ROSES (2021) Pittura da Valery Marche.
花のある静物のランキングは、私の意見では、前述のジャンルの最も象徴的で「商業的な」作品であるすべてのものをまとめたものであり、シンボルで最高潮に達することを目的として、物語の中で降順に並べました。主題の卓越性、つまり、誰も、またはほとんど誰もが誤解を免れることができないその傑作において、私はそれを「花をテーマにした」絵画の象徴的な代表的なポスターとして選出する自由を取りました。ただし、トップ 10 に移動する前に、少なくとも少しの間、花のある静物が属している歴史的文脈に入るのは良いことです。自然な主題は、最初は歴史的、宗教的、または1490 年頃、フランダースのハンス メムリンクの手から、神話的なものは、何世紀にもわたって激しさと強さを達成したという事実のおかげで、今や避けられなくなった主題の継続のための基礎を築きました。単純な植物の複製よりはるかに優れた美的独創性。さらに、アール ヌーボー様式のジャンルが成功した後、20 世紀の到来により、花をそのまま再現するだけでなく、集合体、インスタレーション、写真などに花を巻き込む直感が生まれました。 19 世紀後半から 2000 年代にかけて、技術的にも様式的にも前例のないものであるだけでなく、真の「主流」であるという点で、私にとってこのジャンルの頂点を代表する作品に目を向けるために、この長く古代の未来の歴史を中断します。大衆によって非常に熟考された製品」。
フラワーボールシリーズの標本を持った村上さん。 @soulr.co
10. 村上隆《フラワーボールピンク》2007年
簡潔に言えば、村上の作品の起源における意図、訓練、および影響に言及することなく、Flowerball Pink (2007) は、鮮やかな花の強烈で「密集した」水しぶきで満たされた円形の版画であり、それぞれにスマイリーが与えられています。前述のプリントがまさにその一部であるフラワーボールシリーズ全体をアニメーション化することを目的として、幻想的な立体感を生み出します。欠落している詳細のこの簡潔な説明に加えて、村上氏の人気の花は、ウォーホルにとってキャンベルのスープ缶と同じくらいアーティストのキャリアの定番であり、花がしばしば描かれていた伝統的な日本画の独自の再解釈から生まれました.この古代の図像に加えて、マンガ、アニメ、日本のサブカルチャーの世界を注意深く観察し、消費者主義と芸術の間の境界を曖昧にすることでタカシによって芸術に変換された商業オブジェクトの生成者である. 1950 年代のポップアートの意図。そのような親和性にもかかわらず、村上のドローイングは、ハイカルチャーとローカルチャーの単なる並置を超えており、前述の明るい笑顔の背後に隠された涙が垣間見られ、威厳のある静けさの背後に苦しみを隠すことができる成熟した勇気を形成することができます.実際、後者の観察は、アーティストがニューヨークタイムズに行った痛ましい声明に関連しています。その中で彼は、彼の笑顔の花は、抑圧された感情や、集合的に経験されたトラウマの無言の顕現に他ならない、と告白しました。 1945 年の広島・長崎原爆という歴史の中で最も劇的な瞬間に日本人によって。
草間彌生の花の彫刻。 @kusama_archive
9. 草間彌生《朝に花開く準備》1989年
繰り返しますが、彼女は自分自身と矛盾していません!草間彌生は、アーティストが子供の頃から苦しんでいた劇的で丸みを帯びた幻覚から容赦なく引き出された、彼女のインスピレーションによる装飾である水玉模様の密なパターンを強迫的に使用することで非常によく知られている現代の日本のアーティストであり、私たちを驚かせません彼女が最も大切にしているモチーフを再利用することを選択したとき、繰り返しの赤い背景に命を吹き込み、2 つの花を囲む点で具現化し、前景にシルエットを描くことを目指しました。この場合、花の世界の描写を通じて明らかにされた強迫観念があなたを驚かせた場合、あなたは日本の芸術家の作品に慣れていません。たとえば、ナショナル ギャラリー オブ ヴィクトリアズ トリエンナーレ (メルボルン、2018 年) では、訪問者が部屋の利用可能なすべての表面に多数のガーベラを自由に配置できるようにしました。 「Flower Obsession」と題されたこの作品は、前述のビジョンの繰り返しを通して再び説明を見つけますが、この特定のケースでは、インスタレーションの起源を明らかにするのはアーティスト自身です。子供の頃、テーブルクロスに赤い花模様が描かれているのを見て見上げると、天井も窓も柱も同じ赤い花模様で塗りつぶされているようで、部屋全体が、全身が、宇宙が赤で覆われているのが見えました。花、そしてその瞬間、私の魂は消えました...それは幻想ではなく、現実そのものでした.
