Paul Cézanne의 The Card Players (1890-95)

폴 세잔, 자화상 , 1888-1890. 캔버스에 유채, 44×36cm. Ny Carlsberg Glyptotek: 코펜하겐.

폴 세잔은 누구였습니까?

1839년 엑상 프로방스에서 태어나 1906년에 사망한 폴 세잔은 후기 인상파 운동의 일부였으며 특히 형식적 단순화 측면에서 20세기의 많은 아방가르드 운동의 토대를 마련했습니다. 세잔은 태평하지 않았고 화가가 아닌 변호사가 되기를 바라는 아버지와 긴장된 관계를 가졌습니다. 그는 반항하고 예술에 대한 열정을 추구했습니다. 그는 가까운 친구가 거의 없었지만 예술가 Camille Pissarro가 그들 중 한 명이었고 그들은 길고 생산적인 예술적 관계를 가졌습니다. 그러나 작가 Émile Zola는 운이 좋지 않았고 그의 소설 중 하나를 출판한 후 Cézanne으로부터 가혹한 비판을 받았습니다. Cézanne은 파리의 인상파 화가들과 함께 Café Guerbois를 자주 찾았지만 곧 회화에 대한 보다 과학적이고 성찰적인 접근 방식을 반영하는 개인적인 스타일을 개발했습니다. 그는 예술이 정당한 자율성을 가져야 한다고 믿었다. Cézanne은 그의 삶의 대부분을 프로방스의 프랑스 시골에서 보냈으며 그곳에서 Sainte-Victoire 산, 정물화, 초상화와 같은 많은 상징적인 작품에 대한 영감을 얻었습니다. 어린 시절 파리의 도시 생활에 매료되었지만 나중에는 고향의 시골 환경을 선호했습니다.

폴 세잔, 현대 올림피아 , 1888-1890. 캔버스에 유채, 46×55cm. 파리: 오르세 미술관.

5가지 핵심 개념

1. 형태와 색상: 세잔은 자신의 구성에서 형태와 색상을 똑같이 중요하게 여겼고, 단순한 자연의 모방을 넘어 새롭고 주관적인 회화적 현실을 창조하고자 했습니다.

2.단순화: 세잔의 작품은 형태를 단순화하고 대상을 기본적인 기하학적 형태로 축소한 것이 특징입니다. 그는 이러한 단순화가 주제의 근본적인 본질을 드러내는 데 필요하다고 믿었습니다.

3.현대 미술에 대한 영향: Cézanne의 회화에 대한 혁신적인 접근 방식은 입체파, 야수파, 추상 표현주의와 같은 현대 미술 운동에 중요한 영향을 미쳤습니다.

4.정물과 풍경: 세잔이 가장 좋아하는 주제는 정물과 풍경이었고, 그는 일상적인 환경의 사물을 독특하고 파격적인 방식으로 자주 묘사했습니다.

5. 개인 생활: 세잔은 은둔형 성격과 가족 및 친구들과의 어려운 관계로 유명했습니다. 그러나 그는 예술가로서의 발전에 영향을 준 Camille Pissarro 및 Émile Zola와 같은 다른 예술가들과 긴밀한 예술적 관계를 유지했습니다.

Paul Cézanne, Bellevue에서 본 Mont Sainte-Victoire , c. 1895. 캔버스에 유채, 73cm × 92cm. 펜실베이니아: 반스 재단.

스타일

초기 폴 세잔의 무거운 붓놀림과 두껍게 칠한 물감은 만질 수 있는 질감을 만들어냈고 붓자국이 선명하게 보였다. 이 "폭력적인" 스타일은 그가 Camille Pissarro를 만나 자연에서 벗어나 그림을 그리기 시작하면서 바뀌었습니다. 그의 스타일은 더 구조화되었고 그의 색상은 더 밝아졌지만 그의 붓놀림은 여전히 굵었습니다. 1870년대 후반에 세잔의 구성은 더 부드러워졌고 모네에게서 영감을 받은 붓을 사용하여 형태를 만드는 데 집중했습니다. 그러나 그는 종종 자신의 작품을 미완성 상태로 남겨두고 한 작품을 완성하는 데 몇 달이 걸렸습니다. 그는 초상화나 정물화를 완성하는 데 몇 달이 걸리는 새로운 윤곽선으로 각각의 이전 인물을 구축하는 분석적 방법을 사용했습니다. Cézanne의 방법은 너무 복잡해서 그림을 마치기 전에 시들기 때문에 실제 꽃을 사용할 수 없었습니다. 그는 그림과 스케치를 사용했지만 대부분의 작업은 캔버스 자체에서 수행되었습니다. 그는 자연에서 일하는 것이 도전적이라는 것을 알았고 종종 같은 주제로 여러 번 돌아왔습니다.

