Irina Goldenfish, Zilveren maan , 2021. Olieverf op doek, 60 x 118 cm.
Zilver: de kleur van de maan
Vanuit een puur chromatisch oogpunt vertegenwoordigt zilver een glanzende grijs-metallic kleur, die in de natuur wordt gevonden door de observatie van zilveren vissen, zilverberken en het metaal waarvan het zijn naam heeft geërfd. Een dergelijke tint, die juist vanwege zijn helderheid, evenals zijn moderne, elegante en verfijnde uiterlijk enorm populair is in het interieurontwerp, staat bekend als de tint die wordt geassocieerd met de maan, dat wil zeggen met die uitsluitend vrouwelijke energie, onlosmakelijk met elkaar verbonden tot emoties en driften, die op het diepste niveau in ons bewegen. In feite lijkt de natuurlijke satelliet van de aarde, die in staat is om het water van het aardoppervlak dat zich er het dichtst bij bevindt naar zich toe te trekken en de getijdenstroom te veroorzaken, op een vergelijkbare manier de emoties, creativiteit en sensualiteit in ons meest innerlijk op te roepen. In feite wordt aangenomen dat juist in water, geregeerd door de maan, al het innerlijke leven van de mens is geconcentreerd, dat zijn oorsprong heeft, samen met onbewuste krachten, in het voortbrengende principe van de baarmoeder, een vrouwelijke plaats die zinspeelt op onze meest afgelegen oorsprong. In die zin symboliseert zo'n tint het bewustzijn van onze innerlijkheid, bereikt via dat pad dat we moeten nemen om onszelf, onze innerlijke wereld en onze emotionaliteit te herkennen, om op een later tijdstip ook anderen te kunnen "identificeren". .
Isabelle Pelletane, Love Love 15 , 2022. Acryl / spuitverf op papier, 70 x 50 cm.
Ilgvars Zalans, Zilver en zwart nr.6, 2019. Acryl op doek, 90 x 60 cm.
Zilver in de kunst: van Verrocchio tot Jeff Koons
Puur kunsthistorisch gezien ontleent de kleur zilver, zoals verwacht, zijn naam aan het gelijknamige metaal, dat sinds de vroegste eeuwen zeer populair was in de creatieve en goudsmidse wereld, zeker heeft bijgedragen aan de verspreiding en veredeling van de bovengenoemde kleur. Het is zelfs belangrijk om bekend te maken dat, sinds de tijd van de oude Egyptenaren, het gebruik van zilver, een metaal dat in die tijd zeldzamer dan goud werd gebruikt om kostbare religieuze artefacten en opzichtige sieraden te maken, kan worden gevonden. Ook door de Grieken gewaardeerd, genoot zilver behoorlijk veel succes in het 15e-eeuwse Italië, toen, dankzij het artistieke onderzoek van grote meesters als Lorenzo Ghiberti, Andrea del Verrocchio, Antonio del Pollaiolo en Domenico Ghirlandaio, de kunst van het goudsmeden het toppunt van perfectie bereikt. Bovendien onderscheidde in dezelfde periode de Florentijnse graveur Maso Finiguerra, die in Benvenuto Cellini's Trattato dell'Oreficeria wordt gedefinieerd als "De man die ongeëvenaard is in dat beroep", zich in de kunst van niello, een specifieke techniek voor het decoreren van metalen oppervlakken in zilver. De renaissancestijl, die uitsluitend wordt gekenmerkt door klassieke modellen, kan echter uitputtend worden beschreven door de analyse van een meesterwerk uit die periode, zoals Andrea del Verrocchio's De onthoofding van de Doper , dwz een van de twaalf panelen die deel uitmaken van The Silver Altaar van St. Johannes de Doper , een toreutisch werk gemaakt door verschillende kunstenaars tussen 1367 en 1483 voor de doopkapel van San Giovanni (Florence), nu bewaard in het Museo dell'Opera del Duomo (Florence). Het altaar vertegenwoordigt een buitengewone synthese van de belangrijkste trends in goudsmeden en beeldhouwkunst van die tijd, uitgedrukt door een structuur in laatgotische matrix, met acht frontpanelen en vier zijpanelen, gerangschikt op twee registers en gescheiden door veelhoekige pilaren verrijkt door de aanwezigheid van kleine beelden en nissen. In het midden van deze gearticuleerde compositie staat het aedicule met het standbeeld van de heilige, dat, samen