Kristina Korobeynikova, The fusion , 2022. 리넨 캔버스에 아크릴, 180 x 110 cm.
조르주 쇠라가 말한 점묘법
"일부 비평가들이 점들을 연결하지 못한다고 해서 점묘법이 무용지물이 되는 것은 아닙니다."
점묘주의의 선구자인 조르주 쇠라(Georges Seurat)의 말은 아마도 19세기 후반 기법의 예술적 특성의 "방어적"인 맥락에서 태어났을 것이며, 색상이 작은 점으로 분해되는 방식을 독특한 요소로 강조하면서 그 특성을 완벽하게 요약합니다. 신인상주의 운동으로 거슬러 올라간다. 그러나 미술계에서 점묘화가 실제로 기여한 바를 이해하기 위해서는 앞서 언급한 화가가 자신의 작업을 통해 말하게 하는 문제, 특히 1891년에 제작된 서커스( The Circus ) 그림을 분석하여 문제를 탐구할 필요가 있다. 파리 오르세 미술관. 가장 위대한 점묘주의적 연구 중 하나로 확인된 이 "서커스" 걸작은 르누아르, 드가, 툴루즈 로트렉과 같은 거장들도 조사한 1880년대 미술계의 소중한 주제를 불멸시킵니다. 또한 이 캔버스는 Circus Sideshow (1888)와 The Can-can (1889-1890)을 포함하여 당시 파리의 야간 오락 활동을 "기록"하는 것을 목표로 하는 시리즈의 일부입니다.
조르주 쇠라, 서커스 , 1891. 캔버스에 유채, 185.5 x 152, 2cm. 파리: 오르세 미술관
1891년 걸작의 구성에 대해 이 작품은 풍부하고 역동적인 쇼가 펼쳐지는 서커스의 내부를 묘사하며, 다음과 같은 여러 존재에 의해 애니메이션됩니다. 뒤에서 전경에서 포착된 광대 그의 동료를 향한 그의 시선; 그림의 가장 중앙 부분에 묘사된 달리는 말 위에서 균형을 잡으려는 기수; 앞서 언급한 동물의 달리기를 감독하는 데 초점을 맞춘 조련사는 캔버스의 오른쪽 부분에 배치를 찾습니다. 그리고 경기장 저편에서 벌어지는 기이하고 무모한 서커스 공연에 휘말린 두 광대. 이 다채롭고 생동감 있고 상상력이 풍부한 장면을 관찰하기 위해 우리는 작품의 상단에 배치된 오케스트라의 연주와 함께 다소 우아한 캐릭터가 눈에 띄는 높은 층에 배열된 질서 있는 관중 군중을 찾습니다. 이러한 세심한 등장인물 배치에도 불구하고 Seurat의 캔버스의 주요 의도는 순수한 흰색으로 풍부해진 빨강, 노랑, 주황색 및 파랑 색상의 능숙한 병치를 통해 재구성된 서커스 쇼의 가장 진정한 정신을 불러일으키는 것입니다. 빛, 분위기를 정통하고 강렬하고 매력적이며 밝고 조화롭게 만듭니다. 마지막으로, 병렬로 배치된 순수한 색상의 점을 생성하여 그림을 지지대에 적용한 점묘 기법의 바로 그 특성에 의해 이 인기 있는 색채가 어떻게 동반되고, 강화되고, 풍부해지는지를 강조하는 것이 중요합니다. 반음계 배열로 연구된 서로 간에, 관객은 마치 표준적으로 혼합된 것처럼 인식합니다.
Frédéric Durieu & Nathalie Erin, Marilyn with 나비 s , 2016. 금속에 2D 디지털 작업, 40 x 40 cm.
Mariana Prochkaruk, 브라운-블루 , 2020. 리넨 캔버스에 유채, 160 x 90 cm.
호기심: 프랑스 점묘주의와 이탈리아 분열주의의 차이점은 무엇입니까?
