Paul Gauguin, Stilleven met drie puppy's, 1888. Olie op hout, 91,8 x 62,6 cm. Moeder.
Het genre stilleven: laten we er meteen in duiken!
Laten we maar meteen met de deur in huis vallen: als u op internet over stillevens leest, kunt u voorbeelden vinden uit de Hellenistische, Romeinse, middeleeuwse en renaissanceperiode. Ze worden gekenmerkt door de overheersende weergave van levenloze onderwerpen, zowel natuurlijke als kunstmatige. Ondanks dat dit de bepalende kenmerken van dit soort composities waren, werd het pas tegen het einde van de 16e eeuw officieel een apart genre, erkend, gespecialiseerd en gewaardeerd. Het verhaal gaat verder met aanzienlijke populariteit en verspreiding in de volgende eeuw, hoewel het stilleven in de 18e eeuw naar de onderkant van de hiërarchische ranglijst van figuratieve kunstsoorten werd gedegradeerd. Niettemin wordt de progressieve bekendheid die het genre verwierf vooral toegeschreven aan het Vlaamse voorbeeld tussen de 16e en 17e eeuw, een context waarin de term 'stilleven' werd bedacht, wat letterlijk 'stilleven' betekent. Hoewel de laatste betekenis in de Engelse talen behouden is gebleven, geldt hetzelfde niet voor de Neo-Latijnse talen, waar het woord onbeweeglijk is vervangen door dood (bijvoorbeeld "natura morta"). Deze verandering was het resultaat van een Italiaanse herinterpretatie van de term, die plaatsvond aan het einde van de 18e eeuw, waarschijnlijk als gevolg van een simpele vertaalfout, waarbij de oudere Nederlandse uitdrukking werd gewijzigd. Op dit punt gaat het verhaal verder in mijn ranglijst en demonstreert het succes van een genre dat vaak wordt onderschat, maar wel wordt aangepakt door onsterfelijke meesters uit elke artistieke stroming, trend en stroming.
Caravaggio, Fruitmand, 1597-1600. Olieverf op doek, 46×64 cm. Pinacoteca Ambrosiana, Milaan.
1.Caravaggio: Fruitmand (1600)
Laten we beginnen met een van de beroemdste werken in de kunstgeschiedenis, behorend tot het "ongelukkige" genre van het stilleven. Ik doel om te beginnen met een adrenalinekick en een neiging tot het Stendhal-syndroom op Caravaggio's Fruitmand, een meesterwerk uit 1600. Het schilderij is zowel vanuit historisch-artistiek oogpunt als qua onderwerp belangrijk. Het is niet alleen een van de vroegste voorbeelden van het artistieke stillevengenre, maar vertegenwoordigt, in overeenstemming met de Italiaanse esthetiek van realisme, niet alleen smetteloos fruit, maar ook een rotte appel en bladeren die droog zijn en vol zitten met gaten van insecten. Dit alles is door de meester bedacht om te verwijzen naar de onzekerheid van het menselijk bestaan, maar ook om de authentieke onvolmaaktheid van de natuur te vieren. Dit omvat een geweven rieten mand, die in het midden van de compositie trossen druiven, peren, appels, vijgen en perziken bevat, rustend op een houten oppervlak dat evenwijdig loopt aan de blik van de kijker. De kijker kan zich alleen maar concentreren op het realisme van het onderwerp, wat feitelijk wordt ontkend door de aanwezigheid van enkele details. Is het je eigenlijk opgevallen dat de schilder, op ongelooflijke wijze, de onmogelijke missie heeft volbracht om fruit uit verschillende seizoenen naast elkaar te plaatsen? Ten slotte wil ik ook de onderwerpkeuze van Caravaggio rechtvaardigen, die zich in een laat-maniëristische context gerechtvaardigd voelde om uitdrukking te geven aan zijn interesse in de natuur, die voorheen vaak slechts als achtergrondelement werd gebruikt in portretten of religieuze thema's.
Rembrandt, Geslachte os, 1655. Olieverf op paneel. 95,5x68,8 cm. Louvre, Parijs.
2.Rembrandt: Geslachte os (1655)
We gaan verder met de tachycardie, duizeligheid, verwarring en hallucinaties van het Stendhal-syndroom, terwijl we een meesterwerk naderen dat rijk is aan symbolische betekenissen, bedoeld om te getuigen van hoe tussen de 16e en 17e eeuw stillevencomposities zegevierden, waaronder die waarin kadavers van dieren verscheen, op te vatten als treurig en direct memento mori, ook in staat kunstenaars te oefenen die de complexiteit van vorm en kleur benaderden. Maar Rembrandts geslachte os, een meesterwerk dat het in vieren gedeeld karkas van een dier voorstelt, opgehangen aan zijn twee achterpoten, die aan een houten balk zijn vastgebonden, herinnert ons ook aan het beroemde voorbeeld van de kruisiging van Jezus. Nu zijn we op een kritiek moment in de beschrijving aangekomen, aangezien het werk feitelijk een vals stilleven voorstelt. De aanwezigheid van een vrouw op de achtergrond, die achter een halfopen deur verschijnt, maakt het schilderij zelfs tot een genreschilderij, met de bedoeling een scène uit het dagelijks leven weer te geven.
