피에르 오귀스트 르누아르, 보트 파티의 오찬, 1880-1881. 캔버스에 유채, 129.9cm × 172.7cm. 필립스 컬렉션, 워싱턴 DC.
간단히 말해서 인상주의
인상주의는 어떻게 탄생했나요? 모든 일이 그렇듯, 이 일도 하나의 아이디어에서 시작되었습니다! 문제의 예술가들은 좀 더 복잡하고 잘 다뤄진 역사적, 신화적 주제, 즉 시각적인 완벽함을 추구하는 경향이 있는 주제는 제쳐두고 매우 간단한 방법으로 주변의 현실을 그리기로 결정했습니다. . 이제 중요한 것은 1860년경 프랑스에서 탄생한 예술 운동의 이름에서 알 수 있듯이 인상을 표현하는 것, 즉 제한된 시간 내에 풍경뿐만 아니라 사물과 사람이 어떻게 눈에 나타나는가였습니다. 이 목적을 효과적으로 수행하기 위해 지지대에 색상을 적용하는 방식이 대폭 변경되었습니다. 이제 브러시 스트로크는 더 가볍고 자유로우며 색상은 더 조용해졌습니다. 이는 공기 중에만 실행된 결과입니다. 야외 관찰을 통해 눈이 인지하는 것과 뇌가 이해하는 것이 실제로 다르다는 것이 분명해졌으며, 순간의 광학적 효과를 포착함으로써 사람은 이상화된 형태와 완벽한 대칭에서 확실히 벗어나 실제로 보이는 대로 세상에 목소리를 부여하게 되었습니다. 우리의 시선으로. 사실, 3차원 원근법도 침묵했으며, 이는 인상주의가 구성의 가장 중요한 요소와 덜 중요한 요소를 구별하는 것을 중단하게 만든 기술적 사실입니다. 이러한 모든 특징은 당시의 학문적 전통에 대한 비판으로 바뀌었지만 더 이상 현대 미술의 발전은 물론 아방가르드와 관련된 전체 철학의 발전을 막을 수 없었습니다.
에두아르 마네, 풀밭 위의 점심, 1863년. 캔버스에 유채, 208×264cm. 파리 오르세 미술관.
에두아르 마네: 풀밭 위의 점심 식사(1863)
사실주의와 인상주의 사이를 잇는 프랑스 화가 에두아르 마네(Edouard Manet)의 작품은 동시대 관객들로부터 심한 비판을 받았습니다. 사회의 주변부가 형성되어 보다 전통적인 역사 및 신화 작품의 등장인물과 동일한 방식으로 취급되었습니다. 위에는 인상주의를 예상하고 명암과 음영이 모두 부족한 그의 독특한 스타일에 대한 의심이 추가되었습니다. 이는 올바른 거리에서 볼 때만 예술가가 상상한 모양을 생성하는 색상 패치를 병치했기 때문입니다. 마지막으로, 많은 사람들이 인상주의의 아버지로 인정하는 거장에 대해 이야기하기 위해 나는 1863년의 걸작인 풀밭 위의 점심을 묘사하기로 선택했습니다. 두 명의 옷을 입은 남자의 그림뿐만 아니라 형태와 배경의 묘사에 관한 요약화 기법도 있습니다. 또한, 전통적인 원근법에 얽매이지 않고 서로 다른 색의 점들을 병치시켜 제안함으로써 공간의 깊이를 혁신적으로 표현하였다. 우리가 이 상위 10대 작품, 즉 인상주의의 가장 중요한 걸작을 볼 수 있는 길을 닦는 것이 바로 이 작품에 표현된 것입니다!
클로드 모네, 인상, 일출, 1874. 캔버스에 유채, 48cm × 63cm. 파리 마르모탕 모네 미술관.