アンディ・ウォーホル、フラワーズ、1964年。
8.アンディ・ウォーホル、フラワーズ、1964年
1964 年以前は、やや信じがたいことですが、ウォーホルのレパートリーには、ほとんど許しがたいほど、たとえば花などの主に自然主義的な主題へのアプローチが欠けていました。ピッツバーグのアーティストは、美術史の中でこのような繰り返し登場するジャンルをどのように忘れることができたのでしょう?実際、アンディは上記の主題に独立した関心を示したことは一度もありませんでした。そのため、彼の分析は、1964 年にニューヨークで開催された万国博覧会でウォーホルに促した現代美術のキュレーターであるヘンリー ゲルザーラーの介入によって促されました。卓越した自然の要素を備えた彼の作品。しかし最終的に、アンディはそのような主題、特に印象派と抽象技法を組み合わせることを目的としたスタイルで作成されたハイビスカスに親しみ、アーティストの最も内側の魂、そしておそらく最も露出の少ない魂に声を与えるという意図を追求しました消費者の物語の出現によってしばしば隠されているため、物議を醸しています。これまでのところ、ウォーホルが主題を何度も解釈したほど素晴らしいものでした. 、ウォーホルに質問されず、法的措置に直行しました！
7.ロイ・リキテンスタイン、黒い花、1961年
ポップアートの主要なアーティストの 1 人が占有する 7 番目の位置に来ました。これは、上記のアーティストと並んでいます。ロイ リキテンスタインについて話しています。ロイ リキテンスタインについて話しています。ロイ リキテンシュタインについて話しています。 、Ben-Day ドットによって作成された、当時の生活を説明し、とりわけ Whaam! （1963）、そして美しいブロンドの女性を描いたものと同様に、かなり見下すように、コマンドで泣いたり笑ったりするところまで行きました。ドナルドダックやミッキーマウスを題材にした作品や、名作のリメイク作品も収録できるこの作品に、花の静物画もあるなんて誰が思ったでしょうか。この時点で、1961 年に作成された、つまりアーティストのキャリアの初期に位置付けられた作品であるにもかかわらず、リキテンスタインのより成熟した文体の特徴のいくつかをすでに復活させている作品を紹介します。コミック ストリップは、この場合、花の色の美しさを覆し、珍しい黒と白でそれらを捉えるために来ます。クラシックと雑誌の世界。
ジョージア・オキーフ、赤いカンナ、1924年。オイル、73.7 x 45.7 cm。
6.ジョージア・オキーフ、赤いカンナ、1924年
このトップ 10 にオキーフの作品を含めずにはいられませんでした。オキーフは花の絵で最もよく知られています。花の絵はクローズアップまたは大規模に描かれ、彼女の最も有名な傑作のいくつかを表しています。 1920 年代半ばから 1950 年代にかけての年代。この広大な花の作品の中で、私は代表的な作品として、葦のユリを「拡大」して近くで見たキャンバスである Red Canna (1924) を選びたいと思いました。開いた花の美しさ、豊かさ、繊細さは、解釈可能であり、同時に、エロティックで官能的な方法で、女性らしさの最も隠された部分のクローズアップビューを備えています。これは、オキーフの花のレパートリーの多くの中で観察者によってしばしば認識される「次元」です。 .実際、画家は彼女の作品が文字通り誤解されていたと衝動的に宣言し、主に男性の美術評論家によって策定された男性主義者の解釈の象徴となったように、いたずらはまさに見る人の目にあります。彼女の作品は、実際には彼女の当初の意図とは非常に異なっていました.
アンリ・マティス、窓の前にバラをスプレー、1925年。キャンバスに油彩、80×65cm。プライベートコレクション。 @paintings_i_love.
5. アンリ・マティス、花、1907年
フォーブスの主要な代表者であるマティスは、後者の芸術の流れの他のスポークスマンと同様に、単純化された形式の普及、遠近法と明暗法の廃止、明るく不自然で純粋な色の使用によって際立っていました。 1907年に制作された花の静物画の花は、前述のものよりも「攻撃的」ではなく、わずかに「自然主義的」な色を使用しており、鮮やかな色合いによって伝えられる驚き以上に、表現力豊かな筆運びの動きを重視しています。静物のより「古典的な」テーマにアプローチする、フラットでグラフィックなフォームを構築します。これが花 (1907) に適用される説明である場合、アーティストの長いキャリアの中で、彼が繰り返し花のテーマに戻り、多かれ少なかれ発達した文脈の中で花を解釈したことを強調するのは良いことです。たとえば、紫のローブとアネモネ (1937) や 犬のいるインテリア (1934) などです。
葛飾北斎、しだれ桜のウソ、1840年。
4. 葛飾北斎、しだれ桜のウソ、1840
「一羽の鳥が水浴びをする／その羽を羽ばたき飛ばす：／朝桜」：これは版画ウソのしだれ桜（1840年）に見られる碑文の翻訳であり、文来庵節満に帰せられる17音節を示している。北斎がゆかりのある節門の俳人であり、絵「松と富士」の文章にも引用されている。同じ引用で言及されている桜といえば、これは誰もが認める作品の主役であり、花とつぼみの中で、ウソと一緒に提示されます。ウソは、日本では儀式の有名な船首像です。毎年大晦日に天神で行われる。この機会に、前年のウソを持って聖地に行き、次の年の不幸から所有者を守る祝福された新しいコースのウソと交換する必要があります。一方、北斎の版画でリアルに表現された慈悲深い動物は、頬から喉まで伸びるピンク色のマーキングからもわかるように、間違いなく雄の標本です。最後に、花、プルシアンブルー、鳥、そして碑文が調和のとれた全体を形成し、日本の最高の芸術的伝統と習慣と文化を私たちに伝えることができます.
