수채화 기법: Turner와 Sargent는 베니스를 묘사합니다.

개인적으로, 나는 이 회화적 매체에 대한 실험을 통해 베니스의 상징적인 도시를 정확히 엿볼 수 있게 한 대가인 William Turner와 John Singer Sargent의 이 기법에 대한 구상적 연구를 제시하는 것보다 수채화를 소개하는 더 좋은 방법이 없다고 생각합니다. . 문제의 예술적 조사는 또한 이 두 화가가 이미 예술사에서 유명한 걸작의 대상이 된 앞서 언급한 이탈리아 도시와 Gentile Bellini, Vittore Carpaccio 및 Canaletto와 같은 사람들의 긴밀한 관계를 드러낼 것입니다. 1775년에 태어난 영국의 화가이자 조각가인 윌리엄 터너(William Turner)에 대해 말하자면, 낭만주의의 저명한 대표자로서 인상주의의 문체적 특징을 예견하는 것을 목표로 개인의 관점으로 해석한 운동, 그리고 어떤 경우에는 그러한 움직임까지도 추상주의의 영향으로 그는 1819년과 그 후 1828년과 1929년 사이에 두 차례 베네치아 수도에 머물렀다. 석호 생활의 순간, 영국 예술가가 이탈리아 도시와 맺은 매우 긴밀한 유대의 구체적인 상징은 확실히 전형적인 베네치아 빛의 매력뿐만 아니라 잘 알려진 역사 문학적 언급과 후자의 세계적으로 유명한 화가. 종종 정확하고 후기의 유화 작품으로 변형되는 그러한 비유적 내러티브에서 베니스의 이원론이 등장하는데, 이는 매우 인지도가 높은 주제가 있는 공공 도시이자 더 훼손되고 더 조용한 장소를 묘사하는 더 훼손되고 보존된 위치로 서술됩니다. 예술가의 보다 성찰적인 성찰에 목소리를 냅니다. 바로 이런 의미에서 그러한 수채화 작품은 궁정 예술가이자 권위 있는 왕립 예술 아카데미 회원으로서의 역할에서 벗어나 자신을 호기심 많고 지칠 줄 모르는 여행자로 제시하는 새로운 터너를 드러낼 수 있습니다. 자연의 가장 이질적인 비밀과 충돌하는 외로운 영웅의 낭만적 인 신화.

윌리엄 터너, 일몰 의 산 조르지오 마조레 , 1840. 수채화. 런던: 테이트 갤러리.

존 싱어 사전트, 베네치아 운하, 1913. 수채화. 뉴욕: MET.

이 스케치의 단순함과 자발성은 또한 일몰의 산 조르조 마조레( San Giorgio Maggiore at the sunset , 1840)를 특징짓습니다. 이 수채화는 영국인이 Hotel Europa(Palazzo Giustinian)에 위치한 그의 호텔 방에서 대성당의 전망을 캡처한 것입니다. 그는 황혼에 싸인 그 주제를 엿볼 수 있습니다. 1856년에 태어난 미국 인상파 화가는 초상화 화가로서 번창하던 시절 자신을 재창조하고 수채화를 통해 창의성을 재발견하기로 결정했습니다. " 라이프 스타일, 즉 유럽과 중동으로의 발견 항해에 주로 초점을 맞췄습니다. 많은 목적지 중에서 베니스는 확실히 사전트의 가장 사랑받는 장소를 나타냅니다. 그는 1870년 첫 번째 여행 이후 40년 동안 10번 이상 그곳을 방문하여 약 150개의 베네치아 테마 오일과 수채화를 제작했습니다. 1880년대와 1913년 사이. 이 석호 이야기의 예는 운하의 잔물결이 햇빛과 인근 건축물을 반사하는 수채화인 Venetian Canal (1913)입니다. 성 바나바의 모습도 엿볼 수 있습니다. 뷰의 관점에서 볼 때 주인은 마치 곤돌라에 편안하게 앉아있는 것처럼 장면을 묘사 한 것으로 보입니다.이 위치에서 작가는 주목에 비해 일부 시민의 움직임도 포착했습니다. 건축에 지불된, 몇 번의 브러시 스트로크로 표시되는 멀리 있는 존재로 나타납니다. 유사한 문체 특징은 또한 베니스, 감옥 (1903)이라는 제목의 초기 수채화를 구별합니다. 석호 도시에서 우리는 산마르코 분지를 내려다보고 유명한 탄식의 다리로 총독의 궁전과 연결되는 Palazzo delle Prigioni Nove를 1589년 Antonio Da Ponte에 의해 설계되었습니다. 베니스 공화국의 가장 오래된 집정관. 그러나 작품의 전경은 여러 대의 곤돌라가 차지하고 있는데 서로 가까이 있고 물 위에 가만히 서 있으면 운하 표면에 강렬한 색채 반사를 일으키는 반면 뒤에 있는 건물의 "창백함"은 반사됩니다. 강렬한 햇빛.

