CIRCLE 3 (2021)モーガン・パスリエによるコラージュ。
10、9、8、7、6、5、4、3、2、1...
10、9、8、7、6、5、4、3、2、1: トップ 10 と呼ばれるこの数字のクライマックスによって、美術史上最も関連性の高いコラージュをトップ 10 の次に配置することを目的としています。その他、関連性の高い順に、より人気のある絵画、彫刻、写真に直面して脇に追いやられることが多い芸術的技法の知識に読者を近づけたいと考えています。したがって、純粋に教訓的な目的を追求し、紙を重ね合わせることによって得られるこの作品の実行方法を読者がより理解できるように、コラージュの起源と詳細を簡単に説明することによって、私の厳選したセレクションを適切に紹介することを目指しています。 、写真、物体、新聞の切り抜き、雑誌などを支持体に貼り付けます。支持体にはさまざまな種類がありますが、一般に硬いものです。美術史的な観点から見ると、前述のテクニックは 20 世紀初頭に誕生し、その期間にキュビズムの巨匠ピカソやブラック、 、後には、未来派や幾何学的抽象主義の提唱者、さらにはより複雑なネオダダ、シュルレアリスム、ポップ、ヌーヴォーのリアリズムの集合体によっても制作されました。しかし、これはヨーロッパ中心の西洋美術の本によって私たちに語られた話であり、紙が発明された当時、つまり紀元前 200 年の中国で、実際にコラージュがどのようにして実際にどのように使用されたのかについての説明が不足していることがよくあります。 10日からは、日本の書道家たちが詩を書く際に紙の表面に文字を糊付けして書くことを始めた。それにもかかわらず、フォトモンタージュ、つまり写真で作られたコラージュの発明は西洋世界にあることは間違いなく、リチャード・ハミルトンは今日に至るまでその技術の最大の提唱者の一人であることが判明している。いずれにせよ、ビクトリア朝印刷、1 枚の印画紙に複数のネガから印刷する方法、フロントプロジェクション、コンピューター編集技術など、画像を組み合わせる他の方法がどのようにフォトモンタージュとも呼ばれるかは注目に値します。さて、この短い「レッスン」の後、私たちは運命の瞬間に達しました。今は概念が満載なので、問題のテクニックに関する私のトップ 10 を理解するだけでなく熟考してもらいたいと思います...
CONTAINMENT (2020) コラージュ by Emily Coubard (ミル)
アネグレット・ゾルタウ（自画像）。
10. アネグレット・ゾルタウ（自画像）
私のトップ 10 は、ドイツのビジュアル アーティスト、アンネグレット ゾルタウから始まります。彼の作品は、純粋にフォト モンタージュの芸術に焦点を当て、主に人体と顔を黒い糸で縫い付けたり接続したりする主題で、1970 年代の芸術のランドマークとなりました。 1980年代。このセレクションを説明するために私が選んだゾルタウの自画像は、アーティストの作品内で繰り返されてきた複数の重要な概念の要約です。たとえば、糸によって表現された線の概念と、糸の概念の組み合わせなどです。この場合、アンネグレット自身が擬人化した人間の姿。さらに、そのような組み合わせは、前述の黒い絹糸で縛られた主題が一種の「自画像」を生成する作品の作成につながり、この場合、芸術家の人生の2つのまったく異なる時代を統合することができます。それは同時に彼女の若さと成熟の形で現れました。このようにして、アネグレットは女性としての非常に個人的な物語も書いており、彼女の姿の断片を通して、社会的文脈における「より公正なセックス」の周縁的地位を活気づける葛藤やジェンダーの圧力を暗示することを目的としている。そして差別。最終的に、彼女は自分自身の 2 つのバージョンを並べることで、その人が生涯を通じて自然に直面する身体的および心理的変化をさらに強調することができます。
ハンナ・ヘッヒ、ドイツ最後のワイマール・ビール腹文化時代を包丁で切り取ったダダ、1919～1920年。コラージュ。ベルリン: ベルリン国立美術館、ベルリン国立美術館。
9.ハンナ・ヘッヒ、ドイツ最後のワイマール・ビア腹文化時代を包丁で切り取ったダダ（1919～1920年）