클로드 모네: 인상, 일출(1874)
여기에 그림뿐 아니라 인상주의 운동의 실질적인 역사를 보여주는 또 다른 걸작이 있습니다. 1874년 사진가 나다르(Nadar)의 전 작업실에서 전시된 <인상, 일출>은 제목에서 전체 예술 운동의 이름을 암시합니다. 문제의 그림은 주인이 르아브르에 있는 자신의 호텔 방 창문에서 본 광경을 포착하기 위해 외부 환경을 만들었으며, 항구의 아침 풍경을 재현하고 있으며, 몇 척의 보트가 바다를 가로지르고 있으며 수평선은 당시의 산업 생활을 보여줍니다. 도시 맥락. 설명된 내용은 이미 보다 성숙한 인상주의의 모든 특성을 갖추고 있으므로 구성의 모든 요소를 형성할 준비가 된 병치되고 빠르고 자유로운 붓놀림을 통해 뷰가 렌더링됩니다. 사실, 우리는 전체를 관찰해야만 불멸의 대상의 본질을 완전히 이해할 수 있으며, 하나씩 취하면 거의 정체성을 잃을 수 있습니다. 이는 더 이상 자연주의적인 장면을 창조하는 것이 아니라, 환경적 제안을 통해 그것을 불러일으키려는 작가의 진정한 의도를 이해하게 해준다. 마지막으로, 모네가 앞서 언급한 걸작을 실제로 완성할 수 있었던 비밀, 즉 무엇이 실제로 가능했는지 밝히는 것이 좋습니다. 따라서 1841년 존 랜드(John Rand)가 발명한 유화 물감을 보존하기 위해 금속 튜브를 만들었고 그 순간부터 어디든 쉽게 운반할 수 있었습니다. 이를 통해 전형적인 인상주의 야외 회화의 실천이 어떻게 가능해졌는지 밝힐 필요가 있습니다!
에드가 드가, 댄스 수업, 1873-1876. 캔버스에 유채, 83.5x77.2cm. 뉴욕 메트로폴리탄 미술관.
에드가 드가: 댄스 수업(1873-1876)
당면한 걸작을 논하기 전에, 항상 앙플레르 회화와 윤곽의 제거에서 벗어나 있음에도 불구하고 처음에는 사실주의에 더 가까웠고, 1870년대 이후 인상주의에서 현대 생활의 주제에 접근했던 화가의 정체성을 분명히 하는 것이 중요합니다. 윤곽. 이제 우리는 프랑스 거장을 비정형 인상파로 만드는 이유를 명확히 했으므로 그의 가장 유명한 캔버스 중 하나인 The Dance Class에 대한 설명으로 넘어갈 수 있습니다. 비록 스튜디오에서 만들어졌지만, 예술가가 친구인 오케스트라 지휘자의 중재를 통해 접근할 수 있었던 파리 오페라의 댄스 로비를 불후의 명작으로 단번에 만든 것처럼 보입니다. 이 특권적인 장소에서 화가는 유명한 안무가인 쥘 페로(Jules Perrot)의 감시 하에 스텝을 연습하고 있는 젊은 발레리나의 모습을 포착했습니다. 투투를 입은 다른 소녀들은 휴식 시간을 활용하여 조용히 이야기를 나누고 옷을 갈아입습니다. Degas는 일상 생활에 새로운 중요성을 부여하고 때로는 거의 강박적인 관심으로 일상 생활을 재현하며 항상 상황에 맞는 가장 실제적인 방식으로 태도와 행동을 종합할 준비가 되어 있기 때문에 모든 것이 매우 자연스럽고 자연스러워 보입니다.
피에르 오귀스트 르누아르, 보트 파티의 오찬, 1880-1881. 캔버스에 유채, 129.9cm × 172.7cm. 필립스 컬렉션, 워싱턴 DC.
