위대한 거장과 위대한 걸작...

스페인 회화의 역사는 고딕, 매너리즘, 황금 시대 및 20세기와 같이 발전과 진화를 나타내는 가장 중요한 시기를 참조하여 말할 수 있습니다. 이 시대는 또한 해당 국가의 독창성의 점진적인 외부화로 해석될 수 있습니다. Bel Paese와 네덜란드는 나중에 황금 시대와 20세기의 스페인과 함께 순전히 스페인어의 존재가 구체화되었고 El Greco와 같은 세계적 수준의 거장들의 존재를 통해 구체화되었습니다. Diego Velázquez, Francisco Goya, 이후에는 Pablo Picasso, Salvador Dali, Miró 등이 등장했습니다. 이러한 모든 인물은 기본적으로 표현과 주로 연결되는 단일 예술 운동, 경향 또는 흐름의 다수의 지수와 연관되지 않고 독립적이었습니다. 예를 들어 이탈리아의 르네상스와 프랑스의 인상주의가 그랬던 것처럼 특정 국가의. 달리를 예로 들면, 피카소의 경우에도 그랬듯이 달리는 초현실주의의 일부가 된 유일한 매우 인기 있는 스페인 사람이었지만 그의 존재는 초현실주의 운동에 매우 중요했기 때문에 가치를 보편적으로 전달할 수 있었습니다. 앞서 언급한 "트렌드" 내에서 그의 두드러진 역할을 통해 스페인 문화의 결과적으로 우리는 또한 스페인 예술이 움직임과 흐름이 아니라 영향력 있고 개별적인 성격으로 구성되어 있다고 말할 수 있습니다. 지금까지 말한 내용은 주로 거장과 걸작으로 구성된 스페인 미술사의 실제 이야기 내에서 나의 상위 10개 그림에 가이드 역할을 합니다.

상위 10 개

후안 그리스, 피카소의 초상 , 1912.

10. 후안 그리스, 피카소의 초상(1912)

10번 위치에서 나는 스페인 화가이자 큐비즘의 주창자인 Juan Gris의 작품을 강조하기로 선택했습니다. 20세기의 가장 중요한 예술가들은 그의 독특한 통합적 입체파, 즉 기하학적 형상이 대각선 구조에 묶여 있는 가장 규칙적인 형태의 균열로 표시되는 개별 스타일에 호소하여 거의 결정적인 외관을 만드는 것을 목표로 했습니다. 그러나 두 화가의 관계에 대해 말하면서 Gris는 1906년 파리에 도착하여 Picasso와 Braque를 만나 Cubist 흐름의 발전에 합류했으며 불과 6년 후에 그를 Pablo의 제자로 식별했습니다. 사실, 후안의 관점은 안달루시아의 분석적 큐비즘에서 힌트를 얻었는데, 그의 해체와 사물의 동시적 관점을 언급하지만 문제의 조각난 인물에 의해 문제의 초상화에서 렌더링된 보다 체계적이고 결정적인 기하학을 다시 가져옵니다. 머리와 몸통은 다양한 평면과 간단한 기하학적 모양으로 분해되어 대각선으로 지배되는 구성 구조 내에서 구성되며 모두 파란색, 갈색 및 회색의 차가운 색조 팔레트를 사용하여 명확하게 만듭니다. 마지막으로, 피카소 초상화의 문체적 특징은 화가로서 조각상을 불멸화시키는 것을 목표로 하는 작품을 탄생시켰습니다. 대상이 그의 손에 팔레트를 들고 있기 때문에 "Hommage à Pablo Picasso"라는 비문과 같은 세부 사항은 분명히 우리를 생각하게 만듭니다. Gris가 Cubism par Excellence의 혁신가를 어떻게 평가했는지.

호안 미로, 할리퀸의 사육제 , 1924/1925. 캔버스에 유채, 66cm × 90.5cm. Albright-Knox Art Gallery, 버팔로, 뉴욕.