met de rest van het artefact, de aanwezigheid van zilver, email, vergulding en houtcomponenten vastlegt. Over de twaalf panelen gesproken, de laatste is die waarop de eerder genoemde Onthoofding van de Doper is afgebeeld, die, ondanks dat het algemeen wordt erkend als het werk van Verrocchio, ook kan worden toegeschreven aan het werk van Leonardo da Vinci. Deze laatste was in feite een leerling van Verrocchio in dezelfde periode, waarin zijn stilistische kenmerken werden gekenmerkt door een bijzondere perspectiefconstructie, klassieke architectuur en dramatische emotionele reacties, die te zien zijn in het allerlaatste paneel van het altaar. Door een temporele sprong van ongeveer zeven eeuwen te maken, is het mogelijk om erop te wijzen hoe de terugkeer van zilver in de hedendaagse kunst enigszins "onveranderd" blijkt te zijn, hoewel voornamelijk gerelateerd aan de populariteit van de glinsterende kleur, in plaats van aan het gebruik van de metaal zelf, dat vaak wordt "gesimuleerd" door het gebruik van verwante, maar goedkopere en gemakkelijker verkrijgbare materialen, zoals bijvoorbeeld roestvrij staal en aluminium. Demonstratie van wat zojuist is gezegd, is de beroemde Lodewijk XIV van Jeff Koons, een glinsterende sculptuur, die in 1986 van roestvrij staal is gemaakt en de Amerikaanse meester in de schoenen van de voormalige heerser van Frankrijk voorstelt, met als doel het vieren van zowel de extreme sensualiteit van de vormen in barokstijl en de cultus van de eigen persoonlijkheid van de kunstenaar. Het is precies het eerder genoemde metaal dat is gebruikt bij de creatie van de sculpturenreeks waarvan Lodewijk XIV deel uitmaakt, die, getiteld Beeldhouwwerk, is bedoeld om de eigenaardigheden van de kleur zilver te vieren in barokke, nostalgische en hedendaagse kitschcreaties, ontworpen met de bedoeling om zich uit te breiden van eeuwige thema's tot beslist meer kortstondige onderwerpen. Na het standpunt van Jeff Koons is het belangrijk om te benadrukken hoe het verhaal van zilverkleur kan worden verrijkt met ongekende gezichtspunten, uitgedrukt door het originele werk van Artmajeur-kunstenaars zoals Ricky Reese, Richard Orlinski en Alan Lawrence.
Laurent Fauchoix, Dolfijnenstaart , 2018. Metaal, 37 x 12 / 2.00 kg.
Pablo Alfredo De La Peña, Aftellen begint , 2022. Hout op hout, 38,1 x 40,6 x 45,7 / 4,00 kg.
Ricky Reese, Zilveren bloem, 2022. Roestvrijstalen sculptuur, 65 x 44 x 30 cm / 23,00 kg.
Ricky Reese : Zilveren bloem
Het artistieke onderzoek van Ricky Reese, een Spaanse beeldhouwer geboren in 1956, experimenteert vaak met het gebruik van verzilverde metalen, die worden gebruikt om minimalistische verhalen te creëren, gericht op het synthetisch en gedeeltelijk zelfs geometrisch beschrijven van de kenmerken van de werkelijkheid . Een voorbeeld van wat zojuist is gezegd, is het geval van Silver Flower , een roestvrijstalen sculptuur waarvan de elegantie, soberheid en idee van beweging de neiging hebben om te herinneren aan het werk van Rosette Bir, een Franse kunstenaar die bekend staat om haar abstracte werken in gepolijst roestvrij staal. Over het metaal gesproken dat de "materiële" keuzes van de twee beeldhouwers verenigde, roestvrij staal blijkt extreem populair te zijn in de hedendaagse kunst, vooral met betrekking tot die artistieke productie die wordt gebruikt voor openbare buitentoepassingen, waar een dergelijke ijzerlegering de neiging heeft om perfect te zijn, omdat het niet roest en bestand is tegen aanvallen van vloeistoffen, gassen en chemicaliën. Het bovenstaande blijkt met bewijs in het werk van een van de bekendste hedendaagse kunstenaars, zoals beeldhouwer Anish Kapoor, die in 2006, in reflecterend roestvrij staal, een van de meest populaire monumentale attracties in Chicago (VS) creëerde, namelijk de Cloud Gate , een sculptuur waarvan de "fysionomie" is geïnspireerd op de eigenaardigheden van vloeibaar kwik.
