Top tien modefotografen

YEUX DE BICHE 3/3 (2023) Fotografie door Bettina Dupont.

Modefotografie: verhaal voor luie mensen

Dit artikel is bedoeld voor iedereen die meer wil weten over fotografie, maar te lui is om te studeren. Dit artikel is gemaakt voor iedereen die het lezen van Wikipedia beu is, omdat ze naast de lijst met data of een nogal koude interpretatie, dringend gestimuleerd, vermaakt en begeleid moeten worden bij het leren. Dit artikel zal, in een poging minder saai en uitdagend te zijn, vertellen over de geschiedenis van de modefotografie, een onderwerp dat zal worden gevolgd door de presentatie van de tien beste kunstenaars op dit gebied. Voordat ik met doel nummer één vertrek, zal ik je vertellen wat modefotografie is, waarbij ik probeer niet toevlucht te nemen tot al te veeleisende definities, maar het onderwerp uit de kast te halen om het voor iedereen betaalbaar te maken. Dus simpel gezegd: ken jij de oudste beeldende kunst? Welnu, hierin is er bijvoorbeeld het genre van het landschap, dat alle schilderijen verzamelt die naturalistische uitzichten tonen. Als ik het dus over modefotografie heb, bedoel ik al die beelden die kleding en accessoires van de kleding vastleggen, die min of meer gedragen kunnen worden door modellen en modellen, zowel buiten als binnen vastgelegd. Tot nu toe kunnen we ervan uitgaan dat fotografie en schilderkunst vergelijkbaar zijn, hoewel het in het eerste geval belangrijk is om erop te wijzen hoe een dergelijke artistieke productie, vooral vanaf het begin, verband hield met de beelden die door modetijdschriften werden verspreid (denk aan de iconische La mode practique, Harper Bazar en Vogue), een context waarvan het zich geleidelijk ook heeft losgemaakt, aangezien enkele van zijn bekendste exponenten erin zijn geslaagd het tot een kunstvorm te verheffen, die zelfs buiten de puur commerciële wereld bestaat. Ik ben op dit punt gekomen door te ontsnappen aan de stijl van Wikipedia, dat wil zeggen zonder te verwijzen naar een dwangmatige opeenvolging van data, hoewel ik op dit punt, in ieder geval om mijn verhaal in een historische periode te oriënteren, erop zou willen wijzen hoe de fotografie -de relatie met tijdschriften ontstond in de 19e eeuw, terwijl de artistieke interpretatie ervan ruwweg in de jaren dertig moet worden geplaatst, via het werk van grote meesters van het genre, zoals Irving Penn, Martin Munkacsi, Richard Avedon en Louise Dahl- Wolf. In ieder geval is het de moeite waard om te benadrukken hoe deze laatsten niet de zichtbaarheid zouden hebben bereikt die nodig is om hun standpunten op te dringen als de modefotografie in de twintigste eeuw niet geleidelijk een nieuwe status had verworven, die daaraan werd gegeven door de toegenomen belangstelling van het publiek voor modeshows. , ontwerpers en modellen. Nu de geschiedenis van de fotografie is vereenvoudigd, dat wil zeggen tot het absolute minimum is teruggebracht, zodat u het zich misschien voor eens en voor altijd kunt herinneren, gaan we over tot de presentatie van de tien fotografen...

'ROSÉ' (2021) Fotografie door Dasha & Mari.

Top tien modefotografen

Adolf de Meyer, via Wikipedia.

1. Baron Adolf de Meyer

Het verhaal gaat verder in de individuele introducties van de fotografen, die zullen worden onderzocht op hun stijl, omdat ik sterk wilde proberen te voorkomen dat de stadia van hun bestaan mechanisch opnieuw worden beschreven, net zoals mijn nu aartsvijand (grapje) Wikipedia doet. Vanaf Baron Adolf de Meyer is bekend dat de in 1868 geboren Fransman de eerste fotograaf van Vogue was, die zich onderscheidde door het gebruik van een defecte lens, waardoor zijn beelden een onvergetelijke schijn van onscherpte kregen. Wat het werk van Adolf de Meyer naast deze eigenaardigheid onderscheidde, was het feit dat hij ophield met het systematisch portretteren van dames uit de hogere kringen, elegante voorbijgangers, modellen, enz., om zichzelf tot doel te stellen het onsterfelijk gemaakte onderwerp te interpreteren, dat, Als exponent van een stijl werd hij een soort medewerker van de fotograaf, klaar om zich daarin aan te passen, om op authentieke wijze ontdekt te worden. De resultaten waren, voor de tijd in kwestie, ongekende foto's die niet alleen de kleding maar ook de stemmingen van de modellen konden weergeven, gevoelens die het genre voor het eerst transformeerden in een soort communicatieve modus, die niet alleen in staat was om te onthullen wat we zijn, maar ook hoe we graag willen verschijnen.