Chaim Soutine, Rundvleeskarkas, 1925. Olieverf op doek, 147,32 x 113,03 cm. Minneapolis Instituut voor Kunstcollectie.
3.Chaim Soutine: Rundvleeskarkas (1925)
Om bovenstaande om te toveren tot een waar stilleven kwam Chaim Soutine te hulp! Ik doel op zijn Beef Carcass uit 1925, feitelijk geïnspireerd op het hierboven beschreven meesterwerk, dat door de Russische meester opnieuw werd geïnterpreteerd in een reeks werken met hetzelfde onderwerp. Het is echter vermeldenswaard dat andere grote meesters, waaronder Daumier en Slevogt, hetzelfde thema benaderden, hoewel in het geval van Soutine een bijzonder emotionele interpretatie duidelijk naar voren komt, gekenmerkt door intense en verzadigde kleuren die de excentrieke persoonlijkheid van de schilder weerspiegelen. Laat ik kort stilstaan bij dit karakteristieke aspect van de kunstenaar om enkele grimmige details te onthullen over zijn uitvoering van de dierstillevens in kwestie. Soutine, bevriend met de medewerkers van een Parijse slachthuis, kocht vlees van hen en bracht het wekenlang naar zijn atelier om te schilderen, gedurende welke tijd het ook een onwelriekende ontbinding onderging... We weten niet of deze fixatie op de dierenwereld kwam voort uit een aanvankelijke ontbering, aangezien bekend is dat de kunstenaar, toen hij nog arm was, de aankoop van vlees vermeed omdat het te duur was. Paradoxaal genoeg besloot hij, toen hij eenmaal rijk was geworden, het alleen te kopen om het te bestuderen en te schilderen...
Vincent van Gogh, Zonnebloemen, 1888. Olieverf op doek, 92,2 cm x 73 cm. Nationale Galerie, Londen.
4.Vincent van Gogh: Zonnebloemen (1888)
De blik van de kijker is gericht op het enige onderwerp dat in het stilleven in kwestie is afgebeeld: een boeket zonnebloemen, gerangschikt in een vaas, hun vormen rustend op een geel oppervlak, klaar om op te vallen tegen een lichtgekleurde muur. De zonnebloemen, geoogst in verschillende stadia van rijpheid, verschijnen op dezelfde manier in een serie van zeven werken van de kunstenaar, ontworpen om de kamer in Arles te versieren die Van Gogh had bedoeld voor zijn vriend en collega Gauguin. Laat ik even stilstaan bij het woord 'vriend', waaruit blijkt dat de Franse kunstenaar in werkelijkheid pas contact opnam met Vincent nadat hij financieel gecompenseerd was door Theo van Gogh. Maar waarom was er geld nodig? Laten we zeggen dat Gauguin zich al had voorgesteld dat het leven met Vincent een beetje problematisch zou zijn, en hij had ook een hekel aan de eerder genoemde mediterrane provincie. Hoe dan ook, Paul ontdeed zich kort daarna van zijn vriend, na een van de beroemdste geschillen in de kunstgeschiedenis. Hij verliet Arles en veroorzaakte een zelfbeschadigende crisis bij Van Gogh, culminerend in het nu tragische en iconische oorverdovende incident. Terugkomend op de bloemen: het is ook bekend dat de zonnebloemen in de verschillende composities in aantal variëren, variërend van veertien tot vijftien exemplaren. Waarom deze specifieke keuze? Vincent was het getal 14 dierbaar omdat het verwees naar het aantal apostelen, terwijl hij met 15 zichzelf binnen dezelfde referentie rekende (14 apostelen + Vincent). Ironie: deze top tien gaat over gebeurtenissen die je thuis beter niet kunt uitproberen!
Paul Gauguin, Stilleven met drie puppy's, 1888. Olie op hout, 91,8 x 62,6 cm. Moeder.