Richard Orlinski, Zilverstier, 2015. Aluminium, 69 x 122 x 43 cm.
Richard Orlinsk: Zilveren stier
Silver Bull is een glinsterende sculptuur gemaakt van aluminium door de populaire Franse kunstenaar Richard Orlinski, wiens werk grotendeels is beïnvloed door popart-stijlen en de kenmerken van populaire alledaagse voorwerpen. Ondanks deze schijnbare "oppervlakkigheid" en "lichtheid", verbergen de werken van de Artmajeur-kunstenaar, achter een puur consumentistisch fineer, een diepe inhoud, verwijzend naar belangrijke waarden, zoals vrijheid, macht en passie. Deze idealen worden voornamelijk uitgedrukt door het gebruik van reflecterende en "verblindende" materialen, waarschijnlijk bedoeld om een pseudo "kreet" te symboliseren, waardoor concepten van een dergelijke diepte gemakkelijker kunnen worden verspreid. Bijgevolg zou Silver Bull kunnen verwijzen naar de bovengenoemde concepten, maar ook naar andere, gevonden in bekende meesterwerken uit de kunstgeschiedenis met hetzelfde onderwerp, zoals bijvoorbeeld de beroemde Bull of Wall Street , een monument dat, gemaakt door Arturo Di Modica in 1987 en geplaatst in het financiële district van Manhattan (New York), staat om de viriele moed te vieren van degenen die in staat zijn om te vechten tegen elke ongunstige situatie.
Alan Lawrence, Weightless , 2021. Sculptuur van hars, glas en metaal, 33 x 15,2 x 6,4 cm / 2,00 Ib.
Alan Lawrence: Gewichtloos
Het surrealisme waarmee in het werk van Alan Lawrence een eenvoudige "hangende" lepel aantoonbaar is omgevormd tot een elegant symbool van evenwicht, doet me denken aan een vervlogen tijdperk waarin kostbaar en statig zilveren bestek werd gebruikt tijdens de maaltijden. In feite werd het laatstgenoemde metaal gebruikt om voorwerpen te vervaardigen die bedoeld waren voor tafelservies, althans sinds de tijd van de oude Feniciërs, tot in de Romeinse en latere perioden. Na de middeleeuwse "pauze" keerde zilveren bestek terug met kracht tijdens de Renaissance, hoewel een piek in het gebruik ervan werd geregistreerd vanaf de ontdekking van Amerika, dat wil zeggen, toen, dankzij de verspreiding van metalen uit de Nieuwe Wereld, zilver toegankelijk werd zelfs voor de bourgeoisie. Een dergelijke "passie" voor het eerder genoemde zilverwerk is, naast het vertegenwoordigen van een soort statussymbool, ook te danken aan de praktische voordelen die inherent zijn aan zilver, aangezien het uiterst hygiënisch, antibacterieel en desinfecterend blijkt te zijn. Terugkomend op de kunstenaar van Artmajeur stelt de in 1965 geboren Amerikaanse beeldhouwer dat de grens tussen een kunstwerk en zijn publiek zo kort mogelijk moet zijn. Bijgevolg zou het gebruik van bestek in zijn artistiek onderzoek het doel kunnen nastreven om de kijker te vergezellen in een realiteit die hem al heel bekend is, waar het mogelijk is om de eenvoud van alledaagse gebaren te herkennen.
Olimpia Gaia Martinelli
