmo plano focal, tem as suas primeiras origens nas experiências futuristas dos anos 30, realizadas por Filippo Masoero, que, em 1934, se dedica à fotografia aérea com longas exposições em livre cair. .

Ömer Erdoğan, Time , 2022. Fotografia digital sobre papel, 30 x 40 cm.

Ömer Erdoğan: tempo

O estudo do movimento, traduzido na "confusão" do sujeito enquadrado, não tem poupado o interesse da Fotografia de Rua, género fotográfico que persegue a intenção de captar assuntos e situações espontâneas, realizadas em locais públicos, capazes de evidenciar a aspectos mais comuns de nossas vidas. É importante especificar, no entanto, que esses momentos cotidianos devem, de fato, apresentar um bom enquadramento e um timing preciso, capaz de gerar imagens de momentos decisivos ricos em pathos. Esta busca tem as suas primeiras origens na época que vai do final do século XIX aos anos 1970, pois está necessariamente ligada à difusão das câmeras portáteis. A pátria da fotografia de rua acaba por ser Paris, a cidade onde operaram os pais deste género fotográfico, entre eles certamente Henri Cartier-Bresson, fotógrafo do século XX que se dedicava sobretudo a captar o movimento das pessoas, como atesta o célebre cliché : Atrás da estação Saint-Lazare (1932), obra-prima "espontânea" realizada na Europa, ou seja, em frente à estação Saint-Lazare (Paris), graças à sua confiável câmera de bolso Leica. Neste ponto, se tentarmos imaginar Cartier-Bresson posicionado em um lugar estratégico, ansioso para esperar o momento certo para capturar um homem ansioso para pular em chão molhado, talvez possamos também “ver” Erdoğan imóvel capturar o tempo que passa. em frente a uma parada de bonde.