Com a chegada do Salon du dessin 2025 , que reunirá colecionadores, especialistas e entusiastas do mundo inteiro no Palais Brongniart, em Paris , este é o momento perfeito para celebrar o papel fundamental do desenho na história da arte.
Dos estudos mais delicados às expressões mais ousadas, o desenho sempre esteve no coração da criação artística, oferecendo um vislumbre privilegiado das mentes dos maiores mestres. Em homenagem a este prestigioso evento, apresentamos 10 desenhos essenciais , obras atemporais que narram a evolução da técnica, da visão e da criatividade.
Andrea Mantegna, Homem Reclinado em uma Laje de Pedra, 1470-80. Desenho a caneta e tinta. Curador do Museu Britânico.
Andrea Mantegna – Homem reclinado sobre uma laje de pedra (1470-80)
A obra Reclining Man on a Stone Slab , criada entre 1470 e 1480 usando caneta e tinta , incorpora a extraordinária habilidade de Andrea Mantegna de combinar precisão anatômica, drama expressivo e perspectiva ilusionista sem precedentes . O homem retratado, com seu corpo semi-reclinado e uma expressão de dor e abandono , exala uma tensão escultural que o faz parecer vivo e tangível , quase tridimensional em seu realismo. A obra de arte agora está abrigada no Museu Britânico .
Este desenho está em diálogo direto com o célebre Cristo Morto de Mantegna, preservado na Pinacoteca di Brera . Ambas as obras compartilham a mesma pesquisa de perspectiva e o desejo de experimentar o encurtamento anatômico , um elemento definidor da arte de Mantegna. O desenho não precede o Cristo Morto , mas é contemporâneo a ele , demonstrando como o artista estava engajado em uma exploração profunda da representação tridimensional da figura humana . A posição do corpo, o encurtamento extremo e a intensidade expressiva sugerem uma forte conexão entre as duas obras, unidas pela mesma tensão plástica e fascínio pelo ilusionismo espacial .
Leonardo da Vinci, Homem Vitruviano, 1490. Desenho a caneta e tinta sobre papel. Gallerie dell'Accademia, Veneza.
Leonardo da Vinci – Homem Vitruviano (1490)
Desenhado por Leonardo da Vinci por volta de 1490 , o Homem Vitruviano é uma das imagens mais icônicas da história da arte. A obra retrata um homem inscrito dentro de um círculo e um quadrado , demonstrando as proporções ideais do corpo humano segundo as teorias do arquiteto romano Vitrúvio .
O círculo , simbolizando o cosmos e a perfeição divina , e o quadrado , representando a dimensão terrena , se cruzam dentro da figura humana, que se torna o elo entre o microcosmo e o macrocosmo . Este conceito, derivado da filosofia platônica e neoplatônica , reflete o ideal renascentista do homem como a medida de todas as coisas .
O estilo de Leonardo se distingue por sua extraordinária precisão anatômica , resultado de estudos meticulosos do corpo humano. Diferentemente de representações Vitruvianas anteriores, seu desenho é baseado em observação direta , em vez de simplesmente replicar o texto clássico.
Leonardo da Vinci, Auto-Retrato, 1517-18. Desenho de giz vermelho sobre papel. Biblioteca Reale, Turim.
Leonardo da Vinci – Auto-retrato (1517-18)
O Autorretrato de Leonardo da Vinci, criado por volta de 1517 , definiu a imaginação coletiva do gênio renascentista . Este desenho em giz vermelho sobre papel , caracterizado por um traço confiante e fluido , combina magistralmente precisão técnica e profunda introspecção psicológica . O sujeito, um homem idoso com um rosto desgastado pelo tempo , olha para o observador com um olhar penetrante e expressivo .