グスタフ・クリムト、ひまわり、1906 - 1907年。キャンバスに油彩、110 x 110 cm。プライベートコレクション。
3. グスタフ クリムト、ひまわり、1906 年
接吻を忘れる（1908）、ジュディス（1901）、女性の三時代（1905）は、クリムトがおそらく自然よりも人間の姿を描くことに熟練し、より興味を持っていたと思わせる作品です。 、または静物。最初の仮説は確かに間違っていますが、アーティストの折衷主義を考えると、1906 年のひまわりが最も典型的な擬人化要素を異常に欠いている主題であることが判明したため、2 番目の仮説は非常にもっともらしいようです。いずれにせよ、クリムトの前述の花は人間と非常によく似ているように見えます。彼らが住んでいる庭に直立して立っていても、果物や他の枯れている花と一緒に花瓶の空間に縛られているわけではありません。標本。このため、本当に時間を厳守したいのであれば、傑作は完全に静物のジャンルに陥るのではなく、ヒマワリが上記の主人公の動きをする風景のジャンルに似ているように見えるでしょう. -言及された傑作、特に、キスの恋人たちの握りを反映して、葉が同様の抱擁に参加しました。
クロード・モネ、ニンフィー、1919年。ニューヨーク：メトロポリタン美術館。
2. クロード・モネ、睡蓮の池、緑の調和、1899 年
また、「静物」と風景の中間にあるのは、モネの一連の睡蓮で、屋外に置かれてまだ生きている間、より「家庭的な」花瓶、果物、生け花と同じようにモデルになります。 1890 年から 1926 年の間に制作された 250 点以上の絵画のこのサイクルは、実際には、彼自身が表現した運動のいくつかの特殊性からの巨匠の分離を物語っています。それは印象派です。実際、後者の特徴の1つが「外気」を描くことであった場合、その瞬間にまったく拍車をかけ、正確な瞬間の印象を1つのイメージに固定するために、マスターは不十分でした.この作業方法には 2 つの理由があります。彼の最後のキャンバスのサイズと冬の季節です。前者に関しては、大きなメディアは彼のスタジオに厳重に保管されていました。そこで彼は、人生から捉えた印象を断片化し、それらを一連の一貫した瞬間に再構成することができました。一方、冬の季節に関して言えば、寒い天候のため、移動式イーゼルの助けを借りて、アーティストは屋外で作業を開始し、スタジオで仕上げることができました。
ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ、ひまわり、1889年。キャンバスに油彩、95 x 73 cm。アムステルダム: ゴッホ美術館。
1.ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ、ひまわり、1889年
そして勝者は：ヴィンセント！実を言うと、私は常に問題を抱えた精神に弱いところがありましたが、この場合、彼のヒマワリは芸術の歴史にとって避けられない静物画の傑作を真に表しています。内なる世界。実際、太鼓腹の花瓶に集められたヒマワリの束を平面上に、正確に明るい色の壁に向けて描いたこの絵は、絵を描くように生きた巨匠の比喩的な実験のよく知られた例です。日常の実存療法、つまり、芸術的な追求と現実に直面するためのフィルターの両方です。さらに、ひまわりのシリーズは、彼の友人であり同僚であるポール ゴーギャンへの感謝の気持ちを表すために作られました。彼に加わった。オランダのマスターでさえ、この花を非常に愛し、「完全にヴィンセント」と呼んだほどです。最後に、ヴァン・ゴッホが花瓶に入れたヒマワリは、テオの姿に加えられたキリストの使徒の数を参照するために、弟のテオに明らかにされたように、14歳または15歳であることに注意することも重要です。ヴィンセント自身の存在も追加できるポール・ゴーギャン。
Olimpia Gaia Martinelli
