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Mantegna, Agonia no Jardim, 1458–60. Óleo sobre painel, 63 cm × 80 cm. Galeria Nacional, Londres.
Ambrogio Lorenzetti, Efeitos do Bom Governo no Campo, 1338-1339, Sala della Pace, Palazzo Pubblico, Siena.

De Cézanne a Segantini

Vamos deixar os pincéis falarem. Deixe que os pincéis que pintaram as montanhas revelem a relação que os artistas desenvolveram com elas, um elemento paisagístico capaz de desvendar as suas paixões, interesses e temas preferidos. Consideremos, por exemplo, o que é representado ao lado das montanhas, ou se o pintor destacou intencionalmente apenas esses elementos. No entanto, isto não é exaustivo, pois devemos acrescentar as atitudes “obsessivas” alimentadas pela representação de cadeias de montanhas. Refiro-me especificamente a uma repetitividade, que esteve na base de uma enorme mudança na linguagem artística ocidental. Na verdade, foi a representação “compulsiva” do Monte Sainte Victoire feita por Paul Cézanne que facilitou o desenvolvimento de um movimento artístico de vanguarda subsequente, que revelarei mais tarde. Mas comecemos agora por analisar a “obsessão” do referido mestre francês, prosseguindo com outros pontos de vista, para concluir com temas de religião, política e nudez, que se justapõem ao elemento paisagístico em questão.

Paul Cézanne, Mont Sainte-Victoire, 1905-1906. Óleo sobre tela, 60 x 73 cm. Museu Pushkin, Moscou.

A compulsividade de Paul Cézanne

Toda a gama de exploração expressiva do pintor permanece evidente através de uma coleção de obras que compartilham um tema comum: a série de pinturas Mont Sainte-Victoire de Cézanne, inspirada nas lições de Monet, Manet e Renoir, mas abrindo caminho para Matisse e Picasso por simplificando continuamente formas e fragmentando gradualmente volumes. Uma revisão cronológica das pinturas revela uma mudança na abordagem de Paul Cézanne: da captura da interação da luz para um foco na forma, embarcando numa busca de síntese para revelar os atributos imutáveis da natureza. Consequentemente, os elementos individuais destas pinturas tornam-se cada vez mais abstratos, tornando a paisagem inteligível sob uma nova luz, enquanto as primeiras peças da série retratavam a natureza de forma realista. Na verdade, à medida que nos aproximamos de 1906, a representação do Monte Sainte Victoire torna-se mais turva e indistinta, prenunciando os estilos sistemáticos do Cubismo e da Arte Abstrata. No que diz respeito à perspectiva, as pinturas do Mont Sainte-Victoire apresentam predominantemente o distinto maciço calcário central da paisagem de Aix-en-Provence, retratando a montanha de um ponto de vista mais baixo e à distância, garantindo que o brilho do pico domina a cena. Neste contexto, o observador posiciona-se nos limites exteriores do vale, diante de um conjunto de árvores e arbustos, que obscurecem parcialmente a aldeia nas encostas da montanha. Os telhados inclinados das casas, juntamente com a crista da montanha voltada para a direita, criam uma interação geométrica dinâmica, pronta para animar toda a cena. Por fim, fontes sugerem que o panorama escolhido por Cézanne foi aquele visível do terraço da sua casa em Lauves, na zona norte da cidade, local onde instalou o seu atelier para trabalhar incansavelmente no referido panorama.

Caspar David Friedrich, Andarilho acima do Mar de Nevoeiro, c. 1818. Óleo sobre tela, 94,8 cm × 74,8 cm. Hamburger Kunsthalle, Hamburgo.