9. 호안 미로, 할리퀸의 사육제(1924-25)

1924년에서 1925년 사이에 제작된 Joan Mirò의 캔버스는 반은 인간이고 반은 동물인 다수의 축제 잡종 인물이 차지하고 있습니다. 이 평온한 분위기는 보는 이로 하여금 축제에 빠져들게 하며, 인물들의 생동감의 배경이 되는 멜로디를 상상하는 시간을 갖도록 제안하기도 합니다. 그러나 순전히 미술사적인 관점에서 볼 때 이 작품은 미로의 초현실주의 시대의 일부입니다. 특히 브르타뉴가 이 운동의 선언문 초안을 작성한 시기보다 앞선 것이지만, 잔의 걸작에서 앞서 언급한 프랑스 시인이 나중에 촉진한 정신적 자동화가 이미 잘 구체화되어 있습니다. 사실 The Carnival of Harlequin은 상상의 환상적이고 초현실적인 비전에 형태를 부여하며, 예술가는 이를 현실의 일부 요소와 연결하여 외부화하고 싶어하며, 이는 또 다른 의미를 가지고 변형되어 새로운 시각적 해석을 야기합니다. 이런 의미에서 화가가 표현한 것은 무의식의 차원이며, 종종 발판 사다리의 묘사를 통해 설명되며, 이는 거장의 작품에서 반복되고 문제의 그림에도 존재합니다. 는 현실에서 출발하여 상상을 넘어서는 발판을 의미합니다.

엘 그레코, 오르가스 백작의 매장 , 1586. 캔버스에 유채, 480×360cm. 세인트 토마스 교회, 톨레도.

8. 엘 그레코, 오르가스 백작의 매장(1586)

스페인 르네상스의 가장 중요한 인물 중 한 명인 엘 그레코(El Greco), 그리스 화가, 조각가, 건축가를 언급하지 않는다면 스페인 예술의 주요 인물을 요약하는 기능에 있어서 나의 상위 10위는 믿을 수 없을 것입니다. 황금 시대의 첫 번째 주인이 되십시오. 문제의 걸작, 즉 1586년에 제작된 오르가즈 백작의 매장(Burial of the Count of Orgaz)은 제목 자체가 명시한 사건을 우화적으로 묘사하고 있으며, 주요 주제는 성 스테파노와 오로지 이 행사를 위해 하늘에서 내려온 성 아우구스티누스. 14세기 초의 전설에서 영감을 받은 이 주제는 스페인 톨레도에 있는 산토 토메 교구 교회와 맺은 계약을 완전히 준수하여 화가가 그 그림을 오늘날까지 보존하고 있는 곳으로 표현했습니다. 어쨌든 후원자들의 요청을 충실히 이행했음에도 불구하고 엘 그레코는 관례적인 16세기 장례 행렬에 기인한 여러 특징, 두 성인의 의복, 그의 시대의 저명한 톨레도 인물. 이러한 해석 방식은 반종교 개혁의 교리에 따라 성자 공경과 영혼 구원을 위한 선행을 촉진하려는 의도를 추구한 기름의 순전히 교훈적인 목적을 촉진하기 위한 것입니다.

프란시스코 고야, 아들을 잡아먹는 사투르누스 , 1821~1823. 캔버스로 옮겨진 혼합매체 벽화, 143.5cm × 81.4cm . 마드리드 프라도 미술관.

7. 프란시스코 고야, 아들을 잡아먹는 사투르누스(1821-1823)