De vijver - Maanlicht (1904) door Edward Steichen

2. Edward Steichen

Van Edward Jean Steichen (1879-1973), een in Luxemburg geboren Amerikaanse fotograaf, schilder en curator, is bekend dat hij, samen met de eerder genoemde Adolph de Meyer, een pionier was van het genre in kwestie, aan wie hij een artistieke benadering schonk. evenals een enigszins picturalistische stijl, waarin een zachte focus vorm kreeg, vergezeld van esthetische retouches, klaar om zich te onderscheiden van de mechanische, scherpe beelden gemaakt door zijn commerciële collega's van die tijd. Dit alles zou niet mogelijk zijn zonder een behendig vleugje verbeeldingskracht, flair en een verlangen om te experimenteren, net zoals naar voren komt op de foto gepubliceerd in de Vanity Fair van februari 1928, waarop Steichen Gloria Swanson vastlegde terwijl ze een stuk zwarte kanten sluier over haar lichaam legde. haar gezicht. In dit laatste idee herkende de vrouw zichzelf zo erg dat ze haar blik verwijdde en die van een luipaard imiteerde, klaar om van achter een struik aan te vallen, terwijl ze naar haar prooi keek en voorproefde. Juist hier laat de voorgaande beschrijving zien hoe de modefotografie, samen met Edward Jean Steichen, haar steriele herhaling schuwde, in de modellen een originele interpretatie zocht van de jurk of het accessoire in kwestie, en zo die eeuwenoude relatie herschepte, die eeuwenlang de schildersstijl met elkaar heeft verbonden. flair voor het acteervermogen van zijn favoriete model.

Lee Miller tijdens de Tweede Wereldoorlog, via Wikipedia.

3. Lee Miller

Lee Miller (1907-1977), voordat ze fotograaf werd, was een model, zowel voor haar vader als voor enkele relevante fotografen uit haar tijd, zoals Edward Steichen, George Hoyningen-Huene en Arnold Genthe, die haar vastlegde voor Vogue vóór 1929, toen Miller besloot over te stappen naar de andere kant van de lens, om ook samen te werken met de grote Man Ray. Als we snel naar haar standpunt kijken, kunnen we een idee krijgen van dit laatste door de glamoureuze foto te beschrijven waarmee de fotograaf in 1933 actrice Lilian Harvey vastlegde, met de bedoeling een elegante en opvallende avondjurk van satijn en pailletten te dragen, versterkt door een deels liggende houding waarbij het model balans vindt op haar linkerarm. Wat het echter enigszins eigenaardig maakt, is het fotografische proces van solarisatie, waarbij de beelden, door de film tijdens de ontwikkeling opzettelijk te overbelichten, gedeeltelijk negatief worden. Deze techniek transformeerde de jurk en het figuur tegelijkertijd, waardoor zowel de hand, de definitie van de jurkmouw als de achtergrondruimte vervaagden. Dit alles wordt gevolgd door de aanwezigheid van sterke kleurcontrasten, die vorm krijgen in het bovengenoemde liggende lichaam, dat geleidelijk steeds platter en onwezenlijker lijkt, zodat het onderwerp, met een veelbetekenende glimlach, geleidelijk lijkt op te lossen in ruimte.

4. Helmut Newton

Elsa Peretti in een Halston Bunny-kostuum, New York (1975): dit is de opname waarmee ik het werk wil presenteren van Helmut Newton (1920-2004), die in dit specifieke geval Peretti, model en latere sieraden vastlegde ontwerpster, betrapt tijdens het poseren voor de Franse Vogue, gekleed in een konijnenkostuum op het dak van haar appartement in New York. Het krijgt allemaal vorm tegen de achtergrond van de eerder genoemde metropool, een plek waar typische sferen van de nacht zich bij daglicht openbaren, waarschijnlijk verwijzend naar een vorm van onthuld voyeurisme. Wat zojuist is beschreven, is zeker geïnspireerd door de Palyboy-ervaring van de fotograaf, die vervolgens besloot om vrijelijk de vrouwelijke erotiek en seksualiteit te verkennen, dimensies die klaar waren om op innovatieve wijze het genre van de modefotografie te betreden. Destijds werd een dergelijke benadering van de kleurenblinde fotograaf feitelijk gezien als zeer sensueel, soms sadomasochistisch, gestileerd of zelfs fetisjistisch. Ondanks het extremisme van sommige evaluaties is het zeker dat de kunstenaar vrouwen in een nieuw licht wilde portretteren, door de nadruk te leggen op een dominante aard, vastgelegd door vreemde hoeken, dramatische verlichting en vakkundig samengestelde en gecomponeerde erotische poses, klaar om aanleiding te geven tot tot sterke en provocerende visies.