피에르 오귀스트 르누아르: 보트 파티의 오찬(1880-1881)
모네와 마찬가지로 르누아르는 진정한 인상파이며 우리가 관심을 갖고 있는 예술 운동의 가장 유명한 걸작 중 하나인 1880년경의 캔버스인 뱃놀이 파티의 오찬의 저자입니다. 마치 영화 세트장에 있는 것처럼. 이 모든 것은 차양 아래 노 젓는 사람과 다른 인물들이 테이블 주위에 모이는 장면을 구성하며, 이는 방금 식사가 끝났음을 암시합니다. 피험자들은 이제 왼쪽 상단에서 볼 수 있듯이 문자 그대로 식물 사이를 통과하며 일부 보트가 건너는 강인 세느강에서 보내는 따뜻한 오후의 분위기를 즐기며 대화를 나누는 것에 대해 생각합니다. 그러나 전경에 있는 것처럼 가장 강조되는 것은 노 젓는 사람이 관찰하는 작은 개와 놀고 있는 소녀와 왼쪽의 난간에 기대어 쉬고 있는 또 다른 노 젓는 사람입니다. 게다가 항상 관객 가까이에 테이블에 앉아 있는 두 젊은이도 있는데, 그들은 배경의 시끄러운 인물들에게 등을 돌린다. 다시 한번, 그림의 질감은 형태의 윤곽을 흐리게 할 준비가 되어 있는 폭넓은 재료의 붓놀림으로 구성되어 있으며, 그 세부 사항은 암시되지만 설명되지는 않습니다.
에드가 드가, 라압생트, 1875-1876. 캔버스에 유채, 92×68cm. 파리 오르세 미술관.
에드가 드가: 압생트(1875-1876)
여기 드가가 있습니다. 네, 또 그 사람입니다! 결국, 그의 작품인 Absinthe Drinkers는 순위에 포함되지 않을 수 없었습니다. 이 작품은 당시의 슬픈 현실을 기록하는 것 외에도 Émile Zola의 소설 "L'Assommoir"에서 영감을 얻었으며 화가는 그 중 일부 미리보기를 보았습니다. . 사실, 작가는 드가의 두 친구가 쓴 걸작에서 잘 의인화되어 파리 프롤레타리아트가 살고 있는 타락한 상황에 대해 자신이 어떻게 이야기했는지 예술가에게 고백했습니다. 그러나 그림이 완성되자 두 사람은 자신의 명예가 훼손될 수 있다는 불만을 토로했고, 이에 화가는 두 인물이 실제로 알코올 중독자가 아니라는 점을 공개적으로 선언하기로 했다. 그러나 작품에서 두 명의 고객은 알코올 음료가 놓인 카페 테이블에 앉아 있는데, 비록 묘사된 사람들이 거의 거기에 있는 것처럼 보이지만, 아마도 그들은 이미 취해서 더 깊은 생각에 사로잡혀 있는 것처럼 보이기 때문일 것입니다. 그들의 시선은 공허함을 똑바로 바라보고 있다. 오늘 밤에는 칵테일 어때요?
클로드 모네, 수련 연못, 핑크 하모니, 1900. Olio su tela, 89,5×100 cm. 오르세 미술관, 파리지.
클로드 모네: 수련 연못, 핑크 하모니(1900)
가장 인기 있는 인상파 화가인 클로드 모네(Claude Monet)는 1900년에 제작된 유명한 수련 연못 핑크 하모니(Pink Harmony)의 작가입니다. 이 작품에서는 아치형 다리의 인상적인 모습이 관객 앞에 나타납니다. 수련 연못을 건너갈 준비가 되었습니다. 전체 장면은 태양 광선으로 조명되어 모든 잎사귀를 조심스럽게 관통하며 꽃은 주요 색상인 분홍색을 드러냅니다! 전경에서 우리는 빽빽하고 키가 큰 초목이 있는 해안을 발견하며, 어떤 곳에서는 버드나무의 매달린 잎과 합쳐집니다. 다시 한 번, 빛이 통과하여 그림자 영역과 빛 영역을 생성하고 물과 해안 위로 확장되는 풍부한 색조의 교대를 생성할 준비가 되어 있음을 말합니다. 모네의 풍경화의 주제는 어디에 있는가? 지베르니의 예술가 거주지에서 그는 정원의 다양한 식물을 개인적으로 돌보았고, 이를 녹색 극장으로 바꾸고 싶었으며 항상 그의 예술의 주제가 될 준비가 되어 있었습니다. 스타일의 다리가 건설되었습니다.