나탈리아 베이너, 여름 아침 , 2022. 종이에 수채화, 51.5 x 63 cm.

Kate Matveeva, 빛을 향해 달리는 것, 2022. 종이에 수채화, 50 x 40 cm.

수채화 기법: 고대 그리스에서 현대까지

가장 접근하기 쉬운 정의를 참조하여 Wikipedia는 수채화를 결합제와 혼합된 미세하게 분쇄된 안료의 사용으로 표시되는 회화 기법으로 설명합니다. 결합제는 나중에 그림 지지대에 바르기 위해 물로 희석됩니다. 부드럽고 섬세한 색상을 특성화하여 구성을 만듭니다. Turner와 Sargent의 예에서 볼 수 있듯이 이러한 예술적 탐구 도구는 재료에서 빠르고 쉽게 운반할 수 있다고 간주되어 여행이나 야외에서 그림을 그리는 사람들에게 완벽한 것으로 판명되었습니다. 이러한 장점에도 불구하고 수채화의 사용은 17세기까지 널리 보급되지 않았습니다. 비록 오늘날 알려진 형태는 아니지만 고대 이집트 시대부터 중국 문화에도 존재했습니다. 초기 세기 CE와 나중에 중세 세계에서 미니어처리스트의 현대 구 아슈 기법과 더 유사한 효과와 함께 사용되었습니다. 반면에 William Turner, William Blake, Charles-Joseph Natoire, Louis-Jean Despez와 같은 예술가들은 단순한 물로 희석되고 매우 유동적으로 퍼지는 현대 수채화와 유사한 "버전"의 수채화를 사용했습니다. 종이의 특징적인 흰색 위에 유약을 입혔습니다. 18세기 후반에서 19세기 사이에야 비로소 수채화가 유화에 버금가는 예술적 기법으로 여겨졌던 것은 바로 후자의 거장들의 작품에서 나온 것입니다. , 알브레히트 뒤러(Albrecht Dürer)와 피사넬로(Pisanello)와 같은 위대한 거장이 때때로 그랬던 것처럼. 수채화의 위대한 전통은 현재 확립된 매체의 예술적 위엄이 Ingaside, Irina Pronina 및 Karin Martina Wloczyk의 작품으로 잘 예시되는 Artmajeur 예술가의 풍부하고 다양한 작업을 통해 표현되는 현대 미술에서 이어집니다.

Ingaside, 수염을 가진 매우 행복한 토끼 , 2022. 종이에 수채화, 38 x 56 cm.