5. Richard Avedon

Richard Avedon, geboren in 1923, was een Amerikaanse fotograaf en portretkunstenaar, uiterst beroemd om zijn talloze zwart-witportretten, die opvielen in verschillende genres, waaronder die van reportage en mode, waarbij bijvoorbeeld de impact van shots zoals Dovima met olifanten, Dior-avondjurk, Cirque d'Hiver, Parijs (1955) blijft onsterfelijk. De laatste foto onthult de stijl van de meester en presenteert zichzelf als een spel van contrasten, waarbij de bleke huid van het model contrasteert met haar lint en de donkergrijze huid van de ruwe en gerimpelde olifanten, klaar om te spreken over het verstrijken van de tijd, waarop de De jonge vrouw lijkt niets te vrezen te hebben en neemt een sterke, zij het enigszins hoekige houding aan. Tegenpolen trekken elkaar opnieuw aan in de lijnen, omdat de strengheid van de vrouw zich lijkt te onderscheiden van de instinctieve maar zware dierlijke rondingen. Hoewel de bewuste opname de opkomst van de meester op het gebied van de modefotografie markeerde, herinnert hij zich het met een zekere spijt: "Ik kijk vandaag nog steeds naar die foto en ik weet niet waarom ik de band aan de linkerkant niet had pop eruit om de lijn van de afbeelding compleet te maken. Voor mij zal de foto altijd een mislukking zijn omdat die sjerp er niet is."

6. Ellen von Unwerth

Ellen von Unwerth is een Duitse fotograaf geboren in 1954, die haar carrière als model begon voordat ze een icoon werd van mode- en reclamefotografie, gespecialiseerd in het vrouwelijke onderwerp, dat ze interpreteert door te verwijzen naar het voorbeeld uit het werk van Guy Bourdin en Helmut Newton. Het thema dat de kunstenaar vooral aansnijdt, ligt in de versterking van de kracht van de vrouwelijke blik, evenals in het vermogen ervan om erotiek uit te buiten, dat, soms op een provocerende manier opgevat, zinspeelt op de emancipatie van de eerlijkere sekse, en dit vertelt via de evocatie van een glamoureus standpunt, gericht op het presenteren van visuele elementen die zowel kalm als sterk zijn. Een dergelijk verhaal krijgt vorm, zowel in zwart-wit als in kleur, binnen klassieke en tijdloze composities en dynamische en speelse shots. Wat dit laatste aspect betreft, is het bekend dat zijn werk een speelse benadering biedt, gericht op het op hun gemak stellen van de modellen, het aanmoedigen van een positieve en enigszins spontane houding, wat ertoe leidt dat fotograaf en onderwerp samen de thema's fetisjisme, seksualiteit en vrouwelijkheid onderzoeken, terwijl hij ook probeert om de persoonlijkheid van de beeltenis te onthullen.

7. Tim Walker

Timothy Walker is een Britse modefotograaf, geboren in 1970, die zich regelmatig uitdrukt voor tijdschriften als Vogue, W en Love en een standpunt expliciet maakt dat zeker klaar is om de aandacht te trekken van iedereen die weigert volwassen te worden, in de hoop dat hij ooit volwassen zal worden. realiseerden de dromen die tot leven kwamen in hun favoriete sprookjes. In feite worden de opnamen van Walker, door het gebruik van voornamelijk zachte kleuren, gekenmerkt door het de vrije loop laten aan een kinderlijke verbeelding, klaar om de schijn aan te nemen van betoverde en tegelijkertijd delicate verhalen, die de toeschouwer ertoe brengen afstand te nemen. van de rigide mentale patronen van de volwassen wereld. Het lijkt bijna alsof de kunstenaar hem het citaat van Irving Penn heeft gegeven: "Modefotografie gaat over het verkopen van dromen en niet over kleding", om het dagelijks leven op een surrealistische, maar zeer geloofwaardige manier dichter bij magie te brengen. Deze betovering is echter niet het resultaat van de digitale manipulatie die de fotograaf mijdt, zozeer zelfs dat wat in de opname verschijnt, op authentieke wijze op de set is gecomponeerd, uitsluitend op ware grootte. Hieruit volgt dat de toeschouwer zich voelt als "er was eens", dat wil zeggen in staat om die vergeten sensaties te ervaren, klaar om hem weer de vleugels van de fantasie te laten dragen...