1870년대에 Paul Cézanne은 인상주의의 영향을 받았으며 살롱 심사위원단이 거부한 그룹에 이끌렸습니다. 인상파는 아니지만 Cézanne은 Camille Pissarro 및 Claude Monet과 같은 예술가와의 관계를 통해 더 밝은 색상 팔레트와 야외에서 그림을 그렸습니다. 그러나 Cézanne은 예술적 차이로 인해 결국 그룹에서 멀어졌습니다. Pissarro는 Cézanne에게 큰 영향을 미쳤으며 더 넓은 범위의 색상으로 야외에서 작업하도록 격려했습니다. Cézanne의 붓놀림은 더 유동적이고 덜 조밀해져서 인상주의로의 전환을 드러냈습니다. 그럼에도 불구하고 그는 실내 주제, 특히 꽃의 정물화에 대한 관심을 유지했습니다. 나중에 1870년대 후반에 Cézanne은 인상주의에서 벗어나 무겁고 어두운 색상이 특징인 스타일을 채택했습니다. 그는 자신의 그림에 반영된 표면의 아름다움을 단순히 복사하는 것이 아니라 자연을 분석하고 싶었습니다. 엑상 프로방스에 있는 그의 집과 자연에 대한 세잔의 사랑은 일생 동안 일시적인 아름다움보다는 자연의 끊임없는 측면을 포착하려고 노력하면서 그의 작품에 영향을 미쳤습니다.

과목

Paul Cézanne이 과일, 정물, 초상화, 풍경 등 전통적인 주제를 선택했음에도 불구하고 현대 미술에 미친 영향은 상당합니다. 그는 특히 1880년대부터 그의 작품에서 점점 더 중요해진 정물화 분야에서 혁신적인 스타일로 유명합니다. 그의 정물화는 그의 가장 중요한 예술적 업적으로 간주되며 20세기 초 예술의 양식적 발전에 지대한 영향을 미쳤습니다.

Paul Cézanne, The Card Players , 1894–95. 캔버스에 유채, 47.5cm × 57cm. 파리: 오르세 미술관.

카드 플레이어(1890-95)

카드 게임에 참여하는 두 사람은 클럽의 나머지 고객과 별도로 배치됩니다. 이 사람들은 아마도 소작농이었을 것이며, 그들 중 한 명은 Jas de Bouffan에 있는 예술가의 아버지 사유지에서 정원사로 일했던 Alexandre라는 이름일 가능성이 높습니다. 그들은 코르크 마개로 밀봉된 와인 한 병이 들어 있는 수수한 나무 탁자에 앉아 있습니다. 카드 플레이어는 소박하지만 존경할 만한 옷을 입고 있습니다. 왼쪽에 앉은 신사는 재킷과 모자를 모두 착용합니다. 조심스럽게 자신의 카드를 살펴보던 그는 파이프에서 담배를 피웁니다. 반면 오른쪽 선수는 더 젊어 보이고 좀 더 캐주얼한 옷차림을 하고 있습니다. 그 주변에는 유리문뿐만 아니라 boiserie로 알려진 방의 나무 벽 장식을 관찰할 수 있습니다.

Paul Cézanne의 그림 "Card Players"는 역사를 통틀어 다양한 미술 컬렉션의 일부였습니다. 그것은 처음에 Ambroise Vollard의 컬렉션에 포함된 후 Denys Cochin 컬렉션으로 전달되었고 나중에 Durand-Ruel 컬렉션의 일부가 되었습니다. 마침내 1911년까지 파리의 이삭 드 카몽도 백작의 컬렉션에서 그 자리를 찾았습니다. 그 후 백작에 의해 주립 박물관에 유증되어 결국 루브르 박물관에 보관되었습니다. 1947년부터 1986년까지 파리 주 드 폼 갤러리에 전시되었고, 이후 1986년 오르세 미술관으로 옮겨져 현재 전시되고 있다. Paul Cézanne은 카드 플레이어와 같은 주제로 5개의 그림을 그렸습니다. 오르세 미술관에 전시된 버전은 작가의 연구와 실험의 놀라운 결과를 보여주기 때문에 특히 주목할 만하다. 흥미롭게도 Le Nain 형제의 "The Card Players"라는 제목의 작품이 Aix-en-Provence의 박물관에 전시되었습니다. Cézanne이 시리즈에서 자신의 그림을 만들 때 이 작품에서 영감을 얻었을 가능성이 있습니다.