O sutil claro-escuro , obtido através do controle magistral de Leonardo sobre o giz vermelho , dá ao retrato uma forte sensação de volume e tridimensionalidade , emprestando-lhe uma qualidade quase escultural. Seu traço essencial, porém profundo , enriquecido com sombreamento delicado, enfatiza a suavidade das características faciais e aumenta a sensação de profundidade.
Embora originalmente concebido como um desenho independente, o Autorretrato de Leonardo influenciou muito o mundo da gravura , sendo reproduzido e amplamente disseminado por meio de impressões desde o século XIX . Uma das primeiras reproduções foi feita em 1810 , quando Giuseppe Bossi criou uma gravura do retrato para seu tratado Il Cenacolo di Leonardo da Vinci , consolidando ainda mais sua fama. A obra ressurgiu em 1839 , quando se tornou parte da coleção da Casa de Saboia , antes de ser permanentemente abrigada na Biblioteca Reale de Turim .
Embora seja universalmente reconhecido como a semelhança autêntica de Leonardo , alguns estudiosos questionaram essa identificação ao longo do tempo, propondo que o sujeito poderia ser Ser Piero da Vinci (seu pai), seu tio Francesco ou mesmo um filósofo da antiguidade . No entanto, uma comparação com o conhecido desenho de perfil de Leonardo em Windsor , atribuído a seu aluno Francesco Melzi , fortaleceu a ideia de que este é de fato um retrato do Mestre nos últimos anos de sua vida . Esta interpretação se alinha com uma descrição de 1517 feita pelo secretário de Luigi d'Aragona , que retratou Leonardo como um homem com mais de setenta anos .
Albrecht Dürer, Mãos em Oração, c. 1508. Desenho. Albertina, Viena.
Albrecht Dürer – Mãos em Oração (c. 1508)
O desenho de Albrecht Dürer é uma obra que transcende o tempo, reconhecida em todo o mundo ocidental como um símbolo universal de fé e devoção . Criada com caneta e tinta em papel azulado , esta obra-prima retrata duas mãos masculinas unidas em oração , com dedos finos e pulsos parcialmente cobertos por mangas enroladas .
A extraordinária atenção de Dürer aos detalhes , do refinado claro-escuro à representação tridimensional , demonstra sua notável habilidade gráfica , capaz de imbuir até mesmo um simples estudo anatômico com profunda expressividade.
Tradicionalmente, o desenho tem sido considerado um estudo preparatório para as mãos de um apóstolo destinadas a aparecer no painel central do Retábulo de Heller , encomendado para a igreja dominicana em Frankfurt e tragicamente destruído em um incêndio em 1729. No entanto, pesquisas recentes sugerem que o desenho não foi meramente um estudo preliminar , mas sim uma reformulação altamente refinada e virtuosa das mãos pintadas no retábulo — uma imagem que Dürer pode ter trazido de volta para a Alemanha após sua renomada viagem à Itália .
Michelangelo Buonarroti, Crucificação para Vittoria Colonna, 1545. Carvão sobre papel. Museu Britânico, Londres.
Michelangelo Buonarroti – Crucificação de Vittoria Colonna (1545)
Criado por volta de 1545 , Crucificação para Vittoria Colonna é um desenho a carvão sobre papel atribuído a Michelangelo Buonarroti , agora abrigado no Museu Britânico em Londres . Esta obra é um dos exemplos mais íntimos de sua produção gráfica , profundamente conectada à sua amizade com Vittoria Colonna , uma nobre e poetisa intimamente associada aos círculos da Reforma .
Diferentemente das representações tradicionais da Crucificação , o Cristo de Michelangelo não parece estático na cruz , mas sim parece levitar, subindo em um movimento rotacional . Seu corpo, modelado com extraordinária plasticidade anatômica , se contorce de uma forma que transmite tanto dor quanto ascensão espiritual , como se já projetado em direção à ressurreição . De cada lado, dois anjos de luto , representados com linhas essenciais , participam da cena com intensa carga emocional.
