ROZEN (2021) Pittura da Valery Marche.
Mijn rangschikking van stillevens met bloemen brengt al die, naar mijn mening, de meest iconische en "commerciële" werken van het bovengenoemde genre samen, die ik heb gerangschikt binnen een verhaal in aflopende volgorde, gericht op culminerend in het symbool bij uitstek van het onderwerp, dat wil zeggen in dat meesterwerk dat niemand, of bijna niemand, kan worden bespaard van verkeerde herkenning, dat ik de vrijheid heb genomen om te kiezen als de iconische representatieve poster van schilderijen met 'bloementhema' bij uitstek. Alvorens verder te gaan naar de top 10 is het echter goed om, althans voor even, in te gaan op de historische context waartoe stillevens met bloemen behoren, geboren natuurlijke onderwerpen, aanvankelijk als een kleine artistieke manifestatie in vergelijking met historische, religieuze of mythologische, van de hand van de Vlaming Hans Memling, die omstreeks 1490 de basis legde voor de voortzetting van een onderwerp dat nu onontkoombaar is geworden, mede dankzij het feit dat het door de eeuwen heen een intensiteit en esthetische originaliteit veel beter dan een simpele botanische reproductie. Bovendien hebben we, na het succes van het genre binnen de Art Nouveau-stijl, aan de komst van de twintigste eeuw de intuïtie te danken om verder te gaan dan alleen bloemen te reproduceren zoals ze zijn, om ze te betrekken bij assemblages, installaties, foto's, enz. We onderbreek deze lange, oude en toekomstige geschiedenis om me te wenden tot de werken die tussen het einde van de negentiende eeuw en de jaren 2000 voor mij het toppunt van het genre vertegenwoordigden, in die zin dat ze niet alleen technisch en stilistisch ongekend zijn, maar ook echte "mainstream" producten" die door de massa's zeer in overweging worden genomen.
Murakami met een exemplaar uit zijn serie Flower Ball. @soulr.co
10. Takashi Murakami, Flowerball-roze, 2007
Kort gezegd en zonder enige verwijzing naar de intenties, training en invloeden die ten grondslag liggen aan Murakami's werk, is Flowerball Pink (2007) een cirkelvormige print gevuld met een intense en "overvolle" plons van heldere bloemen, die elk zijn voorzien van een smiley. face, een gevoel van illusoire driedimensionaliteit creëren, bedoeld om de hele Flower Ball-serie te animeren, waarvan de bovengenoemde print precies een onderdeel is. Als we deze beknopte beschrijving van de ontbrekende details toevoegen, komen Murakami's populaire bloemen, evenzeer een hoofdbestanddeel van de carrière van de kunstenaar als Campbell's Soup Cans voor Warhol, voort uit een originele herinterpretatie van traditionele Japanse schilderkunst, waarin bloemen vaak werden afgebeeld. Aan deze oude iconografie wordt toegevoegd de zorgvuldige observatie van de wereld van manga, anime en Japanse subcultuur, generatoren van commerciële objecten, die door Takashi worden omgezet in kunst door het vervagen van de grenzen tussen consumentisme en kunst, een houding die opnieuw de intenties van de pop-art uit de jaren 50. Ondanks dergelijke affiniteiten gaan Murakami's tekeningen verder dan het louter naast elkaar plaatsen van hoge en lage cultuur, aangezien verborgen tranen een glimp kunnen opvangen achter de eerder genoemde stralende glimlachen, die in staat zijn om die volwassen moed vorm te geven die in staat is om lijden te verbergen achter een waardige manifestatie van sereniteit. Die laatste observatie houdt in feite verband met een pijnlijke verklaring van de kunstenaar aan de New York Times, waarin hij bekende dat zijn Glimlachende bloemen niets anders zijn dan een stomme manifestatie van de onderdrukte emoties en de trauma's die collectief worden ervaren. door de Japanners op het meest dramatische moment uit hun geschiedenis: de bombardementen op Hiroshima en Nagasaki in 1945.
