예술의 간략한 역사
체코 미술사란 체코 공화국 자체와 이전 세기에 그 일부였던 다양한 국가에서 구상되고 이후 형태와 생명을 얻은 시각 예술의 전체 복합체를 의미하며, 다음과 같은 기억에 남는 예술가들의 본거지 역할을 했습니다. , 가장 유명한 예에서 나중에 살펴볼 것입니다. 이야기는 오랫동안 잊혀진 시대에 시작됩니다. 체코 땅에는 선사 시대 예술의 중요한 유적이 남아 있기 때문에 가장 유명한 돌니 베스토니체의 비너스로 요약할 수 있습니다. 이 조각상은 기원전 29,000년에서 25,000년 사이에 동명의 벌거벗은 신을 묘사한 조각상입니다. 후자가 체코 켈트 예술의 독특한 형태에 목소리를 냈다면, 문제의 국가의 예술이 어떻게 오스트리아와 독일의 예를 자주 모방하여 그들의 현재, 운동 및 경향을 다시 도입했는지 강조하는 것이 중요합니다. 이들 중 일부는 어떻게 이 지역에 뿌리를 내리고 국제적으로 유명한 예술가들의 걸작을 탄생시켰는지 주목할 가치가 있습니다. 나는 체코에서 고딕, 아르누보, 큐비즘, 초현실주의가 번성했으나 이제는 체코 민족주의에 의해 가려졌고, 19세기부터 점차 시작되어 모든 예술에 강한 영향을 미쳤습니다. 후자의 관점에도 불구하고, 나는 위에서 언급한 체코 시각 예술의 핵심 순간이나 하이라이트에 초점을 맞춰 연대순으로 고딕 시대부터 시작하여 초현실주의로 끝나는 내러티브를 계속하고 싶습니다.
하이라이트
FOOL(2023)파벨 필린(Pavel Filin)의 회화
고딕
체코 고딕 예술을 탐구하기 전에 미술사에서 이 시기가 무엇을 수반하는지 간략하게 검토하는 것이 좋습니다. 이 시기는 지상의 빛이 신성한 빛을 담고 있다고 믿고 풍부한 종교 건물을 만드는 것을 목표로 한 Abbot Suger의 아이디어에서 영감을 받은 건축 혁신에서 비롯되었기 때문입니다. 스테인드글라스에. 기술적인 측면에서 교회에는 화려한 스테인드 글라스를 건축 구조에 통합하는 공중 부벽과 골이 있는 둥근 천장이 갖춰져 있었습니다. 조각의 경우, 그 시대의 인본주의적 경향은 주로 교회 장식을 위해 인간 형상에 대한 보다 자연주의적이고 "일상적인" 접근 방식으로 이어졌습니다. 이 스타일은 13세기 전반에 체코에서 나타나 16세기 초까지 지속되었으며 당시 통치하던 보헤미안 왕조의 요구에 부응하여 발전했습니다. 이 시기의 주목할 만한 예술 작품 중 하나는 프라하 또는 모라비아 예술가가 성 바츨라프 대성당이나 근처 수도원을 위해 만든 크르지박의 피에타(Pietà of Křivák)입니다.
아침 레이. (2012)이고르 슐만(Igor Shulman)의 그림
아르누보
다시 한 번 정의로 돌아가 보겠습니다. 아르누보 스타일은 디자인을 현대화하기 위해 등장했으며 유기적 형태와 기하학적 형태 모두에서 혁신적인 영감을 얻어 줄기, 꽃, 식물의 특징을 연상시키는 유동적이고 자연스러운 형태를 탄생시켰습니다. 생생한 선이 연한 녹색, 갈색, 노란색, 파란색과 같은 차분한 색상과 짝을 이루기 때문에 선과 형태가 색상보다 우선했습니다. 1890년에서 1910년 사이에 퍼진 이 스타일은 제1차 세계 대전 이전에 대부분 호감을 얻지 못하여 1920년대 아르 데코 발전의 길을 열었습니다. 체코에서는 아르누보가 1890년대에 뿌리를 내리며 알폰스 무하(Alfons Mucha)가 그 대표적인 대표자로 등장했습니다. 무하의 스타일은 주요 주제에 변화를 주면서 동일한 문체 패턴의 반복을 허용하는 오브제 장식용 패턴을 만드는 것이 특징입니다. 본질적으로 그가 디자인한 꽃 모티프는 변함없이 유지되는 경우가 많았지만, 여성 피사체는 변화하여 낙관적인 삶의 관점을 표현할 수 있는 아름다운 여성을 묘사했습니다.