5.Paul Gauguin: Stilleven met drie puppy's (1888)
Als dierenactivist die ik ben, moest ik de aanwezigheid in deze top 10 van overleden levende wezens goedmaken, een doel dat ik vervul door te praten over Gauguins Stilleven met drie puppy's, een werk dat tegelijkertijd tijd roept mijn twijfels op. Als we het over stillevens hebben, hoe kunnen de dieren dan überhaupt nog leven? Als we trouw willen blijven aan de aannames van het genre, zou de geschilderde fauna eigenlijk dood moeten zijn en zouden de levende dieren alleen acceptabel zijn als ze naar overleden modellen zijn gemaakt. We weten echter dat Gauguin in de figuratieve context waarin hij werkte, nu helemaal vrij was van dit soort oudere beperkingen, zo erg zelfs dat hij ten tijde van het maken van Stilleven met drie puppy's leefde in Bretagne samen met een groep experimentele kunstenaars. Juist bij dit laatste stapte hij af van de meer realistische representaties, wat bij sommige gelegenheden resulteerde in stilistische kenmerken met een gedeeltelijk abstract tintje, het resultaat van de eenheid die hij bepleitte tussen droom en natuur. Hoe dan ook is een doorslaggevend onderdeel van het meesterwerk ook de eigenaardige interpretatie van de stilistische kenmerken van de Japanse kunst, die bijvoorbeeld terug te vinden is in de blauwe omlijning van de lichamen van de puppy’s, maar ook in het motief van hun jassen, bedoeld om te herinneren aan die van de tafelkleedafdruk.
Paul Cezanne, Stilleven met appels en sinaasappels, 1899. Olieverf op doek, 74×93 cm. Musée d'Orsay, Parijs.
6.Paul Cezanne: Stilleven met appels en sinaasappels (1899)
Hier zijn we dan en beschrijven nog een van de meest populaire werken in het genre: waarom zei ik wat ik zei? Het is belangrijk om te weten dat veel kunsthistorici in Stilleven met appels en sinaasappels een voorloper van het kubisme hebben herkend, omdat het geometrische vormen gebruikt om de vruchten weer te geven, samen met de aanwezigheid van onderbroken lijnen in de plooien van de stof. Laten we nu beschrijven wat werd verwacht: op een canvas zijn verschillende appels en sinaasappels gerangschikt, sommige verspreid, sommige verzameld op borden, die aan de rechterkant van de steun ook gepaard gaan met de aanwezigheid van een kruik. Het bovengenoemde canvas rust op een gebloemde stof, bedoeld om de aanwezigheid van complementaire blauwe en oranje kleuren te benadrukken. Laten we ons nu verdiepen in dit chromatische aspect van het meesterwerk, volledig gericht op het beschrijven van de objecten met behulp van toonvariaties, die, in het geval van de vrucht, variëren van geel tot rood. Het zicht op deze kleuren wordt niet geboden vanuit een perspectief dat zich houdt aan geometrische regels, omdat de ruimte het resultaat is van de overlapping van zeer eenvoudige volumes, gezien vanuit een verhoogd gezichtspunt.
Frida Kahlo, Viva la Vida, Watermeloenen, 1954. Frida Kahlo Museum. @danielharoro
7.Frida Kahlo: Viva la Vida, Watermeloenen (1954)
Het belang en de iconische aard van het werk in kwestie zullen in de loop van het verhaal onthuld worden, maar voor nu wil ik je een voorproefje geven door je te vertellen dat ik dit schilderij heb gekozen om het potentieel van het stillevengenre te demonstreren, namelijk evengoed in staat zeer positieve en hoopvolle boodschappen over te brengen. Wat ik zojuist noemde komt echter voort uit een sterk contrast, een terugkerend element in Frida's werk. In dit geval is de dualiteit te wijten aan het feit dat de kunstenaar het meesterwerk in een ernstige gezondheidstoestand schilderde, maar toch watermeloenen afbeeldde, het ultieme symbool van de levendigheid van het leven. Wanneer we deze onderwerpen echter nauwlettend observeren, merken we dat ze verschillende stadia van rijping ondergaan, die hoogstwaarschijnlijk verwijzen naar de verschillende stadia van het menselijk leven. In ieder geval verspreidt het optimisme zich door het gebruik van rood, gecombineerd met de groene complementaire kleur van de schil van de vrucht, een chromatisch aspect dat een aangenaam en levendig contrast creëert. Ten slotte worden de bedoelingen van de schilder, tot dan toe alleen gespeculeerd, duidelijk in de onderste watermeloen, waarop de zinsnede staat: "Viva la Vida - Coyoacán 1954 Mexico." Naarmate het verhaal over het schilderij eindigt, geldt dat ook voor het verhaal over Frida, aangezien Viva la Vida in alle opzichten het laatste werk is dat de kunstenaar heeft gemaakt...
