Fernando Botero Angulo - Roel Wijnants - Flickr, via Wikipedia.
Fernando Botero, de gevierde Colombiaanse kunstenaar die bekend staat om zijn wereldwijd erkende doeken versierd met mollige individuen uit de hogere kringen, en wiens werk de weg vrijmaakte voor talloze Latijns-Amerikaanse kunstenaars, is op 91-jarige leeftijd overleden.
Volgens zijn dochter Lina Botero, die sprak met het Colombiaanse radiostation Caracol, blies haar vader op vrijdag 15 september zijn laatste adem uit in zijn residentie in Monaco, waarbij hij bezweek aan een gevecht met een longontsteking.
Botero's kunstwerken met figuren uit de Colombiaanse regering en geestelijken hebben wereldwijde bekendheid gekregen. Hij merkte ooit op dat toen hij in de jaren vijftig met de creatie ervan begon, er in zijn thuisland nauwelijks enig vergelijkbaar kunstenaarschap bestond. Destijds had de Europese modernistische schilderkunst in Colombia nog geen brede erkenning gekregen.
Zijn mollige, ronde vormen, gekenmerkt door ruime armen, robuuste buikspieren en stevige dijen, zijn onmiskenbaar synoniem geworden met de kenmerkende stijl van Botero. Vervolgens vertaalde hij deze corpulente figuren in driedimensionale sculpturen, waarbij hij ze af en toe in een openbare omgeving plaatste, waar ze boven de toeschouwers uittorenden.
Aanvankelijk voerden critici debatten over de vraag of deze figuren bedoeld waren als satirische parodieën, gezien de opzettelijk ongrijpbare politieke ondertonen in Botero's werk.
"Botero's satire is niet hardhandig, maar toch ondubbelzinnig, aangezien zijn schilderijen uiteindelijk functioneren als dromen en niet louter als karikaturen", merkte Peter Schjeldahl ooit op. "Er is iets aan zijn grillige, vleselijke gedrochten dat intiem en vertrouwd aanvoelt, een subtiel verontrustende herinnering aan het zelf in een van zijn oorspronkelijke vormen." Hij voorspelde dat Botero's kunst een "renaissance" in de Latijns-Amerikaanse kunst zou veroorzaken.
Vrouw liggend met fruit in Bamberg - Gerd Eichmann, via Wikipedia.
Toen het midden van de jaren 2000 echter aanbrak en Botero's artistieke repertoire zich uitbreidde en het aanhoudende conflict tussen guerrillafracties in Colombia en de weergave van martelscènes uit de Abu Ghraib-gevangenis in Irak omvatte, werd het steeds duidelijker dat zijn werk een diepere politieke weerklank had dan sommigen hadden het eerder herkend.
“Je hoort over deze incidenten, dit geweld, en het laat een diepe impact op je achter”, vertelde hij aan de New York Times. "Als kunstenaar voel je je gedwongen om na te denken over deze harde realiteit."
De stukken die hem vanaf de jaren zestig beroemd maakten, zijn daarentegen aanzienlijk minder openlijk in hun sociale commentaar. Zijn meesterwerk uit 1967, 'The Presidential Family', momenteel gehuisvest in het Museum of Modern Art in New York, portretteert de Colombiaanse leider van die tijd, samen met zijn echtgenote en andere medewerkers. Ze bevinden zich te midden van pittoreske bergen, schijnbaar los van de bredere nationale context. Met een Botero-achtig tintje is op de achtergrond een figuur te zien die lijkt op de kunstenaar zelf, een knikje dat doet denken aan Velázquez' opname van zijn eigen gelijkenis in sommige van zijn werken.
'Dancing in Colombia (1980),' een schilderij dat momenteel in het Metropolitan Museum of Art te zien is, heeft nog minder lagen van complexiteit. Het vangt de essentie van twee individuen die zwaaien onder een afstandelijke band die boven hun hoofd speelt. De aanwezigheid van verspreide sigaretten op de vloer is de enige indicatie dat het feest voortduurt.
Botero's oeuvre gaat vaak een rijke dialoog aan met eeuwen kunstgeschiedenis. Onder zijn onderwerpen bevinden zich wellustige vrouwen die hun haar minutieus drogen terwijl ze in spiegels staren, wat een verwijzing is naar een lijn van vrouwelijke naakten die talloze jaren bestrijkt. Bovendien zijn zijn dikke madonna's en uitvergrote figuren geïnspireerd op beroemde Spaanse kunst. In zijn weergave van deze figuren met gewijzigde proporties tart Botero tegelijkertijd historische conventies en brengt hij er op tedere wijze hulde aan.