Ingaside: 수염이 있는 매우 행복한 토끼

Artmajeur 예술가의 수채화는 생일 파티에 초대되었을 것 같은 세 마리의 즐거운 토끼가 귀여운 종이 콧수염을 자랑하고 길고 뻣뻣하고 뻗은 귀에 삼각형과 자전거 장식, 명시적이고 즐겁고 평온한 축하 분위기를 암시하기 위해 엄격하게 연구되었습니다. 그러나 순전히 예술사적 관점에서 볼 때, 앞서 언급한 동물은 알브레히트 뒤러 의 1502년 수채화와 같이 훨씬 더 진지한 걸작의 주인공이었습니다. 그 경우를 위해 그는 아마 잡아서 자신의 아틀리에에 배치했을 것입니다. 동물이 두려워할 수 있었던 것은 바로 그런 맥락에서, 귀의 자세로 정확하게 드러날 수 있는 감정이 긴장하고 단단하게 위쪽으로 배열되어 있습니다. 세부 사항에 대한 이러한 모든 관심은 독일인 마스터가 동물에 대한 사랑을 키운 것을 증언합니다. 그는 종종 뚜렷한 사실주의를 통해 묘사했습니다. 신체 부위.

Irina Pronina, Lush Petunia , 2022. 종이에 수채화, 78 x 56 cm.

Irina Pronina: 무성한 페튜니아

수채화가 탐구하는 주제에 대한 미술사의 내러티브는 도시와 동물에 대한 묘사에만 국한되지 않고 다채로운 꽃의 세계를 포함한다. 실제로 Irina Pronina의 Lush Petunia 는 수채화와 꽃 유화로 가장 잘 알려진 미국 화가 조지아 오키프의 예술적 탐구를 뒤따르는 것으로 보인다. 1920년대 중반과 1950년대 사이. 그녀의 경력의 이 단계에서 그러한 예술가는 어린 시절부터 꽃의 세계에 영향을 받아 정물 스타일의 "고전적" 구성 내에서 앞서 언급한 주제를 발전시켰습니다. 추상화를 지향합니다. Pronina의 페튜니아에 대한 사실적인 렌더링은 분명히 후자의 관점에서 출발합니다. "미니멀리스트" 클로즈업보다 더 통풍이 잘 되는 프레임을 선호하여 동일한 꽃의 여러 표본을 관찰할 수 있습니다. Artmajeur 예술가의 예술에 대한 개인적인 견해의 상징으로, 주로 가장 이질적인 종의 식물을 조사하는 것을 목표로 합니다.

Karin Martina Wloczyk, Kenn dein limit!, 2021. 종이에 수채화/분필, 50 x 50 cm.

Karin Martina Wloczyk: Kenn dein limit!

켄 데인 리미트! 화려한 기하학적 인물을 포함하고 있지만 기하학적 추상주의의 엄격하고 합리적인 통제에 의해 지배되는 대신 상상력을위한 충분한 여지를 남긴다는 점에서 앞서 언급 한 운동의 서정적 흐름에 속하는 추상 수채화입니다. 뿐만 아니라 본능적으로 작품에 정사각형과 직사각형을 겹칠 자유를 느꼈던 작가의 개인적인 세계도 마찬가지였다. 유사한 원리는 1914년 Paul Klee가 제작하고 스위스 베른의 Kuntsmuseum에 보존된 In the style of Kairouan 과 같은 미술사에서 잘 알려진 수채화에서 찾을 수 있습니다. 명작의 제목은 작가가 같은 해에 루이 무예(Louis Moilliet), 오거스트 마케(August Macke)와 함께 방문한 튀니지 도시 카이루앙(Kairouan)을 명시적으로 언급하고 있다. 이러한 인용에도 불구하고 이 그림은 서로 겹쳐진 직사각형, 다각형 및 추상적인 색 원의 존재로 대체하기 위해 현실의 사실적인 렌더링을 포기했습니다. 그러나 기법과 관련하여 수채화는 실험적인 방식으로 Klee에 의해 조사되었습니다. 그는 회색조를 통해 자신을 표현하는 것으로 시작하여 시간과 매체에 대한 숙달로 생생한 색상의 작품을 실현했습니다.