Pierre-Auguste Renoir, Almoço da Festa Náutica, 1880-1881. Óleo sobre tela, 129,9 cm × 172,7 cm. Coleção Phillips, Washington, DC.
Impressionismo em poucas palavras
Como surgiu o Impressionismo? Como todas as coisas, tudo começou com uma ideia! Os artistas em questão decidiram pintar a realidade que os rodeia de uma forma muito simples, deixando de lado os temas históricos e mitológicos mais complexos e trilhados, temas que muitas vezes tendiam a estar associados a uma certa busca pela perfeição na aparência visual e, portanto, executiva. . Ora, o que importava, como sugere o nome do movimento artístico nascido em França por volta de 1860, era a representação da impressão, ou como uma paisagem, mas também um objecto e uma pessoa, apareciam aos olhos num espaço de tempo limitado. Para tornar esse propósito eficaz, a forma como a cor era aplicada ao suporte mudou drasticamente: as pinceladas passaram a ser mais claras, mais livres e as cores mais suaves, nascidas da execução exclusivamente ao ar livre. Ficou evidente, a partir da observação ao ar livre, que o que o olho percebia era de fato diferente do que o cérebro entendia, de modo que, ao captar os efeitos ópticos do momento, afastávamos-nos definitivamente das formas idealizadas e da simetria perfeita, dando voz ao mundo como realmente visto. pelo nosso olhar. Na verdade, a perspectiva tridimensional também foi silenciada, facto técnico que levou o impressionismo a deixar de distinguir os elementos mais importantes de uma composição daqueles de menor importância. Todas essas características transformaram-se em críticas da tradição acadêmica da época, que, no entanto, não conseguia mais deter o avanço da arte moderna, bem como de toda a filosofia associada às vanguardas.
Édouard Manet, Almoço na Relva, 1863. Óleo sobre tela, 208×264 cm. Museu d’Orsay, Paris.
Édouard Manet: Almoço na Grama (1863)
A obra de Édouard Manet, pintor francês que faz a ponte entre o Realismo e o Impressionismo, foi fortemente criticada pelo seu público contemporâneo, bastante desorientado ao ver vislumbres da vida real realizados na tela, em que, por vezes, até mesmo as pessoas no tomaram forma as margens da sociedade, tratadas da mesma forma que personagens de obras históricas e mitológicas mais tradicionais. A isto somava-se a suspeita reservada ao seu estilo peculiar, que, antecipando o Impressionismo, carecia tanto de claro-escuro como de sombreamento, pois justapunha manchas de cor que, apenas quando vistas da distância certa, geravam as formas imaginadas pelo artista. Por fim, para falar do mestre que muitos reconhecem como o pai do Impressionismo, optei por descrever Luncheon on the Grass, obra-prima de 1863, que escandalizou profundamente o público do Salon des Refusés, por apresentar não apenas uma mulher nua sentada flanqueada por dois homens vestidos mas também uma técnica de pintura sumária, no que diz respeito à descrição das formas e do fundo. Além disso, a profundidade do espaço foi representada de forma inovadora, sem recorrer à perspectiva tradicional, mas através de sugestões compostas por pontos justapostos de cores diferentes. É justamente o que está representado nesta obra que abriria caminho para o que veremos neste top 10: as obras-primas mais importantes do Impressionismo!
Claude Monet, Impressão, Nascer do Sol, 1874. Óleo sobre tela, 48 cm × 63 cm. Museu Marmottan Monet, Paris.
Claude Monet: Impressão, Nascer do Sol (1874)
Aqui está outra obra-prima que não é apenas pintura, mas também história tangível do movimento impressionista, como Impression, Sunrise foi exposta em 1874 no antigo estúdio do fotógrafo Nadar, sugerindo, com o título, o nome de todo o movimento artístico. A pintura em questão, criada ao ar livre para captar o que o mestre via da janela do seu quarto de hotel em Le Havre, reproduz a vista matinal do porto, com o mar atravessado por alguns barcos e o horizonte mostrando a vida industrial do contexto urbano. O que é descrito já possui todas as características próprias do impressionismo mais maduro, tanto que a vista é representada por pinceladas justapostas, rápidas e livres, prontas para moldar todos os elementos da composição. Na verdade, só observando o todo é que podemos compreender plenamente a natureza dos sujeitos imortalizados, que, se tomados um a um, quase perdem a sua identidade. Isso nos faz compreender as reais intenções do artista, que não eram mais criar uma cena naturalista, mas evocá-la através de sugestões ambientais. Por fim, é bom revelar um segredo, ou seja, o que praticamente permitiu a Monet executar a referida obra-prima? Assim, é necessário revelar como a prática da pintura ao ar livre, tipicamente impressionista, foi possibilitada pela invenção, em 1841, de John Rand, que criou tubos metálicos para preservar cores a óleo, que a partir daquele momento poderiam ser facilmente transportados para qualquer lugar!