앞서 언급한 점묘화의 특징은 19세기 후반 실증주의적 풍토의 산물이다. 이 풍토는 진보의 승리라는 지배적인 사상과 기술과 과학에 대한 극도의 믿음으로 지울 수 없이 두드러지며 심지어는 이전에 인상파의 "낭만주의"가 지배했던 예술 세계. 실제로 Seurat의 매우 앞서 언급한 문체 특징은 몇 가지 근본적인 과학적 발견에 대한 예술적 해석을 나타냅니다. 이 발견은 그 당시 광학 분야에서 발생했으며 프랑스 화학자 Michel Eugène Chevreul과 미국 물리학자 Nicholas Ogden Rood의 연구와 불가분의 관계가 있습니다. 구체적으로, 이들 중 전자는 두 개의 병치된, 약간 겹치거나 매우 가까운 색상이 일정 거리에서 인간의 눈으로 인식될 때 다른 색상의 효과가 있음을 발견했습니다("동시 대비"의 원리). 또한, 프랑스 화학자는 두 개의 보색 음영을 병치함으로써 하나의 아우라가 다른 하나의 아우라를 강화하고 서로의 밝기를 증가시킨다고 말했습니다. Nicholas Ogden Rood에 대해 말하면서 그의 연구는 다음과 같은 계시로 요약될 수 있습니다. 기본 색상의 병치는 안료를 직접 혼합하여 얻을 수 있는 것보다 더 강렬하고 밝고 기분 좋은 색상을 만듭니다. 결과적으로 점묘화가는 앞서 언급한 연구를 참조하여 보색을 병치하는 경향이 있으며 캔버스에 순수한 색상의 점으로 배열하고 나중에 관찰자에 의해 "광학 혼합"을 통해 "해석"됩니다. 한편, 분단주의와 관련하여 19세기 후반 이탈리아에서 전개된 이 회화운동은 프랑스의 점묘화에서 부분적인 기술적인 단서를 얻어 주로 스카필리아투라 롬바르다의 흐름과 퇴폐주의에서 파생된다. 사실, 분할주의에서 작은 신표현주의적 점들은 실처럼 가늘고 미세한 순수한 색의 생동감 있는 붓놀림이 되며, 광학적 의미에서 서로 상호작용하여 강렬한 상징적, 종교적, 정치적, 사회적 의미를 대변하는 대변인이 됩니다. 예술을 통해 얻을 수 있는 구원의 이상에 생명을 불어넣는 역할.
Van Lanigh, Sparkles of Joy, 2022. 조각, 폴리머 클레이 / 캔버스에 레진, 30 x 24 x 8 cm / 4.00 kg
Françoise Suzanne, Series on the track - track in Africa lands n°11 , 2022. 판지에 아크릴, 80 x 60 cm.
Artmajeur 예술가의 작품에서 점묘법
점묘화의 내러티브는 19세기 후반에 절정에 이르렀음에도 불구하고 현대 미술에서 계속되며, 미구엘 엔다라와 같은 대중 예술가의 작업을 통해 많은 개념, 아이디어 및 관점이 형성됩니다. Ana Enshina, Kyle Leonard(KAL), Philip Karberg, Herb Williams, 박지현 및 잘 알려진 Kusama Yayoi. 이러한 "부흥"은 Dent-De-Lion Du Midi, Sophie Artinian 및 A-Criticart의 예술에서 입증된 것처럼 Artmajeur 예술가들의 작업을 통해서도 진행됩니다.
Dent-De-Lion Du Midi, 월요일 | 쇠랏 | Reimagine art , 2021. 종이에 디지털 페인팅, 90 x 127 cm.