A interpretação dinâmica do corpo de Cristo pode refletir as influências do pensamento da Reforma Católica , que enfatizou sua morte como o único caminho para a salvação individual , destacando o sacrifício como o ato máximo de redenção .
Raphael Sanzio, Estudo das Cabeças e Mãos de Dois Apóstolos , 1519-20. Desenho. Ashmolean Museum, Oxford.
Rafael Sanzio – Estudo das cabeças e mãos de dois apóstolos (1519-20)
Este estudo preparatório para A Transfiguração , o grande retábulo pintado entre 1518 e 1520 , agora abrigado na Pinacoteca do Vaticano , é uma obra extraordinária que oferece uma visão do processo criativo de um dos maiores mestres da história da arte .
O desenho apresenta duas figuras contrastantes : um jovem com um rosto idealizado e um homem idoso com uma barba esvoaçante , ambos imersos em intensa participação emocional na cena da Cura do Menino Possuído , retratada na parte inferior da pintura. A habilidade de Rafael reside em sua capacidade de caracterizar rostos com extrema sensibilidade , tornando o pathos da cena quase tangível .
O traço de giz preto , manuseado com uma gama tonal excepcional , permite uma modulação delicada de luz e sombra , prenunciando o claro-escuro pictórico da pintura final. Este estudo não é meramente um exercício anatômico , mas uma investigação profunda sobre a natureza humana e suas emoções conflitantes .
A folha também revela traços de pouncing , uma técnica usada para transferir os contornos das cabeças e mãos de um cartoon preparatório maior em escala real . Isso demonstra como o artista refinou progressivamente a composição, focando nos detalhes mais expressivos para atingir a perfeição na execução pictórica .
Rembrandt van Rijn, Auto-retrato, 1637. Giz vermelho. Galeria Nacional de Arte, Washington.
Rembrandt van Rijn – Auto-retrato (c. 1637)
Entre a vasta coleção de autorretratos de Rembrandt, que inclui mais de 40 pinturas, 31 gravuras e vários desenhos , o retrato em giz vermelho criado por volta de 1637 , agora abrigado na National Gallery of Art em Washington , se destaca por sua imediatez e vitalidade expressiva .
Nesta obra, Rembrandt retrata a si mesmo usando um chapéu de abas largas e uma vestimenta ricamente plissada , mas o verdadeiro ponto focal da composição é seu rosto , renderizado com linhas suaves, fluidas e quase esboçadas , dando à figura um ar espontâneo e contemplativo . Seu olhar direto e levemente irônico , combinado com um traço rápido e vibrante , revela não apenas sua maestria técnica , mas também seu desejo de explorar continuamente sua própria imagem de novas maneiras .
Este desenho faz parte do autoexame de Rembrandt ao longo de sua carreira: desde seus primeiros autorretratos , onde ele aparece como um artista ambicioso e emergente , até os retratos poderosos e melancólicos da velhice , marcados por sombras profundas e introspecção .
Edgar Degas, Danseuse Debout, c. 1877. Museu Nacional de Belas Artes, Buenos Aires.
Edgar Degas – Danseuse Debout (c. 1877)
Entre os artistas que capturaram o mundo da dança com extraordinária sensibilidade , Edgar Degas ocupa um lugar de honra. Sua obra Danseuse Debout (c. 1877 ), criada em pastel sobre papel , é um exemplo perfeito de sua capacidade de retratar o movimento, a graça e o esforço das bailarinas da Ópera de Paris .
O desenho retrata uma jovem dançarina em um momento de preparação : seu tronco ligeiramente inclinado, um braço estendido e uma perna levantada , sugerindo um exercício de aquecimento ou um momento de equilíbrio . Degas não busca a pose teatral perfeita, mas sim o momento fugaz, a espontaneidade do movimento . A bailarina parece completamente absorvida em seu próprio mundo, sem autoconsciência ou performance , como se não tivesse consciência do olhar do artista.