1894년에서 1895년 사이에 제작된 이 작품은 후기 인상주의 거장 세잔이 그린 카드 연주자의 유화 시리즈에 속하는 주목할 만한 작품입니다. 이 그림들은 세잔의 생애 마지막 시기에, 특히 1890년대 초에 제작되었으며, 시리즈는 5개의 독특한 작품으로 구성되어 있습니다. 각 버전은 크기, 묘사된 플레이어 수, 카드 게임 설정이 다릅니다. The Card Players 시리즈를 준비하면서 Cézanne은 수많은 그림과 연구를 광범위하게 만들었습니다. 특히 The Card Players 시리즈의 버전 중 하나는 2011년 카타르 왕실에 약 2억 5천만 달러(오늘날 3억 110만 달러에 해당)에 판매되어 그림에 지불된 최고 가격으로 새로운 기록을 세웠습니다. 이 기록은 2017년 11월에야 깨졌다.

스타일

Paul Cézanne은 장면의 인물을 구성할 때 기하학적 단순화를 사용했습니다. 왼쪽 플레이어의 모자, 팔, 몸통은 원통형으로 축소되고 작은 테이블은 단순화된 평행 육면체로 묘사됩니다. 사지 사이의 관계도 삼각형을 형성하는 구부러진 팔과 함께 기하학적 패턴으로 변환됩니다. Cézanne의 주요 초점은 실제 형태의 분석과 단순화를 통한 묘사였으며, 이것이 그의 접근 방식이 후기 인상파라고 불리는 이유입니다. 그의 작업 방식은 사건을 서술하거나 특정한 마음 상태를 표현하는 데 관심이 없었기 때문에 완전히 합리적이었습니다. 이러한 연구 활동은 큐비즘의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. Cézanne의 붓놀림은 넓고 규칙적이어서 인물과 주요 덩어리의 기하학적 단순화를 강조하는 조각 효과를 만듭니다. 사용된 모델링 기술은 합성이며 형태의 기하학적 단순화를 강조합니다.

색상 및 조명

Paul Cézanne의 그림 "Card Players"는 따뜻한 색상과 차가운 색상을 모두 사용하여 균형 잡힌 색상 구성표를 보여줍니다. 두 선수와 그들의 주변 환경은 파란색, 녹색, 회색과 같은 시원한 색조로 묘사됩니다. 대조적으로 커피 테이블, 손, 얼굴, 목공품은 분홍색, 주황색, 갈색의 따뜻한 색조로 칠해져 있습니다. 이것은 파란색과 주황색 경향과 함께 보색의 주요 대비를 만듭니다. 초점을 강화하기 위해 추가 밝기 대비가 있으며, 특히 오른쪽 선수의 얼굴과 재킷에서 눈에 띕니다. 그림의 전반적인 색상 구성은 따뜻한 색조와 차가운 색조 사이의 조화로운 상호 작용을 달성하여 시각적 균형을 설정합니다.

우주

작품의 중심에 그려진 커피 테이블은 원근법을 통해 입체적인 공간감을 연출하는 데 중요한 역할을 한다. 테이블의 원근선은 깊이를 설정하고 공간 배열을 구조화하는 데 도움이 됩니다. 또한 겹치는 관점은 플레이어의 적절한 표현과 테이블 전체에서의 상호 작용에 기여합니다. 인물과 배경 사이의 조명 대비도 공간 구성의 구성에 영향을 미쳐 요소 간의 관계를 강조하고 공간 인식을 향상시킵니다.