Bloemsculptuur door Yayoi Kusama. @kusama_archive
9. Yayoi Kusama, Klaar om te bloeien in de ochtend, 1989
Nogmaals, ze spreekt zichzelf niet tegen! Yayoi Kusama, een hedendaagse Japanse kunstenaar die buitengewoon bekend staat om haar dwangmatige gebruik van dichte patronen van stippen, decoraties vanwege haar inspiratie, onverbiddelijk ontleend aan de dramatische en afgeronde hallucinaties waaraan de kunstenaar sinds haar kindertijd lijdt, verrast ons niet wanneer ze ervoor kiest om haar meest gekoesterde motief opnieuw te gebruiken, ook om leven te geven aan een repetitieve rode achtergrond, gericht op materialisatie in de stippen rond de twee bloemen, gericht op silhouet op de voorgrond. Als de zojuist onthulde obsessie, in dit geval gemanifesteerd door de afbeelding van de bloemenwereld, je verbaasde, dan ben je niet bekend met het werk van de Japanse kunstenaar, die bij andere gelegenheden, alweer dwangmatig, de bloemenwereld benaderde, net zoals toen ze bijvoorbeeld tijdens de National Gallery of Victoria's Triennial (Melbourne, 2018) bezoekers toestond massa's gerbera's op alle beschikbare oppervlakken in een kamer te plaatsen. Dat werk, getiteld Flower Obsession, vindt opnieuw een verklaring door de herhaling van de eerder genoemde visioenen, hoewel het in dit specifieke geval de kunstenaar zelf is die de oorsprong van de installatie onthult: "Het begon allemaal met een hallucinatie. Op een dag als kind, na het observeren van een patroon van rode bloemen op het tafelkleed, keek ik omhoog en het plafond, ramen en kolommen leken te zijn beplakt met hetzelfde rode bloemenpatroon. Ik zag de hele kamer, mijn hele lichaam en universum bedekt met rood bloemen, en op dat moment werd mijn ziel gewist ... Dat was geen illusie, maar de realiteit zelf."
Andy Warhol, Bloemen, 1964.
8. Andy Warhol, Bloemen, 1964
Vóór 1964, enigszins ongelooflijk, miste het repertoire van Warhol, bijna onvergeeflijk, de benadering van een voornamelijk naturalistisch onderwerp zoals, laten we zeggen, bloemen! Hoe had de kunstenaar uit Pittsburgh zo'n terugkerend genre in de kunstgeschiedenis kunnen vergeten, misschien om te veranderen in een repetitief consumentenobject dat dwangmatig aan de massa werd aangeboden? In feite toonde Andy nooit een onafhankelijke interesse in het bovenstaande onderwerp, zozeer zelfs dat zijn analyse werd ingegeven door de tussenkomst van Henry Geldzahler, conservator hedendaagse kunst, die er tijdens de Wereldtentoonstelling van '64 in New York bij Warhol op aandrong zijn zijn productie met het natuurlijke element bij uitstek. Uiteindelijk raakte Andy echter intiem met een dergelijk onderwerp, in het bijzonder met Hibiscus, die, gemaakt in een stijl die gericht was op het combineren van impressionistische en abstracte technieken, de bedoeling nastreefde om de diepste ziel van de kunstenaar een stem te geven en misschien ook wel de minst blootgestelde ziel. en controversieel, omdat het vaak wordt verborgen door de schijn van het consumentistische verhaal. Zo goed, zo goed zelfs dat Warhol het onderwerp meerdere keren interpreteerde, maar op een dag kwam de bittere waarheid aan het licht: de "Flowers" zeefdrukken nemen duidelijk het beeld over van Hibiscusbloemen van de foto's van Patricia Caulfield, een kunstenaar die , niet in twijfel getrokken door Warhol, ging meteen over tot juridische stappen!
7. Roy Lichtenstein, Zwarte bloemen, 1961
We zijn op de zevende positie gekomen, bezet door een van de belangrijkste kunstenaars van de pop-art, samen met degene die zojuist hierboven is besproken: ik heb het over Roy Lichtenstein, bekend om zijn werken geïnspireerd door kranten- en stripboekafdrukken, vooral die, die , gemaakt door middel van de Ben-Day-stip, illustreerde het leven van de tijd, overgaand in de geschiedenis, vooral door meesterwerken zoals Whaam! (1963), evenals die van mooie blonde dames die, nogal neerbuigend, bijna zo ver gingen dat ze op commando huilden en glimlachten. Wie had gedacht dat we in deze productie, waarin we ook werken met Donald Duck en Mickey Mouse als onderwerp kunnen opnemen, en remakes van bekende meesterwerken, ook bloemstillevens zouden kunnen vinden? Op dit punt introduceer ik Black Flowers, een werk dat, ondanks dat het uit 1961 dateert, dat wil zeggen aan het begin van de carrière van de kunstenaar moet worden geplaatst, al enkele van Lichtensteins meer volwassen stilistische kenmerken terugbrengt, die onuitwisbaar getekend zijn door de wereld van stripverhalen, komen in dit geval om de chromatische schoonheid van bloemen te ondermijnen, om ze vast te leggen in een ongewoon zwart-wit, bedoeld om uit te stijgen boven een vaas in de vorm van een gecanneleerde zuil, een detail dat de eenheid mogelijk maakt tussen de klassieke en de tijdschriftenwereld.
Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Olieverf, 73,7 x 45,7 cm.
6. Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924
Het was gewoon onmogelijk om in deze top 10 het werk van O'Keeffe niet op te nemen, een Amerikaanse kunstenaar die vooral bekend staat om haar schilderijen van bloemen, die in close-up of op grote schaal zijn gemaakt en enkele van haar bekendste meesterwerken vertegenwoordigen. daterend uit het midden van de jaren 1920 tot de jaren 1950. Binnen deze enorme bloemenproductie wilde ik als representatief werk Red Canna (1924) kiezen, een canvas waarop een rietlelie wordt afgebeeld die is "uitvergroot", en dus van dichtbij gezien, wiens perspectief de bedoeling nastreeft om ons kennis te laten maken met en te waarderen, de schoonheid, rijkdom en delicatesse van een open bloem, interpreteerbaar, op een parallelle, erotische en sensuele manier met de close-up van het meest verborgen deel van vrouwelijkheid, een "dimensie" die vaak wordt herkend door waarnemers binnen veel van O'Keeffe's bloemenrepertoire . In feite ligt het onheil precies in het oog van de toeschouwer, aangezien de schilder onstuimig verklaarde dat haar werk letterlijk verkeerd begrepen was en een symbool werd van een masculiene interpretatie, geformuleerd door een overwegend mannelijke kunstcriticus, die een seksuele opvatting van haar werk dat eigenlijk heel anders was dan haar oorspronkelijke bedoelingen.
Henri Matisse, Trosrozen voor het raam, 1925. Olieverf op doek, 80×65 cm. Prive collectie. @ schilderijen_i_love.
5. Henri Matisse, Bloemen, 1907
Matisse, een vooraanstaande exponent van de Fauves, onderscheidde zich, net als de andere woordvoerders van laatstgenoemde artistieke stroming, door de popularisering van vereenvoudigde vormen, de afschaffing van perspectief en clair-obscur, en het gebruik van heldere, onnatuurlijke en zuivere kleuren. Het bloemstilleven Flowers, gedateerd 1907, met zijn minder "agressieve" en iets meer "naturalistische" kleuren dan de bovengenoemde, telt, meer dan de verwondering overgebracht door levendige tinten, van de beweging van de zeer expressieve penseelstreek, gericht op het construeren van platte en grafische vormen, die het meer "klassieke" thema van het stilleven benaderen. Als dit de beschrijving is die van toepassing is op Flowers (1907), is het goed om te benadrukken hoe hij in de lange carrière van de kunstenaar herhaaldelijk terugkeerde naar het thema bloemen en ze interpreteerde binnen min of meer ontwikkelde contexten, waaronder interieurtaferelen en landschappen. zoals bijvoorbeeld Purple Robe and Anemones (1937) en Interior with Dog (1934).
Katsushika Hokusai, Goudvink op huilende kers, 1840.
4. Katsushika Hokusai, Goudvink op huilende kers, 1840
"Een enkele vogel baadt / zijn veren en vliegt weg: / ochtendkersenboom": dit is de vertaling van de inscriptie op de prent Bullfinch on Weeping Cherry (1840), die de zeventien lettergrepen toont die kunnen worden toegeschreven aan Bunrai'an Setsuman, een haiku-dichter van Setsumon, een school waarmee Hokusai verbonden was en waarnaar ook wordt verwezen voor de tekst op het schilderij Pines en Mt Fuji. Over de in hetzelfde citaat genoemde kersenbloesemboom gesproken, dit is de onbetwiste hoofdrolspeler van het werk, dat te midden van bloemen en knoppen wordt gepresenteerd samen met een goudvink, een vluchtige stof die in Japan het bekende boegbeeld is van een ceremonie. gehouden elke oudejaarsavond in Tenjin-heiligdommen. Bij deze gelegenheid moet men naar de heilige plaats gaan, gewapend met de goudvink van het voorgaande jaar om deze te vervangen door die van de nieuwe koers, die, gezegend, de eigenaar zal beschermen tegen de tegenslagen van het volgende jaar. Het goedaardige dier daarentegen, realistisch gerealiseerd in Hokusai's prent, is beslist een mannelijk exemplaar, zoals te zien is aan de roze markering, die zich uitstrekt van de wang tot de keel van de vogel. Tot slot vormen de bloemen, het Pruisische blauw, de vogel en de inscripties een harmonieus geheel, dat ons kan vertellen over de hoogste artistieke traditie, maar ook over gebruiken en cultuur van Japan.
Gustav Klimt, De Zonnebloem , 1906 - 1907. Olieverf op doek, 110 x 110 cm. Prive collectie.