Fernando Botero, geboren in 1932 in Medellín, Colombia, had een jeugd zonder artistieke bekendheid. In zijn eigen woorden herinnerde hij zich: "In mijn stad waren geen musea, geen galerijen, geen enkele informatie over kunst", zoals hij deelde in een interview uit 1985 met Ingrid Sischy van Artforum. "We hadden een schilderij van de Maagd Maria in de woonkamer. Dat was het. De enige andere kunst die ik als kind zag, waren de afbeeldingen die in de kerk hingen, die uit de koloniale periode stamden. Het waren kopieën van Europese prenten of schilderijen."
Tijdens zijn tienerjaren koesterde hij de ambitie om stierenvechter te worden en ging hij naar een school die zich hieraan wijdde. Het was gedurende deze tijd dat hij aquarellen en tekeningen begon te maken, geïnspireerd door de stierengevechtscènes waarvan hij getuige was. Enkele van deze vroege werken liet hij zien aan een winkeleigenaar in Medellín, die ze vervolgens verkocht. Deze ervaring vormde een keerpunt voor Botero, waardoor hij besefte dat een carrière in de kunst een haalbare weg was.
La mano Madrid, Paseo de la Castellana - Manuel González Olaechea, via Wikipedia.
Op 16-jarige leeftijd schreef hij, terwijl hij naar een katholieke school in Medellín ging, een artikel over Picasso, het kubisme en wat hij omschreef als 'de vernietiging van het individualisme in de moderne samenleving', een concept dat hij in de marxistische literatuur was tegengekomen. Deze intellectuele verkenning leidde tot zijn verwijdering van de school.
Drie jaar later bereikte Botero een belangrijke mijlpaal door een nationale kunstprijs ter waarde van $ 7.000 te winnen. Met deze onderscheiding begon hij aan een reis naar Europa, waar hij begin jaren vijftig het fresco-maken ging studeren en zich ging verdiepen in de kunstgeschiedenis in Florence. Zijn blootstelling aan eeuwenlange Europese kunst bleek een diepgaande openbaring, die Botero inspireerde om een kunstvorm te creëren waarvan hij geloofde dat deze grotendeels afwezig was in Colombia.
In 1960 begaf Fernando Botero zich naar New York City. De kunst die hij in deze periode produceerde, onderscheidde zich opmerkelijk van de heersende pop-artbeweging, die zich concentreerde op afbeeldingen van consumptiegoederen en commercie. Botero's artistieke visie bleef hem onderscheiden van de heersende westerse trends van die tijd. Pas in 1972 begon hij aanzienlijke erkenning te verwerven in de stad die hij uiteindelijk zijn thuis zou noemen.
Terwijl talloze kunstwerken van Botero hun thuis vinden in Amerikaanse musea, bevindt een aanzienlijk deel van zijn belangrijkste werken zich in het Botero Museum in Bogotá en het Museo de Antioquia. In 2000 schonk hij genereus honderden stukken, zowel zijn eigen creaties als die van andere kunstenaars, aan deze instellingen.
Botero's serie schilderijen, geïnspireerd op de gebeurtenissen in Abu Ghraib, waarmee hij in 2005 begon, wordt geprezen als een opmerkelijke prestatie in de latere stadia van zijn carrière. Deze werken vertegenwoordigen enkele van de meest onverschrokken en diepgewortelde afbeeldingen van het geweld dat leden van het Amerikaanse leger tegen gevangenen in Irak hebben gepleegd. Ze bevatten close-upafbeeldingen van vastgebonden en bebloede voeten en handen, evenals grimmige beelden van honden die naakte gevangenen aanvallen. Een aanzienlijk aantal van deze stukken bevindt zich momenteel in het Berkeley Art Museum in Californië.
De kritiek op deze werken erkent vaak dat, hoewel ze misschien niet de status van meesterwerk bereiken, hun betekenis onmiskenbaar blijft. Zoals criticus Roberta Smith opmerkte: 'Het zijn misschien geen meesterwerken, maar dat doet er misschien niet toe. Ze behoren tot de beste werken van de heer Botero, en in een kunstwereld waar de reacties op de oorlog in Irak schaars zijn geweest - letterlijk of verhuld - uitblinken."
Botero beweerde consequent dat zijn artistieke creaties dienden als een vorm van protest, niet alleen tegen hedendaagse kwesties, maar ook als protest tegen eeuwenlang kolonialisme in Latijns-Amerika. In zijn woorden uit het Artforum-interview: "Ik wil door niemand gekoloniseerd worden, om het gevoel te hebben dat Latijns-Amerikaanse kunst voor mij wordt gedefinieerd. Kunst moet onafhankelijk zijn. Dit is het begin van echte onafhankelijkheid; alleen dan kan men bereiken onafhankelijkheid in denken, in houding, in expressie."
Olimpia Gaia Martinelli