1821년에서 1823년 사이에 제작된 이 걸작은 소름 끼치는 환상을 구체적으로 보여줍니다. 모든 것이 불명확하고 어두운 배경으로 둘러싸여 있어 극단의 행위가 관심의 중심에 놓입니다. Manzanares 강(마드리드) 강둑에 있는 자신의 집 벽을 위해 예술가가 만든 작품인 Black Paintings 주기의 일부인 이 차가운 구성의 해석과 관련하여 젊음과 노년 사이의 갈등을 불러일으킬 수 있습니다. , 시간이 모든 것을 삼키는 것처럼 보이는 곳, 당시 스페인의 의인화, 격렬한 전쟁, 혁명, 절대주의를 통해 자녀를 먹을 수 있는 나라. 여기에 걸작에 귀속되는 또 다른 의미는 단순히 현대인의 조건을 묘사하려는 보다 분명한 욕망과 연결된다. 해석상의 의문이 남아 있지만, 이 그림이 어둡고 위협적인 색조 외에도 전통적으로 절망과 오래된 루벤스처럼 이전의 걸작에서 표현된 시대는 확실히 더 관습적으로 보일 뿐만 아니라 고야 작품의 주인공의 프로이트적 광기와는 거리가 멀다.

프란시스코 고야, 벌거벗은 마하, 1790-1800. 캔버스에 유채, 97cm × 190cm. 마드리드 프라도 미술관.

6. 프란시스코 고야, 벌거벗은 마하(1790-1800)

젊은 누드 모델은 그녀의 검은 곱슬머리도 그 자리를 찾아 옆으로 자유롭게 떨어지는 그녀의 몸의 한 지점인 그녀의 목덜미 뒤로 손을 교차한 채 관능적으로 기대어 있는 것처럼 시청자를 뻔뻔한 자신감으로 응시합니다. 통통하고 붉게 물든 뺨으로 둘러싸인 그녀의 얼굴. 그러한 환영은 녹색 벨벳으로 덮인 소파의 표면에서 자리를 잡습니다. 거기에는 여성이 눕는 두 개의 안감 쿠션과 그녀의 하반신 아래에 깔린 시트가 놓여 있습니다. 문제의 대담한 걸작은 대담함과 장난에 더해 혁신적이고 추악하게 음문과 배꼽을 연결하는 흑선을 보여주는 것으로 알려져 있으며 화가의 친구인 알바 공작부인과 그녀의 연인 페피타. 확실한 것은 캔버스가 Godoy 컬렉션에서 가장 노골적인 세속적 누드를 나타낸다는 것입니다. 그는 유럽 전역의 걸작과 Velázquez의 유명한 비너스를 포함하여 앞서 언급한 장르에 관한 풍부한 컬렉션을 소유한 유명한 군대에서 스페인의 정치가였습니다. 로크비. 정확히 이 맥락에서, 18세기에 스페인에서 기독교 교리에 반하는 누드화가 실제로 어떻게 금지되었는지 명시할 필요가 있습니다. 명시적인 것.

파블로 피카소, Les demoiselles d'Avignon, 1907. 캔버스에 유채, 243.9 cm × 233.7 cm. 현대 미술관. 뉴욕 시 Lillie P. Bliss Bequest를 통해 획득했습니다.

5. 파블로 피카소, 아비뇽 처녀(1907)

Les Demoiselles d' Avignon이 예술사에서 빼놓을 수없는 걸작, 즉 결코 만들어지지 않았다면 우리에게 알려진 창의적인 탐구 과정이 분명히 다른 길을 택했을 작품 중 하나 인 이유는 무엇입니까? 답은 이 그림이 피카소의 첫 번째 입체파 작품으로 간주된다는 사실에 있습니다. 이 작품은 화가가 바르셀로나 매춘 업소를 자주 방문하여 얻은 비전에서 영감을 받았을 것입니다. Carrer d' Avinyò에 있습니다. 또한 문제의 그림이 어떻게 100번 이상의 연구 결과인지를 강조하는 것이 좋습니다. 메멘토 모리(memento mori)는 화가가 섹스의 위험, 즉 당시 유행했던 매독에 대해 경고하기를 원했던 작품입니다. 1907년에 제작된 이 걸작의 묘사에 관해서는 고전 전통의 비너스를 인용한 5명의 소녀가 뻔뻔스럽게 나체를 드러내며 관객의 눈에 자신을 바치는 모습을 묘사하고 있다. 마지막으로, 그들의 얼굴에 관한 한, 그들은 이전의 예술적 전통과 함께 고의적인 휴지기를 나타냅니다. 즉, 직접적이고 알아볼 수 있고 더 파악하기 어렵고 항상 기형으로 특징지어지고 되돌아가도록 의도된 강렬한 시선으로 구현된다는 점입니다. 전통적인 아프리카 마스크의 예에.