구성 및 프레임

Cézanne의 그림 "Card Players"는 수직축을 따라 중앙 대칭의 배열에 기여하는 거의 정사각형 형식을 채택합니다. 중앙에서 서로 접근하는 두 손의 위치는 대칭감을 형성합니다. 그런 다음 팔과 몸통이 위치에 약간의 변화를 주어 미러링됩니다. 작은 탁자도 정면으로 그려 이미지의 전체적인 안정감을 높였다. 배경은 판넬과 유리 요소가 특징이며 깨끗하고 정돈된 배경을 제공합니다. 그 결과 그림은 안정감과 고요함, 정지된 시간을 불러일으킨다. 또한 조형의 견고함과 절제된 구도 덕분에 기념비적인 조형미를 뽐내고 있다.

인사이트

파리의 다른 많은 예술가들과 마찬가지로 Paul Cézanne은 종종 비스트로를 방문했습니다. 이러한 시설은 도시의 사회 및 문화 생활의 활기찬 허브 역할을 했습니다. 손님들은 테이블 주위에 모여 술을 마시고 담배를 피우고 카드 놀이를 했습니다. 담배 연기와 술로 고조된 분위기 속에서 의미심장한 대화와 노래, 춤, 때로는 격렬한 싸움까지 펼쳐졌다.

Paul Cézanne, The Card Players, 1892–93. 캔버스에 유채, 97×130cm, 개인소장.

시리즈

미술 평론가들은 세잔의 그림 시리즈를 1890년대 초반에서 중반까지 그의 예술적 발전의 근본적인 측면으로 간주합니다. 이 작품들은 또한 그가 가장 찬사를 받는 걸작 중 일부를 제작한 말년의 전조로 간주됩니다. 시리즈의 각 그림은 카드 게임과 담배 파이프에 몰두한 프로방스 지역의 농부를 묘사합니다. 전적으로 남성인 피험자들은 진지하고 집중된 태도로 묘사되며 그들의 눈은 그들 앞에 있는 게임에 고정되어 있습니다. Cézanne은 17세기 네덜란드와 프랑스의 풍속화에서 영감을 얻었는데, 종종 난폭하고 술에 취한 도박꾼들이 선술집에서 벌이는 활기찬 카드 게임을 묘사했습니다. 그러나 Cézanne은 단순한 설정에서 소란스러운 캐릭터를 엄숙한 상인으로 대체하는 다른 접근 방식을 선택했습니다. 장르의 이전 그림의 극적이고 내러티브 중심의 구성과 달리 Cézanne의 초상화는 극적 요소, 스토리 텔링 및 전통적인 특성이 부족한 것이 특징입니다. 17세기 장르와 달리 세잔의 작품은 2인용 버전에 있는 사용하지 않은 와인 병을 제외하고는 술과 돈이라는 두드러진 요소를 눈에 띄게 배제합니다. Cézanne 그림의 모델은 지역 농장 노동자였으며, 그들 중 일부는 Jas de Bouffan으로 알려진 Cézanne 가족 사유지에서 일했습니다. 각 장면은 고요한 집중의 순간을 포착하며, 남자들은 서로가 아닌 자신의 카드를 내려다보고 있습니다. 카드 자체는 업무 이외의 주요 커뮤니케이션 수단으로 사용됩니다. 한 비평가는 이러한 장면을 "인간의 정물화"라고 설명했고 다른 비평가는 카드 플레이어가 보여주는 강렬한 초점이 자신의 예술에 대한 예술가 자신의 몰입을 반영한다고 추측했습니다.

회화

Cézanne은 카드 놀이를 묘사한 총 5개의 그림을 그렸지만 마지막 세 그림은 유사한 구성을 공유하고 두 명의 플레이어를 특징으로 합니다. 이러한 유사성 때문에 때때로 단일 버전으로 간주됩니다. 이 그림들의 정확한 연대는 불확실하지만, 전통적으로 세잔은 더 큰 캔버스로 시작하여 이후 버전에서 점차 크기를 줄였다고 믿어왔습니다. 그러나 최근 연구에서는 이 가정에 의문을 제기하여 그림의 연대순에 의문을 제기했습니다. 1890년에서 1892년 사이에 제작된 가장 큰 카드 플레이어 그림은 매우 복잡한 구성입니다. 134.6 x 180.3cm(53 x 71인치) 크기의 캔버스를 차지하며 다섯 인물을 전시합니다. 전경에는 세 명의 카드 플레이어가 테이블 주위에 반원형으로 앉아 있고 그 뒤에 두 명의 관중이 있습니다. 그림의 오른쪽, 두 번째 선수의 뒤, 세 번째 선수의 오른쪽에는 시선이 아래로 향한 소년이 게임을 주의 깊게 관찰하고 있습니다. 뒤쪽으로, 첫 번째 플레이어와 두 번째 플레이어 사이의 왼쪽에는 벽에 기대어 파이프 담배를 피우고 테이블에 합류할 차례를 기다리는 것처럼 보이는 남자가 서 있습니다. Cézanne은 그림에 깊이를 더하고 캔버스의 윗부분에 주의를 끌기 위해 서 있는 남자를 포함했다고 제안되었습니다.