A recorrência do sujeito em Caspar David Friedrich

Substituamos a palavra “compulsividade” por “recorrência”, já que Caspar David Friedrich frequentemente representava vários ambientes montanhosos, frequentemente justapondo-os à figura humana, que era comumente capturada por trás. Referindo-me ao seu repertório, descrevo o exemplo mais famoso: no primeiro plano da pintura, um andarilho está posicionado de forma destacada no centro. Esta figura permanece ereta, talvez apoiada por uma bengala, empoleirada num afloramento rochoso que domina a parte inferior da pintura, assemelhando-se à base de uma estátua. O homem está claramente absorto na beleza deslumbrante e romântica da paisagem natural que tem diante de si, observando a neblina que se levanta para além do promontório rochoso, sob a qual se avistam alguns picos pontilhados de árvores. Em contraste, o horizonte distante desdobra-se num panorama de montanhas altas e escarpadas, enquanto o céu é uma tapeçaria de nuvens densas, gradualmente dando lugar a camadas mais espessas e contínuas, contrapostas à distante e vasta extensão nebulosa. Esta iconografia da pintura, intitulada "Wanderer over the Sea of Fog" (1818), incorpora alguns temas centrais do Romantismo, como as ideias de infinito, admiração e um sentimento de desorientação empática alcançado pela fusão do homem com um ambiente natural em rápida mudança. paisagem. Na verdade, aqui a natureza não é apenas um pano de fundo, mas uma entidade vibrante, talvez ainda mais fundamental do que o andarilho visto de trás, concebida para representar a humanidade na sua implacável vulnerabilidade e insignificância perante a vasta e maravilhosa extensão do mundo natural.

Giovanni Segantini, O Castigo da Luxúria, 1891. Óleo sobre tela, 99 x 172,8 cm.

Fim das recorrências: religião, política e nudez

Outras obras-primas paisagísticas mostram-nos como muitos artistas, em certas ocasiões e sem demonstrarem “obsessões” particulares, se prestaram à sua própria interpretação das montanhas. Por exemplo, isso ocorreu em "O Castelo de Arco" de Albrecht Dürer (1495), "O Vale da Nervia" de Claude Monet (1884) e "Montanhas de Saint-Rémy" de Vincent Van Gogh (1889), entre outros. Estes exemplos mostram obras onde os mestres apresentam montanhas de uma forma mais ou menos realista, focando neste único tema naturalista para transmitir os seus traços expressivos únicos. Passemos agora a pinturas onde as montanhas não têm um peso significativo em termos de significado e interpretação da obra, agora destinadas a dar voz a ideais mais ou menos sagrados, profanos ou políticos, relegando os elementos naturais a um pano de fundo silencioso. Neste contexto, posso citar "Efeitos do Bom Governo no Campo" (1338-39) de Ambrogio Lorenzetti, "Agonia no Jardim" (1455) de Andrea Mantegna, e "O Castigo dos Lascivos" (1891) de Giovanni Segantini. Enquanto as duas primeiras obras-primas falam de política e religião, a terceira, através da temática do nu, aspira a conteúdos moralizantes, servindo de alerta para as “mães más”. Quem são eles? Comecemos pela descrição da pintura: um grupo de mulheres é retratado suspenso sobre um solo congelado, onde, em primeiro plano, duas delas estão posicionadas horizontalmente no ar, parecendo sem vida. A mulher de maior destaque é retratada de perfil, voltada para a direita, enquanto logo atrás dela, outra jovem está posicionada olhando na direção oposta. Mais atrás, no lado esquerdo da pintura, pode-se ver uma terceira forma feminina, todas unidas por um traje composto apenas por um vestido longo e leve cobrindo a parte inferior do abdômen e as pernas, deixando a parte superior do tronco exposta. A terra abaixo dessas mulheres, coberta de neve, apresenta apenas alguns troncos delgados e retorcidos. Dominando o fundo está uma majestosa cordilheira, cujos picos mais altos estão envoltos em gelo. Quanto ao significado da obra, “The Punishment of the Lustful” faz parte da série imaginativa intitulada “The Bad Mothers”, que inclui duas pinturas e duas obras monocromáticas. Esta peça em particular retrata um purgatório congelado onde mulheres, consideradas lascivas, sofrem pelas suas transgressões, interpretadas principalmente como a renúncia à maternidade. Passemos agora aos artistas de Artmajeur e sua relação com as montanhas!