3. Gustav Klimt, Zonnebloem, 1906
Forget The Kiss (1908), The Judith (1901) en The Three Ages of Woman (1905), werken die ons hebben doen denken dat Klimt misschien meer bekwaam was, en zeker meer geïnteresseerd, in het uitbeelden van de menselijke figuur, in plaats van de natuur , of stilleven. Hoewel de eerste hypothese zeker onjuist is, gezien het eclecticisme van de kunstenaar, lijkt de tweede vrij plausibel, aangezien de Zonnebloem van 1906 een onderwerp blijkt te zijn dat ongebruikelijk verstoken is van het meest typische antropomorfe element. In ieder geval lijken de eerder genoemde bloemen van Klimt erg op mensen te lijken, aangezien ze rechtop in een tuin staan, waar ze leven, maar nog lang niet gebonden blijken te zijn in de ruimte van een vaas, samen met fruit en andere stervende bloemen. exemplaren. Om deze reden, als we echt punctueel willen zijn, lijkt het meesterwerk, in plaats van volledig in het stillevengenre te vallen, enigszins verwant aan het landschapsgenre, waarbinnen de zonnebloemen de bewegingen van de hoofdrolspelers van het bovenstaande overnemen. -genoemde meesterwerken, in het bijzonder, in navolging van de greep van de geliefden in The Kiss met hun bladeren samengevoegd in een soortgelijke omhelzing.
Claude Monet , Ninfee , 1919. New York: Metropolitan Museum of Art.
2. Claude Monet, Waterlelievijver, groene harmonie, 1899
Ook halverwege tussen "stilleven" en landschap is Monet's lange reeks waterlelies, die, terwijl ze buiten staan en nog leven, modellen worden op dezelfde manier als de meer "huiselijke" vazen, fruit en bloemstukken. Deze cyclus van meer dan 250 schilderijen, gemaakt tussen 1890 en 1926, vertelt eigenlijk over de onthechting van de meester van enkele van de eigenaardigheden van de beweging die hij zelf vertegenwoordigde: het impressionisme. Als een van de eigenaardigheden van laatstgenoemde was om 'en plein air' te schilderen, om in één enkel beeld, geheel in een opwelling gemaakt, de indruk van een precies moment vast te leggen, dan schoot de meester tekort. deze manier van werken om twee redenen: de grootte van zijn laatste doeken en het winterseizoen. Wat het eerste betreft, werden de grote media strikt in zijn atelier bewaard, een plek waar hij zijn uit het leven gegrepen indrukken kon fragmenteren en ze vervolgens opnieuw kon samenstellen tot een reeks samenhangende momenten. Wat het winterseizoen betreft, zorgde het koude weer ervoor dat de kunstenaar met behulp van mobiele ezels zijn werk buiten kon beginnen en het vervolgens in zijn atelier kon afmaken, waar hij een bekwaam overzicht kon krijgen.
Vincent van Gogh, Zonnebloem , 1889. Olieverf op doek, 95 x 73 cm. Amsterdam: Van Goghmuseum.
1. Vincent van Gogh, Zonnebloemen, 1889
En de winnaar is: Vincent! Ik moet de waarheid zeggen, ik heb altijd een zwak gehad voor onrustige geesten, maar in dit geval vertegenwoordigen zijn zonnebloemen echt een onontkoombaar stillevenmeesterwerk voor de kunstgeschiedenis, omdat ze de perfecte synthese bereiken van de uiterlijke realiteit van de kunstenaar en innerlijke wereld. In feite is het schilderij, dat een bos zonnebloemen voorstelt die in een dikbuikige vaas zijn verzameld en op een vlak worden uitgestald, precies tegen een lichtgekleurde muur, een bekend voorbeeld van het figuratieve experiment van een meester, die de schilderkunst leefde als een dagelijkse existentiële therapie, dat wil zeggen zowel een artistieke zoektocht als een filter om de realiteit onder ogen te zien. Bovendien is de serie zonnebloemen gemaakt met de bedoeling zijn vriend en collega Paul Gauguin zo dankbaar te zijn dat hij is bedacht om de kamer te decoreren die Vincent voor hem had ingericht in Arles, in het Gele Huis, waar de Fransman sloot zich bij hem aan. Zelfs de Hollandse meester hield zoveel van deze bloem dat hij zich ermee begon te identificeren, tot op het punt dat hij hem 'helemaal Vincent' noemde. Ten slotte is het ook belangrijk op te merken dat de zonnebloemen die Van Gogh in de vazen heeft geplaatst, soms zijn geopenbaard aan zijn broer Theo, veertien of vijftien, om te verwijzen naar de nummers van de apostelen van Christus toegevoegd aan de figuren van Theo en Paul Gauguin, waaraan ook de aanwezigheid van Vincent zelf kon worden toegevoegd.
Olimpia Gaia Martinelli