다른 버전과 마찬가지로 이 그림은 헐렁한 옷을 입고 자연스러운 자세를 취하고 카드 게임에 완전히 몰두한 농민 남성을 특징으로 하는 절제된 내러티브를 제공합니다. 작가 니콜라스 와들리는 색상의 변화, 빛과 그림자의 상호 작용, 모자 모양, 옷의 주름과 같은 대조 요소가 반대를 통해 갈등의 이야기를 만들어내는 "반대의 긴장"을 언급했습니다. 일부는 이 특정 버전에서 가장 분명한 시리즈에 묘사된 "소외감"을 설명했습니다. 현재 이 그림은 펜실베니아주 필라델피아에 있는 반스 재단 박물관에 소장되어 전시되어 있습니다. 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관은 오랫동안 The Card Players 시리즈의 두 번째 반복으로 여겨졌던 그림의 보다 압축된 버전을 소장하고 있습니다. 크기는 65.4 x 81.9cm(25 3/4 x 32 1/4인치)로 반스 그림의 절반도 안 됩니다. 이 연주에서 소년이 없는 것을 제외하고는 구성이 거의 변하지 않았습니다. 보는 사람의 시선이 게임에 조금 더 가까워지고 인물 사이의 간격이 줄어듭니다. 이전 그림과 달리 이 버전의 모든 남성은 모자를 쓰고 있는 것으로 묘사됩니다. 또한 꽃병이 있는 왼쪽 선반과 벽 중앙에 있는 액자의 아래쪽 절반은 생략되어 카드 플레이어 뒤에 4개의 파이프와 걸이 천만 남았습니다.

폴 세잔, 파이프를 든 남자 , c. 1890. 캔버스에 유채, 90 × 72cm. 에르미타주 박물관, 상트페테르부르크.

이 그림은 더 큰 버전에 비해 파란색 톤이 덜 강조된 더 밝은 색상 팔레트를 특징으로 합니다. The Card Players의 이 버전에 대해 수행된 X-레이 및 적외선 연구는 Cézanne의 투기 계획 프로세스를 나타내는 예비 흑연 밑그림 레이어를 드러냈습니다. 그것은 또한 작업된 유성 페인트의 광범위한 층을 보여주며, 이 버전이 세잔의 시리즈의 두 가지 가장 큰 버전의 예비 작업으로 사용되어 두 번째 버전이라는 역사적 믿음에 도전할 수 있음을 시사합니다. 밑그림은 또한 세잔이 이전에 별도의 연구에서 그린 개별 인물을 단일 캔버스로 옮기는 데 어려움을 겪었음을 나타냅니다. The Card Players의 마지막 세 가지 버전에서 Cézanne은 관중과 불필요한 세부 사항을 제거하고 필수 요소, 즉 게임에 몰두한 두 명의 플레이어에만 집중함으로써 "공간적 난제"를 해결한 것으로 여겨집니다. 장면의 구성은 의도적 반대에서 서로의 상대가 되는 두 플레이어 사이의 자연스러운 대칭과 함께 균형 잡힌 비대칭으로 묘사됩니다. 왼쪽의 남자는 좀 더 어둡고 격식을 차린 옷차림으로 파이프 담배를 피우고 챙이 아래로 드리워진 모자를 쓰고 있는 모습으로 묘사되어 있고, 오른쪽의 남자는 더 가볍고 헐렁한 옷을 입고 파이프 없이 모자를 쓰고 있는 모습으로 묘사되어 있습니다. 챙이 위로 향한 모자가 탁자 위에 기대어 있습니다. 그들이 들고 있는 카드조차도 밝은 톤과 어두운 톤이 대조를 이룹니다.