9 番目の位置には、別の女性、ハンナ・ヘッヒがいます。ハンナ・ヘッヒは、1978 年生まれのドイツのダダイスト芸術家で、マスメディアからの画像とテキストを使用および組み合わせて構築された、先駆的な政治的なコラージュやフォトモンタージュで知られています。ワイマール共和国の失敗と社会的に構築された女性の役割の両方に向けられた文化的批評。彼女の作品が芸術家の個人的な見解をにじみ出させるだけでなく、当時のドイツ国民の大部分が共有し、しばしばその反逆的で批判的な精神によって動かされていたイデオロギーに声を与えたことは、注目に値します。戦争は、前衛が不満を解消する役割を引き受けた新しい時代の始まりとして多くの人に認識されていた。私のランキングを説明するために選んだ傑作、すなわちドイツ最後のワイマールビール腹文化時代を包丁で切るダダに関しては、ヘヒの最も有名な作品が追求している点で、上記の芸術家の文体的特徴と理想を完全に表しています。新聞の切り抜きを組み合わせるように設計された彼女の合成技術を通じて、ワイマール・ドイツを統治していた人種差別主義と性差別主義の規範に異議を唱え、創造性自体が日常のダイナミクスにどのように包含され得るかを実証できる芸術形式の実験を明示するという意図。現代の生活。
ジョン・ステザカー（ホワイトチャペル・ギャラリーのモノグラフ表紙の肖像）
8. ジョン・ステザカー（ホワイトチャペル・ギャラリーのモノグラフ表紙の肖像）
8 位に到達したので、この機会に、このトップ 10 を書いている間に、私がどのようにして問題の作品のタイトルを必死に探していたか、あまりに見つけられないことがよくあったことを明らかにしたいと思います。 , 私は描かれた主題のタイプのみを括弧内に報告しましたが、これは意図せずして、私が序文で予想したこと、つまりコラージュ技法の人気の低さとその結果として関連する情報へのアクセスが制限されていることを示しています。これを明確にした上で、ジョン・ステザカーの人物像を簡単に紹介します。ジョン・ステザカーは1949年生まれの英国のコンセプチュアル・アーティストで、ポストカード、映画の静止画、広告から取った画像を主題としており、しばしばコラージュの手法を使って作られた超現実的なトーンの作品で知られています。写真。この作業方法は主に、1950 年代の魅力的なポートレートを描写できる構図に命を吹き込むことを目的としており、時にはハリウッドスターの存在も含め、風景のイメージと混合され、その動揺効果が観察されます。 、ホワイトチャペルギャラリーのモノグラフ（2011年）の表紙に選ばれたコラージュでは、女性の人物が岩のような短縮の存在によって目の高さで壊れています。
7. アイリーン・アガー『プレシャス・ストーンズ』（1936年）
英国の写真家で画家のアイリーン・エイガーによる作品「プレシャス・ストーンズ」は、男性の横顔のシルエットを捉えたもので、白い紙に貼り付けられているように見え、さらに第 3 の媒体の存在によって額装されています。画像の輪郭を描く赤い境界線が生じます。本題に戻ると、問題の人物は、いくつかの宝石を図解した本から切り取られたもので、その正確な格子配置は、彫像の部分的に恣意的な輪郭と対照的であり、しばしば自分自身を表現してきたこの職人のシュルレアリスム的傾向を反映している。コラージュという技法を通して。さらに、上記の説明を少し脇に置きますが、この作品は、アガーの頭と横顔のイメージを含めることを目的とした初期の作品の 1 つを構成しているため、この作品にも関連性があります。この主題は、後にアーティストにとって多少反復されることになります。 。いずれにせよ、この作品の特定のケースでは、男性の顔の一部がアイリーンの夫、つまりジョセフ・バードの肖像に基づいてモデル化されていることに注意することが重要です。ジョセフ・バードは決して偶然ではなく、実際に熱心な収集家でした。貴重な石。最後に、Precious Stones を実現するためのもう 1 つのインスピレーションの源は確かに古代コインであり、その横顔の肖像画は現在、大幅に遊び心、素朴さ、想像力豊かな方法でレンダリングされています。
ミンモ・ロテラ、ユーロムサ、 1963年。デコラージュ。