프란시스코 고야, 1808년 5월 3일, 1814년. 캔버스에 유채, 268cm × 347cm. 마드리드 프라도 미술관.

4. 프란시스코 고야, 1808년 5월 3일(1814)

프란시스코 고야, 1808년 5월 3일(1814): 오직 등불만이 저녁의 어둠을 비추는 어둠에 가려진 환경에서 한줄기 빛이 반항적인 궁핍한 농민을 더 강렬하게 비추기 위해 옵니다. 자유를 위해 자신의 존재를 희생해야 함을 받아들입니다. 마찬가지로 고통과 극심한 고통 속에서 십자가에 못박힌 그리스도의 모습은 종종 미술사의 이야기에 등장하는데, 이 모독적인 경우에 그는 쓰러지거나 겁에 질린 동지들에 둘러싸여 있으며, 그들 앞에는 그룹으로 구성된 총살대가 있습니다. 나폴레옹 휘하의 프랑스군. 사실, 이 그림은 1808년 스페인 독립 전쟁 점령 기간 동안 일어난 프랑스 군대에 대한 마드리드 군대의 저항을 분명히 묘사하기 위한 것입니다. 또한 비슷한 주제의 관심사는 예술가의 다른 작품, 즉 나폴레옹 군대의 스페인 침공에 대한 그의 슬픔을 구체적으로 구체화한 The Disasters of War라는 제목의 판화 시리즈로 밝혀졌습니다. 그러나 1814년 걸작의 스타일과 관련하여 후자의 생생한 드라마는 순전히 낭만적인 것으로 간주될 수 없지만, 민감한 감정적 외현화가 해당 운동의 화가들의 작품과 어떻게 유사하게 나타나는지에 대해서는 논란의 여지가 없습니다. 마찬가지로 회화는 낭만주의와 신고전주의가 추구하는 미의 이상화와 거리를 둔다.

Diego Velázquez, Las Meninas , 1656. 캔버스에 올리, 320,5cm × 281,5cm. 마드리드 프라도 미술관.

3. 디에고 벨라스케스, 라스 메니나스(1656)

예술사에서 가장 잘 알려진 장면 중 하나는 단순히 진부함으로 설명하고 싶지는 않지만 Diego Velázquez의 작업실에서 일어났습니다. 마드리드에 있는 Real Alcázar의 홀을 그의 아틀리에로 사용했는데, 주권자가 종종 작업 중인 주인을 관찰하는 데 시간을 보내는 공간이었기 때문에 많은 사람들이 필립이 왕족의 행동 법칙을 어겼고 심지어 화가와 친구가 되었다고 믿게 되었습니다. 문제의 걸작에 대해 말하자면, 그것은 예술이 현실을 효과적으로 재현할 수 있는 방법을 명시하는 것을 목표로 하는 선전 선언문이 되도록 설계되었기 때문에 표면적으로만 궁정 초상화를 묘사합니다. 어쨌든 복잡한 구성은 예를 들어 왜 주권자가 거울에 나타나는가를 포함하여 여러 해석과 질문에 무르익었습니다. 이 인물들은 하프 라이트에서 포즈를 취하는 장면을 염탐하는 데 열중했을 가능성이 높으며, 빛은 배경에서 나오는데, 현장에 도착한 니에토 여왕의 조수가 다소 수수께끼로 남아 제자리를 찾습니다. 마지막으로, 큰 관련성은 예술가 자신이 작품 안에 존재한다는 것인데, 아마도 자신을 축하하려는 그의 의도, 필리프 4세의 궁정에서의 그의 존재, 그의 역할, 그의 개인적 개념을 구체화하려는 그의 열망을 나타내기 위한 인물일 것입니다. 그 그림은 예술 중에서 우월한 것으로 밝혀졌습니다.