각각의 2인용 그림에서 독방의 와인병은 테이블 중앙에 위치하여 두 참가자 사이의 구분선과 그림의 대칭적 균형의 중심을 모두 상징합니다. 세 가지 버전 중 가장 유명하고 자주 복제되는 버전은 파리의 오르세 미술관에 소장되어 있습니다. 이 그림은 47.5 x 57cm(17 3/4 x 22 1/2인치) 크기로 가장 작습니다. 미술사학자 Meyer Schapiro는 이 버전을 "가장 기념비적이고 세련된" 버전이라고 설명했으며, 모양 사이의 더 단순하지만 더 다양한 관계를 특징으로 합니다. 희박하게 칠해져 있으며 일반적으로 The Card Players 시리즈의 마지막 작품으로 간주됩니다. 장면은 원근법의 변화를 겪습니다. 왼쪽의 플레이어는 의자를 포함하여 프레임 내에서 더 눈에 띄게 위치하여 근접한 착시를 만듭니다. 대조적으로, 오른쪽에 있는 파트너는 장면에서 부분적으로 차단되어 등을 가리고 테이블은 비스듬히 제시됩니다. 비평가들은 Cézanne의 색상 사용에서 "절제된 속임수"를 관찰했습니다.

입체적인 형태는 구조를 전달하기 위해 "프라이밍" 색상을 얇게 바르고 등급을 매긴 레이어로 렌더링되며, 라일락과 녹색 터치는 캔버스에 생기를 불어넣습니다. 그림의 아래쪽 절반은 식탁보에 밝고 깊은 색상을 사용합니다. The Card Players의 이 특정 버전은 1961년 8월 Aix의 순회 전시회에서 8개의 Cézanne 그림이 도난당한 주목할만한 절도 사건에 연루되었습니다. 도난당한 작품인 The Card Players는 프랑스 정부가 손실을 인정하기 위해 발행한 4색 우표의 대상이 되었습니다. 다행히 몸값을 지불하고 몇 달 후 모든 그림이 복구되었습니다. 다른 2인용 그림은 런던의 Courtauld Institute of Art와 개인 소장품에서 찾을 수 있습니다. 2012년 2월 Vanity Fair는 카타르 왕가가 2011년에 그리스 선박 거물인 George Embiricos의 개인 소장품에서 2억 5천만 달러에서 3억 2천만 달러 사이로 추정되는 기록적인 가격에 자신의 그림 버전을 구입했다고 보도했습니다.

폴 세잔, 카드놀이하는 사람들, 1890-1892. 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕.

1890–92 버전

50대에 세잔은 이전에 Caravaggio와 Chardin과 같은 존경받는 예술가들에게 영감을 주었던 주제의 본질을 포착하는 데 중점을 둔 회화 프로젝트에 착수했습니다. 이 강력한 프로방스 장면에서 알 수 있듯이 처음부터 그는 자신의 것으로 만드는 데 단호했습니다. 세잔은 현지 농장 노동자들에 대한 연구를 바탕으로 이 구성을 세심하게 구성했습니다. 자신의 비전을 해독한 후 그는 카드 플레이어의 자세와 위치를 계속해서 수정하여 카드 뒤에 있는 벽에 걸려 있는 4개의 파이프처럼 완벽하게 제자리에 들어갈 때까지 조정했습니다. 세잔이 이곳에서 성취한 조용한 권위는 더 큰 버전의 작품(필라델피아의 반스 재단에 위치)의 토대가 되었으며, 세잔은 더 나아가 불필요한 세부 사항을 제거하고 오로지 집중하는 세 개의 추가 작품을 만들어 시리즈를 탐구했습니다. 한 쌍의 선수.