6. ミンモ・ロテッラ、ペプシ (1979)
1970 年代後半のペプシの広告の断片が、支持体に貼り付けられているか、あるいはそこから「引き剥がされて」、私たちを当時のヌーボー レアリスム、アメリカン ポップ アートの現代運動、しばしばその転置として考えられていた運動の中心へと導きます。フランスへ、ミンモ・ロテッラ自身がイタリアの主要な支持者であった。後者の作品はまさにデコラージュ技術の探求に中心を置いており、前述の芸術的アプローチにとって重要なデコラージュ技術には、ボトルキャップやロープなどのジャンク業者から購入した物体を使って作られた既成品やアッサンブラージュが伴っていた。これは同時代のポップアートの日常的、日常的な対象を思い起こさせますが、1970年代初頭から、アーティストはペプシの場合と同様、追加の視点を開発し始め、雑誌広告に介入し始めました。それらをフロッタージュ段階に下げるか消去するために溶剤を使用します。
リチャード・ハミルトン、今日の住宅をこれほどまでに魅力的にしているものは何でしょうか? 、1956年。コラージュ、26 cm × 24.8 cm。テュービンゲン美術館、テュービンゲン。
5. リチャード・ハミルトン、今日の住宅をこれほどまでに異なった魅力的なものにしているのは一体何ですか? (1956)
5 番目には、今日の住宅をそれほど魅力的にしているのは何でしょうか?として、コラージュ技術のアイコンを配置しました。多くの批評家や美術史家によって、この作品は史上初のポップ作品であると考えられています。この傑作は、アメリカの報道機関から撮影した写真と画像の切り抜きを結合することによって作成されました。それらは、多くの物体といくつかのキャラクターが配置された奇妙な家のインテリアに命を吹き込み、その中には確かに半裸のボディビルダーの特徴が含まれています目立つもの、ランプシェードに置かれたフォードのロゴ、ソファに横たわるピンナップの姿、遠くに見える主婦の像、壁に並べられたヤングロマンカの漫画など。カラーではあるが、この作品がロンドンの展覧会「ディス・イズ・トゥモロー」のカタログのために制作されたものであることを知ることが重要である。このイベントは実際には白黒で知られるようになり、後にハミルトンはいくつかのバージョンの作品も制作した。同じ主題で、彼は構図を作り直しました。
Beeple、日常: 最初の 5000 日、2021。デジタル アート。
4. ビープル、日常：最初の5000日 (2021)
ポジション番号 4 は、コンピューター技術を使用して実現されたフォトモンタージュの変形について説明します。このツールは、『Everydays: the First 5000 Days』を実現するツールであり、繰り返しのテーマと配色を描いた 5,000 枚の画像を並べることを目的としたデジタル コラージュです。時系列順に整理され、時事的な出来事や個人的な生活の瞬間の横に巧みに配置された、抽象的、幻想的、グロテスクで不条理なイメージの存在を明らかにする美的な全体を作成します。これまでに説明した内容は、テクノロジーに対する心からの恐怖、富に対する欲望と憤り、そして芸術家が社会の主な疫病であると認識していたアメリカの政治的混乱を解釈しています。最後に、このコラージュは、2021年にクリスティーズでNFTが6,930万ドルで販売され、史上最も高価な非代替トークンとなったため、象徴的な成功を収めたため、表彰台の近くに置かれたことを知ることが不可欠です。クリエイターについて、ビープルとして知られるマイケル ジョセフ ウィンケルマン (1981 年生まれ) は、アメリカのデジタル アーティスト、グラフィック デザイナー、アニメーターであり、そのアートはさまざまな媒体を使用して、政治的および社会的解説を説明するように設計されたコミックや幻想的な作品を作成し、ポップ カルチャーをよく使用します。文字を参考にします。
マン・レイ、ドラ・マール、1936年。
3. マン・レイ、ドラ・マール (1936)