Edgar Degas, A aula de dança, 1873-1876. Tinta óleo sobre tela, 83,5 por 77,2 centímetros. Museu Metropolitano de Arte, cidade de Nova York.
Edgar Degas: A aula de dança (1873-1876)
Antes de discutir a obra-prima em questão, é importante esclarecer a identidade do pintor que, inicialmente mais próximo do Realismo, abordou os temas da vida moderna no Impressionismo a partir da década de 1870, apesar de sempre se afastar da pintura ao ar livre e da eliminação do contorno linhas. Agora que esclarecemos o que faz do mestre francês um impressionista atípico, podemos passar à descrição de uma de suas telas mais famosas: A aula de dança. Embora tenha sido criado em estúdio, parece ter sido criado de uma só vez para imortalizar o foyer de dança da Ópera de Paris, onde o artista poderia ter acesso por intercessão de seu amigo, o maestro da orquestra. Deste local privilegiado, o pintor capturou uma jovem bailarina praticando passos sob o olhar atento do famoso coreógrafo Jules Perrot. Já as demais meninas de tutus aproveitam o intervalo para descansar, talvez conversar tranquilamente e arrumar a roupa. Tudo parece extremamente espontâneo e natural porque Degas dá uma nova importância ao quotidiano, por vezes reproduzindo-o com uma atenção quase obsessiva, sempre pronto a sintetizar atitudes e comportamentos da forma mais autêntica de estar nas situações.
Pierre-Auguste Renoir, Almoço da Festa Náutica, 1880-1881. Óleo sobre tela, 129,9 cm × 172,7 cm. Coleção Phillips, Washington, DC.
Pierre-Auguste Renoir: Almoço da Festa Náutica (1880-1881)
Tal como Monet, Renoir é um verdadeiro impressionista, autor de uma das mais famosas obras-primas do movimento artístico que nos interessa, a saber: Luncheon of the Boating Party, tela de cerca de 1880 na qual retrata amigos e conhecidos habilmente dirigidos, quase como se estivesse em um set de filmagem. Tudo isto compõe uma cena em que, sob um toldo, remadores e outras figuras se reúnem em torno de uma mesa, na qual se insinua que acaba de ser consumida uma refeição. Os sujeitos agora pensam em conversar, aproveitando o clima de uma tarde quente passada no Sena, rio que, como visto no canto superior esquerdo, literalmente atravessa as plantas, atravessado por alguns barcos. Porém, os que mais se destacam, por estarem em primeiro plano, são uma menina brincando com um cachorrinho, observada por um remador, e outro remador apoiado na balaustrada à esquerda. Além disso, sempre perto do espectador, estão também dois jovens sentados à mesa, que estão de costas para as figuras mais barulhentas ao fundo. Mais uma vez, a textura da pintura é composta por amplas pinceladas materiais, prontas para borrar os contornos das formas, cujos detalhes são insinuados, mas não descritos.
Edgar Degas, L'Absinto, 1875-1876. Óleo sobre tela, 92×68 cm. Museu d’Orsay, Paris.