그림 물감

Paul Cézanne의 그림 "The Card Players"에서 다양한 흙빛 색상을 볼 수 있습니다. 테이블에 앉은 두 남자는 브라운과 크림색으로 표현되어 따뜻하고 자연스러운 팔레트를 연출합니다. 이 색 구성표는 오른쪽에 앉아 있는 남자가 착용한 재킷의 더 깊은 파란색 색조와 병치되어 구성에 대비되는 요소를 추가합니다. 유사하게, 벽 근처에 서 있는 남자도 짙은 파란색 재킷을 입고 있으며 아마도 빨간색 넥타이가 동반되어 그림에 있는 보다 중립적인 톤과 미묘한 대조를 이룹니다. 그림의 벽은 밝은 녹색, 파란색, 약간의 분홍색과 회색을 포함하여 다양한 색상을 보여줍니다. 이 다채로운 벽은 오른쪽에 있는 더 깊은 노란색 또는 청동색 커튼과 대조되는 배경 역할을 합니다. 테이블의 하늘색은 벽의 색조와 은은하게 어우러져 시각적 연결을 만듭니다. 또한 파란색, 빨간색, 흰색의 색상은 테이블 중앙에 놓인 카드에도 반영되어 이러한 색상의 조화로운 반복을 구성 전체에 추가합니다.

질감, 모양 및 형태

"The Card Players"에서 Paul Cézanne의 붓놀림은 페인트가 두껍게 적용된 것처럼 보이는 영역과 함께 캔버스에서 만져볼 수 있습니다. 붓놀림은 자발성을 나타내며 일부는 짧고 고르지 않은 반면 다른 일부는 더 길고 균일하며 부드럽습니다. 이 그림은 자연주의적이고 유기적인 형태를 나타내며 인물, 테이블, 커튼, 모자, 담배 파이프 및 의자와 같이 현실 세계에서 인식할 수 있는 물체를 묘사합니다. 세잔의 예술적 접근 방식 중 흥미로운 점 중 하나는 기하학적 구성에 대한 탐구입니다. "The Card Players"는 눈에 보이는 붓놀림으로 만들어진 다양한 선을 보여줍니다. 예를 들어, 남성 재킷의 주름, 특히 오른쪽에 앉은 남자의 뚜렷한 패턴 라인, 오른쪽 커튼의 주름, 커튼의 대각선은 구성 내에서 패턴 생성에 기여합니다.

공간

<카드놀이하는 사람들>에서 폴 세잔의 공간 배치는 관객인 우리가 오른쪽에서 약간 각진 시점으로 카드 게임을 가까운 거리에서 관찰하는 것처럼 장면을 묘사합니다. 구성은 인물 배치를 통해 깊이감을 만듭니다. 예를 들어, 테이블 양 끝에 앉아 있는 두 인물은 가운데 인물에 대한 레이어링 효과를 설정합니다. 이러한 깊이감은 배경 인물의 존재로 더욱 강화됩니다. 배경의 공간적 깊이는 다소 모호하며 특히 벽 근처에 있는 남자에게서 두드러집니다. 그가 벽에 기대고 있는지, 벽과 어느 정도 거리를 두고 서 있는지는 불분명하다. 그러나 왼쪽 바닥과 스커트의 가시성은 우리의 관점에서 남자의 거리를 측정할 수 있는 기준점을 제공합니다.

연구 및 스케치

Cézanne은 The Card Players 시리즈를 위해 수많은 연구와 준비 도면을 만드는 데 상당한 노력을 기울였습니다. 이전에는 더 큰 그림을 먼저 작업한 다음 더 작은 버전으로 이동하여 시리즈를 시작했다고 믿었습니다. 그러나 그림에 대한 현대적인 X-선 분석과 예비 스케치 및 연구에 대한 추가 조사를 통해 일부 학자들은 Cézanne이 더 큰 캔버스를 준비하기 위해 연구와 더 작은 버전을 모두 사용했다고 제안했습니다. 마지막 그림을 준비하면서 Cézanne은 12개 이상의 초기 스케치와 현지 농장 노동자에 대한 그림 연구를 만들었습니다. 완성된 작품 자체가 아닌 이러한 스터디를 위해 모델들이 포즈를 취한 것으로 추측되며, 작가는 Aix의 한 카페에서 예비 작업을 스케치했을 가능성이 있습니다. 이러한 연구 중 일부는 런던의 Courtauld Gallery에서 The Card Players와 함께 전시되는 "Man with a Pipe"라는 제목의 동반 작업에 특히 주의를 기울이면서 독립적인 예술 작품으로 높이 평가됩니다. 같은 시기에 제작된 두 개의 유사한 흡연자 그림과 함께 이 연구는 많은 사람들에게 세잔의 가장 뛰어난 초상화로 간주됩니다.

