O que se entende por história da arte holandesa?

A história da arte holandesa é muitas vezes confundida com a flamenga, uma vez que, antes do século XVI, ou seja, da independência e, portanto, do nascimento da República Holandesa, a Holanda estava unida à Holanda do sul, que, conhecida como Flandres, pode ser localizada no território da atual Bélgica. Esses dois países, mesmo quando ambos estavam sob domínio espanhol, diferiam marcadamente no tipo de produção artística, em que os flamengos católicos, representados por mestres como Rubens e Antoon van Dyck, produziam obras predominantemente luxuosas da corte e muitas vezes religiosas, enquanto os mestres holandeses, como Johannes Vermeer e Rembrandt, por exemplo, guiados pela ideologia do protestantismo, tendiam mais a celebrar o mundo real, que, na época, era dominado pela ciência e pelo comércio de sua fecunda nação. Em resumo, a pintura, o grafismo e a escultura flamengas foram produzidos em uma área semelhante em tamanho à Bélgica moderna, embora o referido adjetivo seja usado para descrever o trabalho realizado dentro de uma região histórica que na verdade era muito maior, abrangendo os vizinhos Brabante, Hainaut, Picardia e Artois . A referida produção artística assumiu um papel decisivo na história figurativa europeia sobretudo entre os séculos XV e XVII, enquanto, no que diz respeito à Holanda, é impossível não mencionar a Idade de Ouro das artes, que se estendeu sensivelmente ao longo do século XVII.

Taco Eisma, A sala , 2022. Óleo sobre tela, 60 x 80 cm.

Van Lanigh, A colheita , 2022. Óleo sobre tela, 60 x 50 cm.

A era de ouro da arte holandesa

A denominação Idade de Ouro denota aquele período particular da história holandesa que, localizado entre os séculos XVI e XVII, ou seja, posterior à conquista da autonomia política, foi marcado por um formidável desenvolvimento da ciência e do comércio, para dizer o mínimo. Neste contexto, as artes figurativas, que devem necessariamente ter sido afetadas e consequentemente refletidas por este clima florescente, floresceram de forma extraordinária, tornando-se modelo para toda a tradição da arte europeia. Em particular, no que se refere à pintura da Idade de Ouro, pode-se situar no espaço temporal de cerca de 1620 a 1672, período em que as representações sacras e os temas bíblicos foram fortemente negligenciados, de modo a privilegiar cenas de género, naturezas-mortas, "pequenas bagatelas", paisagens, tronies e retratos realistas, destinados a satisfazer as exigências de uma clientela secular e mercantil, e não institucional, eclesiástica e aristocrática. É precisamente este tipo de produção figurativa, juntamente com mapas e gravuras, que se espalha com grande sucesso dentro das casas dos holandeses, tanto que, muitas vezes, tem sido captada em pinturas da época, onde é possível discernir obras de pequeno formato extremamente comerciais. No entanto, vale destacar como não faltaram pinturas de grande formato, o que certamente foi potencializado pelo aumento gradual da prosperidade do país. Falando do estilo das pinturas da época, o realismo destas últimas era muitas vezes acompanhado pela precisão com que a luz e o brilho eram reproduzidos, muitas vezes justapostos com um impressionante cuidado e atenção aos detalhes, certamente herdados da tradição flamenga próxima. Em conclusão, é bom enfatizar como tais características estilísticas holandesas atuaram como abridores de portas para um tipo inovador de representação da sociedade, que foi capturada através de figuras únicas, famílias camponesas, cenas de taverna, cenas de festa, mulheres no trabalho, aldeia ou cidade cenas, cenas com animais, e muitos outros. Por fim, é impossível não mencionar os mestres mais emblemáticos da Idade de Ouro, como, por exemplo, Rembrandt, Veermeer, Johannes Vermeer, Frans Hals, Jan Steen, Rachel Ruysch e Judith Leyster.

Roco.Studio, Retrato rosa , 2020. Acrílico sobre tela, 115 x 95 cm.

Karin Sommen, Onderbovenwater , 2019. Acrílico sobre tela, 140 x 100 cm.