Gustave Caillebotte, 파리 거리; 비오는 날, 1877. 캔버스에 유채, 212.2cm×276.2cm. 미국 시카고 미술관.
구스타브 카유보트: 파리 거리; 비오는 날 (1877)
Gustave Caillebotte의 파리 거리; Rainy Day는 Georges-Eugène Haussmann의 프로젝트에 따라 19세기 말에 일어난 프랑스 수도의 구조 조정을 말하고 기록하며, Saint-Lazare 역 근처의 큰 교차로를 묘사할 준비가 되어 있습니다. 이는 오래된 언덕 지역을 좁고 구불구불한 거리와 낡은 건물로 대체했습니다. 파리의 이 새로운 얼굴은 작품의 주요 주제인 두 명의 행인이 팔짱을 끼고 우산 아래 비를 피하며 길을 건너며 건물 정면 옆에 자리를 잡은 또 다른 행인에 의해 횡단됩니다. 권리. 왼쪽에는 우산을 쓴 다른 사람들이 점차 일부 마차를 피하면서 걷고 있는데, 이는 아마도 젖은 돌 블록 포장 도로에 의해 생성된 다중 반사에 반사될 준비가 된 큰 건물 아래에 있는 이유를 찾는 것 같습니다. 확실히 이 마지막 것들은 흐린 하늘의 색을 띠고 있으며, 그 지평선은 장면 중앙에 고립되어 있는 더 큰 모퉁이 건물의 존재에 의해 지배되고 있습니다. 마지막으로, 확실히 주목할 만한 것은 그림의 또 다른 주인공이지만 침묵하는 주인공입니다. 나는 두 주요 주제의 인물 뒤에 조용히 서 있는 녹색 가로등 기둥에 대해 이야기하고 있습니다.
메리 카사트, 보트 파티, 1893년. 캔버스에 유채, 90cm × 117.3cm. 국립 미술관, 워싱턴 DC.
메리 카사트: 보트 파티(1893)
가장 저명한 여성들을 기념하지 않고 인상주의에 관해 이야기할 수 있을까요? 나는 절대 그렇지 않다고 말하고 싶습니다. 그래서 1844년에 태어난 미국 화가이자 판화가이자 The Boating Party의 저자인 Mary Cassatt를 서둘러 언급하겠습니다. 프랑스 앙티브(프랑스 리비에라)에서 제작된 이 걸작은 돛대 없이 카누 모양의 선체와 좌석 3개를 갖춘 범선에 타고 있는 여성, 어린이, 남성을 노란색으로 표현한 것으로, 더 어둡고 넓은 바다와 대비되어 눈에 띕니다. 실제로 Cassatt는 대비를 생성하기 위해 대담한 색상과 더 어두운 색상을 모두 사용하며, 이는 생생한 보트와 노 젓는 사람의 파란색 모습을 비교할 때 최고조에 이릅니다. 작가의 평소 스타일에 맞추기 위해 색을 다루었음에도 불구하고 작품의 주제가 다른 점은 엄마와 아이의 친숙한 주제를 포함하면서도 배라는 특이한 공간에 남성을 포함한다는 점이다. 화가가 종종 간과하는 그림. 어쨌든 명화 속 역할은 확고히 자리 잡은 것 같아서 남자는 오로지 일(지금은 노젓기)에만 전념하고, 여자는 끊임없이 아이를 지켜본다. 이 해석을 따르는 것은 노를 남성과 여성 세계 사이의 구분선으로 보는 아이디어이며, 그 중 두 번째는 예술가에 의해 자연, 창의성, 재생과 불가분하게 연관되어 사회 내에서 어머니의 역할이 중요한 영역입니다. 논쟁의 여지가 없습니다.