살바도르 달리, 기억의 지속 , 1931. 캔버스에 유채, 24cm × 33cm. 현대 미술관, 뉴욕시.

2. 살바도르 달리, 기억의 지속(1931)

많은 사람들이 "부드러운" 시계, 즉 거의 액체의 일관성을 가지고 있는 기억의 지속을 기억하지만, 이것들이 살바도르가 감탄했던 카망베르 치즈의 신장을 관찰함으로써 영감을 받았다는 것을 아는 사람은 거의 없습니다. 열. 사실, 시간의 흐름에 구체적인 형태를 부여하는 것을 목표로 하는 그러한 평범한 시각을 걸작으로 변형시킬 수 있었던 것은 정확히 스페인 거장의 괴짜 두뇌였습니다. 즉, 즐거우면 더 빨리, 고통스러울 때 더 느리게 만드는 마음의 상태입니다. 또한 달리에 따르면 기억도 비슷한 기능을 하는데, 관심 있는 것은 멀리 떨어져 있어도 기억하기 쉽고, 사소하고 가까운 순간은 잊을 가능성이 높다는 점이다. 요컨대, The Persistence of Memory에 그려진 시계는 기억뿐 아니라 마음의 상태와 통제할 수 없이 연결된 시간적 조건을 정확히 상징할 것입니다. 마지막으로 여전히 걸작이라는 주제에 관해서는 달리의 가장 잘 알려진 작품 중 하나인 이 작품이 1931년 미술상 줄리앙 레비(Julien Levy)가 자신의 Nweyork 갤러리에 어떻게 전시했는지 강조할 가치가 있습니다. 카탈로니아 어 마스터에 대한 관심.

파블로 피카소, 게르니카 , 1937. 캔버스에 유채, 349.3×776.6cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 마드리드.

1. 파블로 피카소, 게르니카(1937)

연단을 차지하는 작품의 경우에도 1920년대 중반 파블로가 초현실주의적 관점에 접근한 결과, 그림의 양식적 특징에 집중하기 위해 그림에 대한 가장 단순하고 일반적인 설명을 피하고 싶습니다. , 그 당시 주로 정물, 사물 및 악기가있는 인테리어 제작을 통해 표현되었습니다. 혁신을 불러일으킨 것은 이러한 전통적인 주제였으며, 같은 시기에 피카소는 형태를 깨는 다양한 방법과 다양한 관점에서 구성을 표현하는 방법을 알게 되었고, 이는 나중에 입체파 혁명을 일으켰습니다. " 그러나 어쨌든 예술을 자아의 외현화 도구로 여겼던 작가는 불안한 동시대 제1차 세계대전과 관련된 슬픈 사건에서 영감을 받아 밀실공포증이 있는 공간의 구성을 통해 이 조형적 탐구를 표현했습니다. 앞서 언급한 내밀주의적 연구에 더해, 그 시대의 스페인 거장의 작품은 또한 거장이 수행한 많은 격동적인 관계의 형태를 취할 수 있는 영감을 주는 뮤즈로 이해되는 여성 인물의 지속적인 존재로 특징지어졌습니다. 또한 게르니카가 탄생하기 바로 전 몇 년 동안 피카소는 여성의 몸이 전달하는 상징주의에 집중했으며, 그 연구는 이전 연구와 함께 문제의 걸작을 창조하는 데 정점을 이루었습니다. 사실 게르니카는 피카소를 유명하게 만든 모든 시각적 특징이 통합된 그의 예술적 노력의 정점을 나타내므로, 개발의 이전 단계와 필요한 단계를 간략하게라도 분석하지 않고는 작품을 전혀 이해할 수 없습니다. 그의 시각적 언어. 어쨌든 이 그림은 전쟁의 공포를 묘사함으로써 모든 형태의 사악한 갈등에 대한 투쟁의 탁월한 상징이 되었다는 사실로 가장 잘 알려져 있습니다.