Salvador Dalí, Levend stilleven, 1956. Olieverf op doek, 125 cm x 160 cm. Salvador Dalí-museum, St. Petersburg, Florida.@
8.Salvador Dalí: Levend stilleven (1956)
Daarentegen komt de vreemde associatie tussen dynamiek en dode natuur voor in Salvador Dali's Living Still Life, een meesterwerk uit 1956 gemaakt in de periode die de Catalaan Nucleaire Mystiek noemde, een schilderachtig moment waarin hij probeerde onderzoek te doen naar de relatie tussen de bewuste geest en de kwantumtheorie. natuurkunde. Hoe kan ik bovenstaande op een eenvoudige manier proberen uit te leggen? Welnu, Dali werd bij het maken van het meesterwerk in kwestie geïnspireerd, door een beroep te doen op zijn bewuste geest, door te denken aan het voorbeeld van Van Schooten, weergegeven in zijn stilleven Tafel met voedsel. Over natuurkunde gesproken, het kwam in beeld toen de meester de Nederlandse tafelaankleding transformeerde en er het wonder van beweging aan gaf, wat uiteraard op een perfect surrealistische manier geïnterpreteerd moest worden. Bijgevolg wordt het doorgaans statische stillevengenre, zoals de titel aangeeft, levend! Het bestaan wordt, in dit specifieke geval, waargenomen door de beweging van de objecten, die in hun kleinste component herleidbaar zijn tot atomaire deeltjes. Via dit laatste komen we bij het generatieve concept van het schilderij, de eerder genoemde Nucleaire Mystiek, onlosmakelijk geïnspireerd door de snode en angstaanjagende atoombom die de Verenigde Staten op Japan hebben laten vallen.
Andy Warhol, Campbell's Soup Cans, 1962. Synthetische polymeerverf op canvas, 51 cm x 41 cm. Museum van Moderne Kunst.
9.Andy Warhol: Campbell's soepblikken (1962)
De 32 identieke zeefdrukken, geïnspireerd op de soepverpakking van Campbell's, herhalen bewust het onderwerp in kwestie, met als doel een installatie te creëren die de typische seriële opstelling van supermarktproducten reproduceert. Het thema, dat meerdere keren door de kunstenaar werd geïnterpreteerd, werd voor het eerst weergegeven in het meesterwerk in kwestie, dat ook bedoeld was om te verwijzen naar de constante aanwezigheid van soep in de levens van Amerikanen in die tijd. Bedenk eens dat Andy zelf, nadat het werk was voltooid, bekende dat hij het product twintig jaar lang herhaaldelijk had gegeten! Bovendien daagde hij, door de alomtegenwoordigheid van het beeld in kwestie, ook het idee van schilderen als middel tot uitvinding en originaliteit uit, omdat het seriële karakter van Campbell's Soup Cans te danken is aan het gebruik van een semi-gemechaniseerde zeefdruktechniek. Er zit echter een onnauwkeurigheid in alles wat ik heb geschreven: kun jij het vinden? Grapje, maar ik wil duidelijk maken dat de soepblikken niet, zoals hierboven aangekondigd, identiek aan elkaar zijn, omdat elk schilderij een replica is van een origineel model met enkele onderscheidende details aangebracht. Heeft Andy op dit punt onbedoeld die specifieke kenmerken benadrukt die zelfs industriële objecten uniek maken?
Giorgio Morandi, Stilleven, 1949. Privécollectie.
10. Giorgio Morandi: Stilleven (1950)
Verschillende huishoudelijke voorwerpen zijn bijna in het midden van het schilderij gegroepeerd, waar ze op een onbepaald oppervlak rusten en afsteken tegen een achtergrond van vergelijkbare maar lichtere tinten. Wat is de reden voor de keuze om enkele eenvoudig opgestelde voorwerpen te vereeuwigen? Om het antwoord te kunnen geven moeten we teruggaan naar de jaren veertig en vijftig, een periode waarin de schilder voor dit soort composities koos om zich meer te kunnen concentreren op de analyse van de schildertechniek. Omdat hij dit doel altijd nastreefde, werden zijn stillevens ook minder 'fantasievol', omdat ze voornamelijk dezelfde onderwerpen vertegenwoordigden, voornamelijk flessen, kruiken, vazen en schalen. Dus wat maakte elk werk anders dan de andere? Het formaat, het standpunt en het licht! In feite concentreerde Morandi zich op minimale variaties in toon, hoewel hij de voorkeur gaf aan grijstinten, ivoor en wit, zonder te vergeten verzadigde kleuren zoals oranje, roze en blauw naast elkaar te plaatsen. Welke andere constanten kunnen aan zijn werk worden toegevoegd? De schilder schilderde met zijn typische gegomde penseelstreken, met als doel zachte visies te creëren met ‘fluctuerende’ grenzen. Dit kenmerk is te danken aan het feit dat helder licht de schaduwen verlicht, die, samen met de lichtbronnen, worden weergegeven met behulp van tweedimensionale kleurvelden die effectief de neiging hebben om de objecten te dematerialiseren!
Olimpia Gaia Martinelli