베르트 모리조, <요람>, 1872년. 캔버스에 유채, 56cm × 46cm. 파리 오르세 미술관.
베르트 모리조: 요람(1872)
베르트 모리조(Berthe Morisot)는 인상파 운동의 창시자 중 한 사람이자 미술사에서 여러 걸작(예: The Cradle)의 창시자로 알려진 프랑스 인상주의 화가입니다. 1872년에 제작된 이 그림은 2년 후 열린 첫 번째 인상파 전시회에 전시되었으며, 아기가 자고 있는 요람 옆에 앉아 있는 젊은 여성의 옆모습을 묘사하고 있습니다. 어머니는 단순한 모델이 아니라 Berthe의 조카인 어린 Blanche와 함께 불멸의 존재가 된 예술가의 두 자매 중 한 명인 Edma입니다. 이 이중 초상화는 화가가 가장 좋아하는 주제 중 하나인 모성이라는 주제를 의식적으로 다루기 위해 고안되었으며, 특히 어머니와 딸 사이에 존재하는 사랑의 유대를 항상 드러내는 친밀한 장면을 묘사하는 것을 즐겼습니다. 이 영원한 연결을 명시적으로 만들기 위해 구성상의 대각선으로 연결된 두 주인공의 얼굴, 시선과 베일로 어린 아이를 보호하는 어머니의 몸짓과 같은 구성의 작은 세부 사항도 있습니다. , 그리고 마지막으로 두 피험자가 팔을 구부리고 있다는 사실입니다.
클로드 모네: 양산을 쓴 여인 - 모네 부인과 그녀의 아들, 1875. 유채 캔버스, 100 cm × 81 cm. 국립 미술관, 워싱턴 DC.
클로드 모네: 파라솔을 쓴 여인 - 모네 부인과 그녀의 아들(1875)
도와주세요, 모네 이야기를 멈출 수는 없지만 인상주의의 가장 유명한 걸작을 논하면서 그에 대해 지나치게 이야기하지 않으시겠어요? 개인적으로 저는 가장 유명한 인상파 화가들의 가장 잘 알려진 그림 중 하나인 양산을 쓴 여인 - 모네 부인과 그녀의 아들(1875)로 제 순위를 마무리하기로 결정했습니다! 이 작품은 '양산을 쓴 여인'(모네 부인과 그녀의 아들)과 함께 오르세 미술관에 소장되어 있으며, 이 작품이 탐구하는 주제가 돋보입니다. 사실, 이 프랑스 화가는 풍경화로 꽤 유명했는데, 이 경우에는 미국 인상파 화가 테오도르 얼 버틀러(Theodore Earl Butler)의 아내인 수잔 오셰데(Suzanne Hoschedé)의 형태를 취하는 인간 형상의 고양보다 확실히 더 선호되었습니다. 이 특정 주제에 대한 관심은 특정 맥락에서 발생했습니다. 주인은 Suzanne이 Île aux Orties의 언덕을 오르는 것을 관찰하고 있었는데, 그곳에서 흥미로운 빛의 유희가 소녀의 드레스에서 재현되는 장소와 상황이었습니다. 바로 이 비전이 당대의 전형적인 부르주아 복장을 입고, 자연이 무성해 보이는 목가적인 풍경에 빠져 우산을 들고 햇빛을 가리는 인물의 모습을 그린 그림이 탄생한 것입니다. 마지막으로, 작가는 낮은 관점을 통해 달성된 독특한 기념비성을 부여함으로써 이를 더욱 특별하게 만들고, 그녀의 신체 대부분이 포착된 것처럼 "윤곽선만"만 있는 얼굴이 그림자 속에 있는 오슈데의 이미지를 높일 준비가 되어 있습니다. 뒤에서.
Olimpia Gaia Martinelli