シュルレアリスムのマン・レイを忘れることはできません。特に、彼の 1936 年のコラージュの主題が、まさにクロアチア生まれのフランスの写真家、詩人、画家であるドラ・マールである場合、彼女はパブロ・ピカソとの長い関係で知られ、しばしば不滅の名を残しました。このアメリカ人写真家は、女性らしさ、フォルム、多重露出で遊んでいた。前述の成功した写真家のイメージが捉えられたのは、まさにこの主題に対する後者のアプローチを通じてでした。彼は当初アンドレ・ローテのスタジオで画家として訓練を受け、その後 1930 年代初頭にアンドレ・ローテの影響下で画家となりました。マン・レイはレンズの愛好家であり、映画、都市写真、ファッション写真など、これまでにない芸術的道を探求することを可能にした、彼女の珍しい魅力的なテクニックで知られています。一方、パブロ・ピカソはモデルとしてのマールに確かに感銘を受けており、彼女に直接会う前から、レイが撮った彼女の肖像画を手元に残しておきたいと主張し、後には自ら彼女を不滅の存在にしたいとさえ望んだ。そのため、彼女は、たとえば、「ドラ・マールの肖像」（1937 年）や「泣く女」（1937 年）など、彼の最も有名な傑作の主題となった。しかし、残念なことに、後者の作品は、悲しみの化身へと変貌する可能性のある苦悩する人物として描かれた女性の脆弱さをすべて私たちに明らかにしています。それにもかかわらず、スペインの芸術家は、ドーラの憂鬱こそが価値あるインスピレーションを与え、時には涙を浮かべながらも感情的に力強い女性像に命を吹き込むことができたと認めた。
ジョルジュ・ブラック、ヴァイオリンとパイプ、1913年。チョーク、木炭、コラージュ、紙、74 x 106。パリ: ポンピドゥーセンター。
2. ヴァイオリンとパイプ (1939)
1900 年代初頭、ブラックやピカソなどの芸術家は、コラージュと呼ばれる方法を使用して革新的な芸術作品を作成し始めました。これが、問題の芸術技法の西洋の 2 人の父のうちの 1 つであるブラックが位置づけられた主な理由です。 1913年のヴァイオリンとパイプとともに演壇の2番目に高い段に立つこの作品は、パピエ・コレのシリーズの一部であり、このフランス人芸術家はテーブルと絵画自体の双方向の読み取りを前景化しています。この比喩的なアプローチは、静物画の主題内で総合キュビスムによって行われた芸術的調査の結果であり、この特定の場合、静物画は、新聞紙、切り貼りした印刷された壁紙、木炭、グラファイト、および紙の上に貼り付けられたパステルで構成されています。ボール紙、その上でバイオリンとパイプが、時にはほとんど抽象的なキーで解釈され、命を吹き込まれます。傑作はさておき、ブラックがどのようにコラージュの技術を活用して絵画レベルでの形と色の相互作用の認識を発展させ、ジム・ダインやウェイン・シーボーなどの他の巨匠の模範となったかは注目に値します。
パブロ・ピカソ、ギターとワイングラス、1912年、コラージュ、47.9 × 37.5 cm。ニューヨーク: MET。
1. パブロ・ピカソ、ぬいぐるみの椅子のある静物画 (1912)
第 1 位は、西洋美術史上最古のコラージュです。1912 年の傑作「ぬいぐるみのある椅子のある静物」は、キャンバスの切り抜きで覆われた楕円形のテーブルの表面を不滅にすることを目的としており、その中にさまざまな物体が置かれています。 、絵画的介入、およびワックスキャンバス、紙、キャンバス上のロープの使用によって作られています。技術はさておき、このような作品も重要である。なぜなら、分析的な作品に続いて、平面の合成に生命を吹き込むために芸術家がカルカレに惜しみなく努力を費やした総合キュビズムの肯定プロセスの進歩を示したのが彼女だったからである。それらをキャンバスの 1 つのレベルに描写し、動きを表現される 1 つの瞬間に落とし込みます。最後に作品の説明に戻ると、前述のコラージュでは、ロープが装飾品として鑑賞者に現れ、一方、葦の断片がぬいぐるみの椅子のイメージを再提案しており、アーティストはその隣に、ほとんどほのめかされていない他の主題を配置しています。時には、時代遅れになった実際のデータを維持してそれらを説明するのではなく、それらを呼び起こしたり、それらの幻想的な表現を与えたりしたいかのように、オブジェクトを断片化します。
Olimpia Gaia Martinelli