Edgar Degas: L'Absinto (1875-1876)
Aqui está Degas, sim, ele de novo! Afinal, era impossível não incluir no ranking seus Bebedores de Absinto, obra que, além de documentar uma triste realidade da época, foi inspirada no romance "L'Assommoir", de Émile Zola, do qual o pintor viu algumas prévias. . Na verdade, o escritor confessou ao artista como havia falado sobre a condição degradada em que vivia o proletariado parisiense, bem personificada na obra-prima de dois amigos de Degas. No entanto, uma vez concluída a pintura, estes dois indivíduos queixaram-se de como isso poderia prejudicar a sua reputação, pelo que o pintor decidiu declarar publicamente que as duas figuras não eram realmente alcoólatras. Na obra, porém, os dois frequentadores estão sentados às mesas dos cafés, sobre as quais são colocadas bebidas alcoólicas, ainda que os retratados pareçam quase deixá-los ali, talvez porque, já embriagados, pareçam tomados por pensamentos mais profundos, projetando seus olhares diretamente para o vazio. Que tal um coquetel hoje à noite?
Claude Monet, Lagoa de Nenúfares, Harmonia Rosa, 1900. Olio su tela, 89,5×100 cm. Museu d'Orsay, Paris.
Claude Monet: Lagoa de Nenúfares, Harmonia Rosa (1900)
Era impossível não nos referirmos novamente ao mais popular dos impressionistas, sem dúvida Claude Monet, autor do famoso Water Lily Pond, Pink Harmony, datado de 1900. Nesta obra, a imponente figura de uma ponte em arco aparece diante do espectador, pronto para atravessar um lago de nenúfares. Todo o cenário é iluminado pelos raios do sol que penetram cuidadosamente em cada folha, enquanto as flores revelam sua cor predominante: o rosa! Em primeiro plano, encontramos a orla, caracterizada pela presença de vegetação densa e alta, que, em alguns pontos, se confunde com as folhas pendentes dos salgueiros. Mais uma vez, fala da filtragem da luz, criando áreas de sombra e áreas de luz, prontas para criar uma rica alternância de sombras que se estendem sobre a água e as margens. Onde está o tema da paisagem de Monet? Em Giverny, na residência do artista, onde cuidou pessoalmente das diversas plantas do jardim, que pretendia transformar num teatro verde, sempre pronto a ser objecto da sua arte, onde também teve os já mencionados japoneses ponte em estilo construída.
Gustave Caillebotte, Rua Paris; Dia Chuvoso, 1877. Óleo sobre tela, 212,2 cm × 276,2 cm. O Instituto de Arte de Chicago, EUA.
Gustave Caillebotte: Rua Paris; Dia chuvoso (1877)
Rua Paris de Gustave Caillebotte; Rainy Day conta e documenta a reestruturação da capital francesa, ocorrida no final do século XIX segundo o projeto de Georges-Eugène Haussmann, pronta para se manifestar na representação de um grande cruzamento próximo à estação Saint-Lazare, que substituiu uma área montanhosa mais antiga por ruas estreitas e sinuosas e edifícios em ruínas. Essa nova face de Paris é atravessada pelos principais temas da obra, um casal de transeuntes caminhando de braços dados, abrigando-se da chuva sob um guarda-chuva e cruzando-se com outro transeunte, que encontra lugar próximo à fachada de um prédio na o certo. À esquerda caminham outras pessoas, também munidas de guarda-chuvas, evitando gradualmente algumas carruagens, que encontram a sua razão de estar sob a presença de grandes edifícios, provavelmente prontos a reflectir-se nos múltiplos reflexos criados pelo pavimento de blocos de pedra molhados. Certamente, estes últimos assumem a cor do céu nublado, cujo horizonte é dominado pela presença de um edifício de esquina maior, que surge isolado no centro da cena. Por fim, certamente digno de nota é outro protagonista, mas silencioso, da pintura: estou falando do poste verde que fica silenciosamente atrás das figuras dos dois sujeitos principais.
Mary Cassatt, The Boating Party, 1893. Óleo sobre tela, 90 cm × 117,3 cm. Galeria Nacional de Arte, Washington, DC.