새가 있는 초상화(2021)Muraz Martirosyan의 그림
입체파
아마도 파블로 피카소가 다양한 관점을 사용하여 세잔의 작품에서 영감을 얻은 조르주 브라크(Georges Braque)와 함께 스페인의 거장이 실험을 통해 탄생한 걸작인 "Les Demoiselles d'Avignon"을 창작한 해인 1907년에 입체파가 탄생했다는 사실을 모르는 사람은 거의 없을 것입니다. 단일 주제를 묘사하고 이미지를 기하학적 형태로 분해합니다. 20세기의 가장 혁명적인 운동 중 하나인 이 운동은 전통적인 공간 표현에 도전하면서 체코에도 큰 영향을 미쳐 1910년부터 1919년까지 정점에 달했습니다. 그러나 회화보다는 체코 입체주의가 그 모습을 드러냈습니다. Bohumil Kubišta 및 František Kupka와 같은 유명하고 가치있는 운동 화가가 있음에도 불구하고 건축 분야에서는.
MADONNE / 마도나 (2022) Vincent Chiignier의 그림
초현실주의
초현실주의적 이미지는 수많은 금기로 상상력을 억압하는 이성적인 마음을 경멸하는 작가의 무의식에서 탄생한다. 이러한 믿음은 지그문트 프로이트(Sigmund Freud)의 생각에 깊은 영향을 받았습니다. 그는 꿈의 차원이 인간의 감정과 욕망에 대한 귀중하고 확실한 계시로 풍부하게 무의식을 어떻게 실제로 밝혀줄 수 있는지를 밝혔습니다. 결과적으로 초현실주의자들은 그들의 꿈과 무의식에서 나타난 모티프를 캔버스에 올려 종종 사치스럽고 때로는 불안한 이미지를 만들어내며 보는 사람의 의식을 일깨우려는 의도를 가지고 있습니다. 체코 초현실주의의 주요 사례 중 하나는 Jindřich Štyrský의 "내 일기에서"(1933)입니다. 이 작품은 예술가의 필수 걸작으로, 그의 경력 동안 다양한 스타일을 실험했지만 특히 사물을 배치하는 초현실적인 경향에 깊은 인상을 받았습니다. 이상한 맥락에서 그는 앞서 언급한 작품에서 이를 훌륭하게 재현했습니다. 꿈의 경우, 제목에서 알 수 있듯이 작가는 실제로 꿈을 수집하고 나중에 불멸화할 주제를 찾을 때 사용하기 위해 일기를 작성했습니다. 이 시점에서 체코 예술의 역사는 Radek Skopec, Adam Votocek Art, Petr Johan Marek과 같은 Artmajeur 예술가들의 작품 덕분에 현대까지 이어집니다.
BORN FROM THE ASHES(2018)Radek Skopec의 페인팅
Radek Skopec의 재에서 탄생
1967년에 태어난 체코 출신 예술가 라데크 스코펙(Radek Skopec)은 개인적으로 자신의 스타일을 형태와 선에 대한 더 깊은 이해에 대한 연구를 중심으로 독학하고 고독한 스타일로 정의하며, 이는 종종 색조가 특징인 독특한 비전으로 발전했습니다. 오렌지, 블랙, 브라운. 이 비전은 손상되거나 깨진 표면에 대한 매력으로 풍부해지며, 불연속적이고 중단된 형태의 특성을 만들 수 있습니다. Skopec의 예술적 과정은 잠재의식, 감각적 탄생, 마지막으로 파괴라는 세 단계의 특별한 비유적 연구를 기반으로 합니다. 첫 번째 단계에서 작가는 본능과 감정, 상상에 따라 작품을 구상하고 회화 지원과의 대결로 이어진다. 감각적 탄생 단계에서 화가는 개별 레이어와 다양한 형태에 생명을 불어넣고 마침내 캔버스에서 자신의 자리를 찾습니다. 마지막으로 파괴는 원하는 결과를 얻을 때까지 찢고, 긁고, 샌딩하는 등 의도적으로 표면을 변형할 때 발생합니다. 이 모든 것이 "재에서 태어나다(Born from the Ashs)" 창작의 토대가 됩니다. 이러한 요소들이 함께 모여 강렬하고 "낡은" 클로즈업 초상화를 만들어냅니다. 눈은 오른쪽을 향하고 확실히 초점을 나타냅니다.