MONTANHA VAZIA EM ESCALA DE CINZA por Hui Li

A montanha torna-se protagonista indiscutível da representação, acompanhada por um céu que parece estender os tons do arco-íris a um espaço mais amplo, talvez imenso. Estas cores também se localizam em algumas “quebras” nas montanhas, onde o cinza dá lugar ao amarelo, possivelmente aludindo ao nevoeiro ou à neve. No resto da sua presença imponente, os picos das montanhas são representados em cinza, enquanto a mesma tonalidade mais escura permite a construção de sombras, prontas para transmitir a ideia de enseadas e formas naturalistas. Para completar a descrição da obra, não posso deixar de mencionar o seu criador, Hui Li, artista contemporâneo chinês radicado no Canadá, cuja ampla linguagem figurativa abrange, além da aquarela, também a pintura a óleo, a água-forte em cobre, a serigrafia, a impressão digital arte, arte digital de mídia mista e criação de instalações, vídeos e arte sonora. Foquemo-nos agora na relação entre os dois países para onde o artista se desloca, nomeadamente a China e o Canadá. O primeiro é provavelmente o inspirador da poética paisagística investigada em Grayscale-Empty Mountain, enquanto o segundo parece ser o ponto de encontro entre os estilos pictóricos orientais e ocidentais. Com efeito, se o interesse pelas montanhas nos remete ao antigo Shan shui chinês, as formas de tratar o tema aproximam-se parcialmente da abstração. Especificamente, poderíamos referir-nos a uma abstração parcial, onde as identidades dos sujeitos, embora sintetizadas e simplificadas, permanecem inequivocamente reconhecíveis.

MONTANHAS de Olga Neberos

O espectador olha para o topo de um pico que cobre parcialmente outro, imaginando-se cansado, sentindo frio e querendo voltar para saborear um belo chocolate quente. Na verdade, a obra sintetiza a vista que teríamos se subíssemos uma montanha em pleno inverno, alcançando, após uma longa e desafiadora subida, os picos cobertos de neve. Observando “Montanhas”, poderíamos pensar também na artista, que, aproveitando o eco do lugar, poderia revelar-nos os segredos da sua criação gritando: “A grandeza das montanhas conquista sempre os nossos corações, é o território da nosso crescimento vertical, da conquista da sabedoria e da força. As cidades, as gerações, as atitudes sociais podem mudar, mas as montanhas permanecem sempre. Testemunhas eternas e silenciosas de tudo o que é transitório... Estar nas montanhas purifica a Alma, revela-se a você . Os picos das montanhas chamam a nossa atenção, contribuindo para a reavaliação de significados e valores, desencadeando um processo de transformação pessoal." Além disso, para aumentar os poderes curativos da montanha, a pintora, que também é psicóloga e especialista em cromoterapia, revelou que estudou com habilidade as combinações cromáticas utilizadas na obra, a fim de harmonizar a psique do espectador, fazendo com que capazes de alcançar sua essência. Nessa perspectiva, Neberos reconhece no observador também uma espécie de coautor, que, ao despertar do desconhecimento, torna-se novamente capaz de expressar o que é, desenvolvendo um pensamento crítico autônomo.

VACAS DESCANSANDO NAS MONTANHAS por Tabimory

Chegamos até aqui simplesmente analisando as diversas formas de representar a montanha, às quais acrescentamos significados e temas, mas omitindo uma visão bastante recorrente em nossas vidas: a imagem das vacas pastando nas montanhas! Para falar do trabalho de Tabimory, decidi conhecer as vacas da montanha, tomando como exemplo as do Tirol do Sul, frequentemente visíveis nas serras italianas durante o verão. Esta última descrição é conhecida como pastoreio alpino, que geralmente se distingue em diferentes etapas, durante as quais o gado sobe mais alto nas montanhas para evitar o calor do verão. A primeira etapa da pastagem alpina é a transferência para os "casolari", estábulos com áreas de pastagem limitadas localizadas entre 700 e 1000 metros de altitude. Depois de um breve descanso nestas altitudes, inicia-se a fase seguinte: a subida às cabanas alpinas de baixa altitude, situadas entre os 900 e os 1300 metros, onde o pasto é suficientemente espaçoso para acomodar todo o rebanho. Porém, nesta fase, os animais também se dividem, pois os bovinos mais jovens e saudáveis, por serem mais resistentes e ágeis, são levados para as cabanas alpinas de grande altitude (1400 - 1900 m) e para as cabanas (geralmente acima de 1900 - 2000 m). metros), enquanto as vacas mais velhas permanecem nas áreas mais baixas. Uma vez instalados em seu ambiente, os animais, junto com o leiteiro e seus auxiliares, passam todo o verão pastando, aproveitando o clima serrano. Agora você pode olhar a pintura de Tabimory sentindo-se como uma vaca, jovem ou velha, relaxando em uma paisagem verde realista, aproveitando não só a vista panorâmica, mas também a ideia de passar o verão no frescor com seus companheiros!