Paul Cézanne, The Card Players , 1890–1892. 반스 재단, 필라델피아, 펜실베니아.

인상주의와는 거리가 먼

세잔의 그림에서 볼 수 있는 술집이나 선술집의 손님이라는 주제는 종종 인상주의와 연관되어 마네, 특히 '폴리 베르제르의 술집', 르누아르, 드가와 같은 예술가들의 작품을 떠올리게 합니다. 하지만 세잔의 접근 방식은 전형적인 인상주의 스타일과는 크게 다릅니다. 인상파 화가들과 달리 세잔의 의도는 특정 순간을 묘사하거나 찰나의 인상을 포착하는 것이 아닙니다. 대신, 세잔은 기억의 힘에 의해 거의 정지된 듯 보는 사람의 마음에 지속적인 인상을 남기는 응집력 있는 형태, 즉 장면의 종합을 만드는 것을 목표로 합니다. 그의 예술적 탐구는 단순한 시각적 인상을 넘어 직접적인 관찰만으로는 포착할 수 없는 본질적인 진실을 드러내고자 합니다. "그림에는 눈과 두뇌라는 두 가지 요소가 있으며, 이 두 가지 요소를 모두 이해해야 합니다. 자연을 인식하는 눈과 표현 수단에 앞서 감각을 논리적으로 정리하는 두뇌의 상호 발전을 위해 노력해야 합니다."라고 말했죠. 세잔의 야망은 시각적 지각과 지적인 해석을 결합하여 관객이 주제에 대해 더 깊이 이해할 수 있도록 하는 데 있습니다.

현실의 본질 발견하기

세잔은 친구이자 동료인 에밀 베르나르에게 예술가는 원통, 구, 원뿔의 형태를 고려하여 자연에 접근해야 한다는 신념을 전했습니다. 그는 감각을 통해서만 자연을 인식하는 것만으로는 자연의 진정한 본질을 포착하기에 충분하지 않다는 견해를 가지고 있었습니다. 세잔의 예술 철학에 따르면 지성 또한 세계를 탐구하고 이해하는 데 중요한 역할을 해야 합니다. 그는 복잡하고 파악하기 어려운 사물의 겉모습 이면에는 시대를 초월한 영원한 원형이 존재하며, 예술가는 이를 밝혀내야 할 책임이 있다고 믿었습니다. 어디에나 존재하는 기하학은 이 진실을 밝히는 열쇠가 됩니다. 화가들은 기하학을 예술적 접근 방식에 다시 도입함으로써 인물에 더 큰 기념비성과 본질적인 형태를 불어넣을 수 있었습니다. 색상 역시 평면, 원근감의 변화, 가장자리, 곡선, 빛의 변화를 정의하는 건설적인 목적으로 사용되었습니다. 이러한 원칙을 바탕으로 한 세잔의 방법론은 이후 입체파 운동의 발전에 지대한 영향을 미쳤습니다.

전시회

2010-2011년 런던의 코트타울드 갤러리와 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관에서 공동 전시회를 개최했습니다. 이 전시회에서는 초기 연구, 스케치 및 관련 작품과 함께 카드 플레이어 그림이 전시되었습니다. 2010년 10월 21일부터 2011년 1월 16일까지 런던에서, 2011년 2월 9일부터 2011년 5월 8일까지 뉴욕에서 개최되었습니다. 이 전시회는 세잔의 카드 플레이어 그림 컬렉션 중 가장 많은 작품이 함께 전시된 최초의 시리즈 전용 쇼케이스라는 점에서 의미가 컸습니다. 이 전시회에는 코트 톨드, 메트로폴리탄, 오르세 미술관이 소장한 작품이 포함되었습니다. 하지만 반스 재단과 개인 소장가가 소장한 버전은 반스 재단이 작품을 대여하지 않고, 개인 소장가가 전시를 위해 작품 공개를 거부해 판화로 선보였습니다. 이번 전시회에서는 '카드 플레이어' 시리즈 외에도 '흡연자'라는 미니 시리즈도 선보였는데, 여기에는 십여 점의 다른 연구와 스케치가 포함되어 있었습니다. 안타깝게도 법적 분쟁으로 인해 에르미타주 박물관의 '파이프를 든 남자' 버전은 뉴욕에서 전시되지 못했습니다.