A escolha dos pastéis , com seus traços suaves e delicadas nuances de cor , permite a Degas enfatizar a luminosidade do tutu, o brilho de seda das meias-calças e das sapatilhas de balé . Suas linhas rápidas e vibrantes parecem esculpir a figura com energia, enquanto o fundo indefinido chama a atenção para a ação da dançarina, destacando seu movimento e presença.
Vincent van Gogh, Sorrow, 1882. Desenho, The New Art Gallery Walsall, Inglaterra.
Vincent van Gogh – Tristeza (1882)
Criado em 1882 , Sorrow é uma das primeiras obras-primas gráficas de Vincent van Gogh , uma obra intensa e dramática que revela o profundo senso de empatia do artista pelos marginalizados . Este desenho a lápis e tinta retrata Clasina Maria Hoornik , conhecida como Sien , uma mulher grávida e abandonada , cujo corpo carrega as marcas de uma vida dura .
A figura feminina aparece sentada, com o tronco inclinado para a frente, braços cruzados sobre as pernas , numa postura que expressa exaustão, desespero e resignação . Seu corpo está nu , mas desprovido de idealização — é um retrato cru e realista do sofrimento humano .
A obra é acompanhada da inscrição:
“Comment se fait-il qu'il y ait sur la terre une femme seule, délaissée?” ( Como pode haver na terra uma mulher sozinha, abandonada? ), uma citação do historiador Jules Michelet . Esta frase fornece um elemento interpretativo chave , revelando que o desenho não é apenas um retrato , mas também uma denúncia social da situação das mulheres marginalizadas no século XIX .
Sien Hoornik não era apenas uma modelo para Van Gogh, mas uma mulher com quem ele compartilhou uma parte de sua vida. Ele a conheceu nas ruas de Haia em janeiro de 1882 — ela estava grávida, destituída e forçada à prostituição para sobreviver . Van Gogh a acolheu e a apoiou por cerca de um ano, formando um vínculo que, para ele, representava um ato de caridade e solidariedade .
Pablo Picasso, Fauno Revelando uma Mulher Adormecida (Júpiter e Antiope, após Rembrandt), 1936. Tate, Londres.
Pablo Picasso – Fauno Revelando uma Mulher Adormecida (Júpiter e Antiope, após Rembrandt) (1936)
Pablo Picasso, Fauno Revelando uma Mulher Adormecida (Júpiter e Antiope, após Rembrandt), 1936
Tate, Londres.
A obra é inspirada em um episódio da mitologia clássica, anteriormente representado por Rembrandt em 1659: a história de Júpiter e Antiope, na qual o deus, disfarçado de sátiro, aproxima-se furtivamente da princesa adormecida. No entanto, a reinterpretação de Picasso vai muito além da referência histórica, transformando o tema em uma imagem de forte tensão erótica e ambiguidade narrativa.
O fauno, uma figura mitológica associada aos instintos primordiais e à sexualidade, inclina-se sobre uma mulher adormecida, levantando o véu que a cobre. O corpo feminino, suave e opulento, contrasta com a fisionomia mais agressiva e animal da criatura masculina, enfatizando a dualidade entre passividade e domínio, sonho e realidade.
Picasso emprega uma combinação de água-forte e ponta-seca, técnicas de gravura que lhe permitem obter uma riqueza de linhas e texturas comparáveis às do desenho. Suas linhas fluidas e rápidas parecem quase esboçadas, enquanto as sombras intensas e superfícies riscadas criam um contraste dramático, aumentando a tensão da cena.
A semelhança entre esta gravura e o estilo gráfico de Picasso é notável: o traço inquieto e fragmentado lembra seus estudos a lápis e carvão, enquanto os efeitos de claro-escuro acentuam o volume e a tridimensionalidade das figuras, como se tivessem sido esculpidas no papel antes de serem gravadas na chapa.
Olimpia Gaia Martinelli