A "Idade de Ouro" contemporânea

Assim como entre os séculos XVI e XVII, período de grande significado para as artes figurativas holandesas, o mundo contemporâneo continua a ser influenciado pelo ponto de vista criativo da Holanda, que continua a se distinguir por técnicas, estilos e assuntos extremamente inovadores de investigação trazida pela obra de alguns artistas populares emergentes, como, por exemplo, Wouter le Duc, Wouter Venema, Koen Taselaar e Jonathan van Doornum. Além disso, a Holanda representa hoje um dos maiores mercados de arte contemporânea na Europa em desenvolvimento, onde a rica oferta é muitas vezes reforçada e destacada, através da organização de múltiplos eventos, como a conhecida Rotterdam Art Week. Por fim, neste próspero contexto, é impossível não considerar a inédita e variada investigação figurativa de artistas holandeses de Artmajeur, bem representados pelas obras de Bart Stillekens, NCJ Stam e René Rikkelman.

Bart Stillekens, caveira de íbex , 2022. Escultura, metais/resina, 40 x 40 x 40 / 1,00 kg.

Bart Stillekens: crânio de íbex

Bart Stillekens, também conhecido pelo diminutivo B-art, é um eclético pintor e escultor contemporâneo holandês nascido em 1993, cuja investigação artística é realizada através da utilização de múltiplos materiais e técnicas, que se expressam numa experimentação contínua. Uma parte indiscutível de sua produção são as esculturas de vaidade mínima em resina e metal, que, reduzidas a meros crânios de animais de ouro, são bem exemplificados pela obra de 2022 Caveira de íbex , destinada a reproduzir o crânio de íbex. Este último, provavelmente feito com a intenção de cruzar o olhar do espectador, como uma espécie de memento mori visual, também convida a desfrutar dos prazeres da vida, sugeridos pela cor dourada, que sempre simbolizou o sol, o calor, a força , poder e riqueza, mas também incorruptibilidade e imortalidade divina. Falando em história da arte, vale a pena considerar quão precisamente o gênero da vaidade teve seu maior desenvolvimento na Holanda do século XVII, onde se tornou sinônimo da precariedade que varreu o continente europeu após a Guerra dos Trinta Anos e a disseminação de epidemias.

NCJ Stam, O fardo da coroa , 2021. Escultura/colagem em bronze, 20 x 10 x 8 / 3,00 kg.

NCJ Stam: O fardo da coroa

NCJ Stam, também conhecido como Co Stam, é um escultor holandês contemporâneo nascido em 1942, que se expressa principalmente pela modelagem do bronze, material através do qual investiga principalmente a figura humana e, secundariamente, também a figura animal. A técnica utilizada para criar as obras do artista Artmajeur é a da "cera perdida", processo difundido já no terceiro milênio aC, segundo o qual é feito um modelo de cera, que é coberto com argila, criando um molde. Então, através de orifícios na argila, a cera é forçada para fora do molde aquecendo-o, após o que o bronze fundido é derramado nele. Ao final da operação, posterior à retirada do molde, obtém-se uma escultura em bronze idêntica ao modelo de cera inicial. Esta técnica de "cera perdida", que atende pelo nome de método direto, distingue-se bem do método indireto, segundo o qual o modelo de cera é construído em cima de um de barro, permitindo criar formas ocas dentro dele. Foi justamente pelo uso do processo histórico que foi criada a irreverente escultura O fardo da coroa , destinada a retratar o titã da mitologia grega Atlas, que, em vez de ser condenado a carregar o universo nos ombros, deve suportar o peso de as tragédias atualmente não resolvidas do Covid-19.

René Rikkelman, Sensual lips gold , 2020. Escultura, resina sobre madeira, 40 x 60 x 20 cm / 3,00 kg.

René Rikkelman: lábios sensuais dourados

René Rikkelman, escultor holandês contemporâneo nascido em 1959, prefere a criação de obras estilizadas, que, criadas inicialmente em cera ou barro, são posteriormente fundidas em bronze, metal que visa expressar uma linguagem figurativa em busca constante de linha ou forma sensual . Precisamente esta última aspiração foi amplamente concretizada na obra Sensual lips gold , destinada a imortalizar um close-up suave, sinuoso, erótico e refinado da boca carnuda de uma mulher suavemente entreaberta. Seguindo o mesmo propósito, o sofá em forma de lábio, projetado por Gufram em 1970 e exposto nos museus mais importantes do mundo, incluindo o Louvre (Paris), o Museum of Applied Art and Science (Sydney) e o Design Museum (Munique), procurou tornar icônico um dos símbolos por excelência da beleza feminina. No entanto, as origens deste agora lendário objeto de design podem ser encontradas na história da arte, pois este sofá foi, sem dúvida, inspirado no rosto de Mae West, imortalizado na pintura de Salvador Dali de 1935.