Mary Cassatt: a festa do barco (1893)
Podemos falar de Impressionismo sem celebrar as suas mulheres mais ilustres? Eu diria que não, por isso apresso-me a mencionar Mary Cassatt, uma pintora e gravadora americana nascida em 1844, autora de The Boating Party. Esta obra-prima, criada em Antibes (Riviera Francesa, França), retrata uma mulher, uma criança e um homem em um veleiro sem mastro, mas com casco semelhante a uma canoa e três assentos, ambiente retratado com o uso da cor amarela, que se destaca contra o azul mais escuro e mais amplo do mar. Na verdade, Cassatt utiliza cores fortes e mais sombreadas para gerar contrastes, que atingem seu ápice na comparação entre o barco vibrante e a figura azul do remador. Apesar do tratamento das cores, que pretende enquadrar-se no estilo habitual do artista, o que difere é o tema da obra, que, ao mesmo tempo que inclui o familiar de mãe e filho, inclui também, no espaço inusitado do barco, o masculino figura, muitas vezes esquecida pelo pintor. De qualquer forma, os papéis dentro da obra-prima parecem estar firmemente estabelecidos, tanto que o homem se concentra exclusivamente no trabalho (agora remo), e a mulher zela constantemente pelo filho. Seguindo esta interpretação está a ideia de ver o remo como uma linha divisória entre os mundos masculino e feminino, sendo o segundo indissoluvelmente associado pelo artista à natureza, à criatividade e à renovação, domínios em que a importância do papel da mãe na sociedade é indiscutível.
Berthe Morisot, O Berço, 1872. Óleo sobre tela, 56 cm × 46 cm. Museu d'Orsay, Paris.
Berthe Morisot: O Berço (1872)
Berthe Morisot foi uma pintora impressionista francesa, conhecida por ser uma das fundadoras do movimento, bem como criadora de múltiplas obras-primas da história da arte, como O Berço. Esta pintura, datada de 1872 e exposta na primeira exposição impressionista realizada dois anos depois, retrata uma jovem de perfil, sentada ao lado de um berço onde dorme um bebê. A mãe não é apenas modelo, mas uma das duas irmãs da artista, Edma, imortalizada com a sobrinha de Berthe, a pequena Blanche. Este duplo retrato foi concebido para abordar de forma consciente o tema da maternidade, um dos temas preferidos da pintora, que gostava de retratar cenas íntimas que sempre revelavam o vínculo de amor existente, especialmente entre mães e filhas. Para explicitar esta ligação eterna estão também os pequenos detalhes da composição, como os rostos dos dois protagonistas, ligados por uma diagonal composicional, bem como o gesto da mãe de proteger o pequeno, tanto com o olhar como com um véu e, por fim, o fato de ambos os sujeitos estarem com os braços flexionados.
Claude Monet: Mulher com sombrinha - Madame Monet e seu filho, 1875. Tela a óleo, 100 cm × 81 cm. Galeria Nacional de Arte, Washington, DC.
Claude Monet: Mulher com sombrinha - Madame Monet e seu filho (1875)
Socorro, não consigo parar de mencionar Monet, mas, novamente, você não se atreveria a falar excessivamente sobre ele enquanto discutia as obras-primas mais famosas do impressionismo? Pessoalmente, decidi concluir a minha classificação com uma das pinturas mais conhecidas do mais famoso dos impressionistas: Mulher com sombrinha - Madame Monet e seu filho (1875)! Esta obra, juntamente com a sua “contraparte” Mulher com Guarda-Sol - Madame Monet e Seu Filho, está guardada no Musée d'Orsay e destaca-se pela temática que explora. Na verdade, o pintor francês era bastante conhecido pelas suas paisagens, certamente mais favorecidas do que a exaltação da figura humana, que, neste caso, assume a forma de Suzanne Hoschedé, esposa do pintor impressionista americano Theodore Earl Butler. O interesse por este tema surgiu num contexto específico: o mestre observava Suzanne enquanto ela subia uma colina na Île aux Orties, local e situação onde interessantes jogos de luz se reproduziam no vestido da menina. Essa mesma visão deu origem a uma pintura que apresenta uma figura com roupas típicas da burguesia da época, buscando a sombra do sol com um guarda-chuva, imersa em uma paisagem bucólica, onde a natureza aparece exuberante. Por fim, a artista torna-o ainda mais especial ao conferir-lhe uma monumentalidade peculiar, conseguida através de uma perspectiva baixa, pronta a elevar a imagem de Hoschedé, cujo rosto, apenas "delineado", está na sombra, tal como a maior parte do seu corpo captado por trás.
Olimpia Gaia Martinelli