"SINGULARITY"(2022)Adam Votocek Art의 그림
Adam Votocek Art의 SINGULARITY
체코 출신의 예술가 아담(Adam)은 여행으로 가득 찬 삶에서 비롯된 자신의 감정을 형태화하는 것을 목표로 하며, 늘 물질을 수집하고 일상적인 것들을 추상적인 탐구에 접목시키려고 노력해 왔습니다. 이러한 맥락에서 색상은 감정을 전달하는 궁극적인 전달자로서 근본적인 역할을 하며, 예술가는 자신과 그의 작품을 감상하는 다른 모든 사람이 깨어나 살아 있도록 준비하면서 진정한 감각에 생명을 불어넣기 위해 신중하게 선택했습니다. 그의 전형적인 선의 추상화와 색의 "엉킴"은 실제로 그의 내면 상태를 드러내고 공유할 수 있도록 노출시켜 끊임없이 흥미진진한 내러티브 의도를 표시하는 도구입니다. 예를 들어 'Singularity'의 경우 그는 "우리의 독특함을 발전시키자. 우리 각자는 독특하다"고 간단히 말한다. 마찬가지로, 구성에 생기를 불어넣는 모든 선은 독특하고 구별되어 고유한 존재 이유를 가지면서도 동시에 캔버스의 다른 형태와 조화로운 전체를 생성할 수 있으며, 다양하고 다양한 개성으로 해석될 수 있는 것으로 보입니다. , 한마음으로 항상 자신을 드러내는 용기를 가지고 있습니다.
PINK & VIOLET (2021)페트르 요한 마렉(Petr Johan Marek)의 그림
페트르 요한 마렉(Petr Johan Marek)의 핑크 & 바이올렛
1978년 체코에서 태어난 페트르 요한 마렉(Petr Johan Marek)은 주로 추상적인 언어를 통해 자신을 표현하며, 종종 수평선을 형성하는 붓놀림을 강박적으로 반복하여 수많은 유사한 평행선에서 공간을 찾습니다. 작가 자신이 인정한 이러한 작업 방식은 팝아트의 생동감 넘치는 색상, 점묘주의의 단편화, 추상 표현주의의 포괄적인 접근 방식에 대한 연구에서 도출된 새로운 해석을 나타냅니다. 팝아트에 대한 언급은 삶과 자연의 변화에서 영감을 받아 작가가 가장 좋아하는 특정 밝은 색상의 제안을 통해 실현됩니다. 그러나 목표는 동일합니다. 관객과 공유할 평온함과 평화로움을 전달하는 것입니다. 관객은 그의 풍부한 추상 구성에 존재하는 각각의 개별 형태를 고민하면서 종종 길을 잃곤 합니다. 앞서 언급했듯이, Pink & Violet의 경우, 작가는 보라색으로 칠해진 캔버스를 만들었을 가능성이 높으며, 그 위에 그는 인내심을 갖고 대략 정밀하게 여러 수평면에 배열된 핑크색 선들의 연속을 구성했습니다. 그 결과 밝은 색상이 나타나지 않는 작은 공간에 더 어두운 색상이 나타나며, 유쾌하게 번갈아 가며 찾는 사람들에게 차분한 느낌을 주는 조화로운 색상 대비를 만들 준비가 되어 있습니다. 그 앞에서 멈춰서 보는 시간, 어쩌면 그들이 보는 각각의 개별 요소를 세어보려고 노력할 수도 있습니다.
Olimpia Gaia Martinelli