8. Roxanne Lowit

Roxanne Elizabeth Lowit (1942-2022) was een Amerikaanse mode- en beroemdheidsfotograaf, wiens voornaamste wens het was om geen enkel detail te missen, om het in beelden vast te leggen, met als doel een tijdperk een gezicht te geven en het op eeuwige momenten te stoppen. Haar visie vertoont een specifieke eigenaardigheid, namelijk dat ze de toeschouwer toegang geeft tot de privé, intieme en persoonlijke sfeer van de afgebeelde onderwerpen, en tevens toegang krijgt tot de felbegeerde backstage van de modewereld. In haar figuratieve onderzoek komen vooral twee componenten samen, zoals hedonisme en glamour, vaak ook uitgedrukt vanuit een nachtelijk perspectief. De eigenaardigheden van de wereld die ze vastlegde waren echter alleen maar te vatten in de tijd waarin ze vooral oefende, zoals de fotograaf, verwijzend naar haar eigen woorden, verklaarde: "Dan was er beslist meer speelsheid. De modellen hadden echt geweldige persoonlijkheden en grote charme. Tegenwoordig merk ik dat meisjes allemaal min of meer hetzelfde zijn... topmodellen hebben het echt allemaal door.'

9. David LaChapelle

David LaChapelle is een Amerikaanse fotograaf en regisseur, geboren in 1963, die actief is geweest op het gebied van mode, reclame en in een bredere zin van kunstfotografie, waarbij hij zichzelf uitdrukte vanuit een zeer persoonlijk popperspectief, dat vorm kreeg in de samensmelting van thema's voornamelijk erotisch, glitterachtig, heilig en mythologisch. Deze onderwerpen vinden hun verwerkelijking in foto's die op schilderijen lijken, gericht op het vormgeven van de dromen van de kunstenaar, wat zeker ook verwijst naar de leer van het surrealisme. Door dit laatste aspect was het mogelijk een taal concreet te maken, waarin spiritualiteit en provocatie samensmelten, binnen een mix die sprookjes en kitsh lijkt te bevatten, maar ook het voorbeeld van Michelangelo, Botticelli, Dalì en Koons, dat wordt weergegeven door het gebruik van doorschijnende kleuren en glanzende afbeeldingen die rijk zijn aan zowel speelsheid als godslastering. Op dezelfde manier wordt de verwijzing naar de cultus van beroemdheden, naar het consumentisme en de daaruit voortvloeiende expressieve vraatzucht expliciet gemaakt, zonder te vergeten hoe LaChapelle verklaarde dat hij een bijzondere bewondering had voor meesters van het kaliber Andrea Pozzo en Caravaggio, ook gezien het feit dat zijn werk is waarschijnlijk beïnvloed door het werk van Salvador Dalí, Jeff Koons, Michelangelo, Cindy Sherman en Andy Warhol.

10. Annie Leibovitz

Untitled (2017): opname van Leibovitz die gedeeltelijk haar standpunt uit de modefotografie uitlegt, in dit specifieke geval weergegeven op de cover van Vanity Fair's Hollywood-nummer, waarin elf sterren poseren in merkkleding met op elkaar afgestemde kleuren, terwijl je opvalt tegen de achtergrond van een filmstudio. De onderwerpen van de compositie zijn gerangschikt, staand, zittend of liggend, en lijken alleen verenigd door het feit dat elk van hen zijn blik naar de lens richt, wat een onbewogen uitdrukking oplevert. De cover ziet er beslist glamoureus en elegant uit, ook al is hij, volgens de gewoonte van Oscar, elk jaar met verschillende hoofdrolspelers, ook enigszins kortstondig en inwisselbaar. Het is echter dit type groepsportret van beroemdheden dat ertoe heeft bijgedragen dat de fotograaf beroemd is geworden, bekend om haar vermogen om visuele interesse te wekken dankzij haar slimme opstelling van onderwerpen, maar ook die van licht en rekwisieten. Alles is het resultaat van grote reflectie en planning, die zich idealiter verzet tegen de oppervlakkigheid van de cultus van beroemde mensen, hoewel het ook door deze lichtheid mogelijk is om het culturele moment te kennen waarop een shot vorm kreeg...