Dent-De-Lion Du Midi: 월요일 | 쇠랏 | 예술을 재해석하다
작품의 제목에서 알 수 있듯이 월요일 | 쇠랏 | Reimagine art 는 1884년에서 1886년 사이에 시카고 아트 인스티튜트에 보존되어 있는 Georges Seurat의 "붐비는" 걸작인 A Sunday Afternoon on La Grande Jatte의 "초기" 리메이크를 나타냅니다. 후자의 그림에 대해 말하자면, 그것은 임금과 공장 노동의 출현과 함께 여가 시간을 사회적 시간으로, 노동 시간과 장소를 병치시켰던 산업 혁명 시대의 풍습과 습관을 완벽하게 요약합니다. 일상 생활의 시간과 장소가 확립되었습니다. 사실 프랑스 주인이 센 강변의 공원에서 포착한 일요일의 분위기에서, 나머지 날의 진정한 분위기를 "숨쉬고", 이 경우에는 산책하는 여성들의 여유로운 태도로 표현된다. 예쁜 우산으로 몸을 숨기고 있는 노 젓는 사람, 경기 후 휴식을 취하는 노 젓는 사람, 침착하게 노는 아이들, 목줄에 묶인 약에 취한 원숭이 등 월요일 | 쇠랏 | 반면에 Reimagine art 는 19세기와 동시대의 시간대를 배경으로 한 월요일 오후에 같은 장소가 어떤 모습일지 알 수 있게 해줍니다. 오늘날의 삶을 역사상 가장 위대한 거장의 삶과 통합하십시오.
Sophie Artinian, Eternity , 2017. 리넨 캔버스에 유채, 60 x 60 cm.
소피 아티니안: 이터니티
소피 아르티니안(Sophie Artinian)의 유화 Eternity 에서 점묘주의가 추상주의를 만나 이상적으로 작품의 아래쪽 절반에 배치된 일부 산의 실루엣을 보고 있다고 상상하게 만드는 색상의 "교향곡"을 만듭니다. 캔버스의 더 어두운 색조를 취하십시오. 또한, 보라색, 분홍색, 파란색 및 연한 파란색 음영의 승리를 특징으로 하는 앞서 언급한 반음계는 그림을 유사한 색조와 동일한 기술로 만든 잘 알려진 걸작, 즉 The Beach at Ambleteuse at Low 와 유사하게 만듭니다. Theo van Rysselberghe의 Tide (1900). 후자의 작품은 프랑스 Ambleteuse의 벨기에 예술가가 만든 일련의 바다 풍경의 일부로, 동일한 관점에서 빛, 조수 및 바다 움직임의 변화를 포착합니다. 마지막으로 Eternity 와 마찬가지로 1900년 걸작은 빛의 "띠", 즉 모자이크와 유사한 순수한 색상의 개별 패치로 구성된 다소 밝은 영역으로 나누어집니다.
A-Criticart, Pixel Jordan , 2019. 드로잉, 콩테 / 볼펜 / 종이에 연필, 75 x 55 cm.
A-Criticart: 픽셀 조던
Pixel Jordan 에 대한 묵상은 계시적 사고의 공식화를 초대합니다. 픽셀 아트는 어떤 의미에서 "점묘법"의 가장 널리 퍼진 최신 형태를 나타냅니다. 사실 A-Criticart의 드로잉으로 세심하게 시뮬레이션된 픽셀 아트는 코인옵스와 비디오 게임의 확산으로 1980년대에 탄생한 디지털 아트의 한 형태로 픽셀의 위치를 의도적으로 제어하여 이미지를 구성하거나 작은 픽셀을 구성합니다. 전체 작업에서 색상의 구성 단위. 따라서 픽셀은 최근 개발의 결과로 보일 수 있지만 실제로는 점묘법의 기초가 되는 동일한 19세기 이론을 현대적으로 적용한 것입니다. 결과적으로 A-Criticart의 Micheal Jordan은 주요 걸작 중 Seurat's Seated Model, in Profile, Study for Models (1887), Seurat's Young Woman 과 같은 작품을 자랑하는 "점묘주의" 초상화에 대한 일종의 최근 해석이라고 할 수 있습니다. 그녀 자신 을 가루로 만드는 것(1890)과 피사로의 화장실에서 일하는 젊은 농부 (1888). 마지막으로, 후자의 작품들이 수행하는 구상적 연구에, 작가의 Artmajeur 드로잉은 이미지의 "저선명도"가 인간 두뇌의 해석 능력을 테스트하기 위한 것이기 때문에 도전을 추가합니다.
Olimpia Gaia Martinelli
