偉大な巨匠と偉大な傑作…

スペイン絵画の歴史は、ゴシック、マニエリスム、黄金時代、20世紀など、その発展と進化を特徴づけた最も重要な時代を参照することで語ることができます。これらの時代は、ゴシック時代にはフランスとイタリアの文体的特徴をほぼ受動的に再現し、ルネサンス・マニエリスム時代にはそのモデルとして両方を採用したとすれば、この国の創造性の漸進的な外部化として解釈することもできる。ベル・パエセ人、そしてオランダは、その後、黄金時代のスペインと 20 世紀に入って初めて純粋なスペイン語の存在を具体化し、エル・グレコのような世界クラスの巨匠の存在を通じて表面化されました。ディエゴ・ベラスケス、フランシスコ・ゴヤ、そしてその後のパブロ・ピカソ、サルバドール・ダリ、ミロなど。これらの人物はすべて、主にその表現に結び付けられる単一の芸術運動、傾向、潮流の多数の支持者との関連とは本質的に独立していました。たとえば、イタリアではルネサンス、フランスでは印象派がそうであったように、特定の国のものです。ダリを例に挙げると、ピカソにも言えることですが、彼はシュルレアリスムの一員として非常に人気のある唯一のスペイン人でしたが、その価値観を普遍的に伝えることができたほど、彼の存在は運動にとって非常に重要でした。前述の「トレンド」における彼の顕著な役割を通じて、スペイン文化を伝えました。したがって、スペインの芸術は、運動や潮流というよりはむしろ、影響力のある個性的な人物たちによって構成されており、彼らは明確な文体上の特徴を持って、世界中の国の表現全体を独力で指導してきた、とも言えます。これまで述べてきたことから、私のトップ 10 の絵画は、主に巨匠や偉大な傑作からなるスペイン美術史の本当の物語の中でガイドの役割を果たしています。

トップ10

フアン・グリス、ピカソの肖像、1912年。

10. フアン・グリス、ピカソの肖像（1912年）

10 番目の位置では、スペインの画家でキュビズムの代表者であるフアングリスの作品をハイライトすることにしました。フアングリスは、特に有名なピカソの肖像画で知られています。1912 年の傑作であり、マドリードの巨匠はこの作品で、マドリードの巨匠が絵画の 1 つを不滅のものにしました。 20 世紀の最も重要な芸術家であり、彼の独特のインテグラルキュビスム、つまり、ほぼ結晶のような外観を作り出すことを目的とした、幾何学的図形が対角線の構造に結合される、最も規則的な形態の破壊によって特徴付けられる個別のスタイルに魅力を感じました。しかし、二人の画家の関係について言えば、グリは 1906 年にパリに到着し、そこでピカソとブラックに出会い、キュビスムの流れの発展に加わり、わずか 6 年後にグリはパブロの弟子であることが判明しました。実際、フアンの視点は、アンダルシア人の分析的キュビズムからヒントを得ており、オブジェクトの脱構築と同時の視点に言及していますが、断片化された肖像画によってレンダリングされた、より体系的で結晶的な幾何学を呼び戻しています。頭部では、首と胴体がさまざまな平面と単純な幾何学的形状に分解され、対角線によって支配される構成構造内で組織され、青、茶色、グレーのクールなトーンのパレットを使用することですべて明示されています。最後に、ピカソの肖像画の文体的特徴は、画家としての人物像を不滅にすることを目的とした作品を生み出しています。なぜなら、主題が手にパレットを持っているからです。その細部は、「パブロ・ピカソへのオマージュ」という碑文のように、明らかに私たちに考えさせます。グリがキュビスムの革新者をいかに卓越した人物として評価したか。

ジョアン・ミロ、ハーレクインのカーニバル、1924/1925年。キャンバスに油彩、66cm×90.5cm。オルブライト・ノックス・アート・ギャラリー、バッファロー、ニューヨーク。

9. ジョアン・ミロ『ハーレクインのカーニバル』（1924-25）

ジョアン・ミロのキャンバスは、1924年から1925年にかけて作られたもので、多数のお祭り気分のハイブリッド人物で占められている。彼らは半分が人間で半分が動物であり、スペイン人によって物の形と関連付けられた人間の解剖学的な部分を持っているため、時々擬人化されている。この気楽な雰囲気は、鑑賞者を祝典の世界に夢中にさせ、人物たちの生き生きとした背景として機能するメロディーを想像する時間を取ることさえ示唆します。しかし、純粋に美術史的な観点から見ると、この作品はミロのシュルレアリスム時代の一部です。特に、それはブルトンがこの運動のマニフェストを起草した時代よりも前のことですが、ジャンヌの傑作では、後に前述のフランスの詩人によって促進された精神的自動現象がすでに十分に具体化されていました。実際、『ハーレクインのカーニバル』は、想像力の幻想的で超現実的なビジョンを形にしており、芸術家はそれを現実のある要素と関連付けることによって外面化したいと考えており、それは別の意味を取り、変換されて新しい幻想的な解釈を生み出します。この意味で、画家によって描かれたものは無意識の次元であり、しばしば脚立の描写を通して語られるが、それは巨匠の作品の中で繰り返し現れ、問題の絵画にも存在していることを明確にすべきである。は、現実から出発して想像力を超えていくことを目的とした出発点を表しています。

エル・グレコ、オルガス伯爵の埋葬、1586年。キャンバスに油彩、480×360 cm。トレドの聖トーマス教会。

8. エル・グレコ『オルガス伯爵の埋葬』（1586年）

私のトップ 10 は、ギリシャの画家、彫刻家、建築家であり、スペインルネサンスで最も重要な人物の 1 人であり、よく考えられているエルグレコについて触れていなければ、スペイン芸術の主要人物を要約するという機能において信頼できるものではありません。黄金時代の最初のマスターになる。問題の傑作、すなわち 1586 年のオルガス伯爵の埋葬は、タイトル自体によって明らかにされた出来事を寓話的に描いており、主な主題として、聖イシュトヴァーンと聖イシュトヴァーンによって奇跡的に埋葬されたオルガス市の亡き領主を取り上げています。この機会のためだけに天から降臨した聖アウグスティヌス。 14 世紀初頭の伝説に触発されたこのテーマは、この絵が今日まで保存されているスペインのトレドにあるサントトメ教区教会と交わした契約に完全に従って画家によって描かれました。いずれにせよ、常連客の要望に忠実に応えたにもかかわらず、エル・グレコは、16世紀の慣習的な葬列に起因するとされる多くの特徴、二人の聖人の祭服、そして聖者の肖像など、いくつかの近代化要素を導入しました。当時のトレドの著名な人物。この解釈方法は、この油の純粋に教訓的な目的を促進することを目的としており、反宗教改革の教義に従って、聖人への崇敬と魂の救いのための善行を促進するという意図を追求していました。

フランシスコ・ゴヤ、息子をむさぼり食うサトゥルヌス、1821～1823年。ミクストメディア壁画をキャンバスに転写、143.5 cm × 81.4 cm。マドリードのプラド美術館。

7. フランシスコ・ゴヤ、息子をむさぼり食うサトゥルヌス（1821-1823）

1821年から1823年にかけて制作されたこの傑作は、恐ろしいビジョンを具体化している。サトゥルヌスはまるで動物の獲物であるかのように息子の体に噛みつき、部分的には血の細流に覆われ、今では頭部を奪われているように見え、腕は父親の口の中にある。すべてが不定の暗い背景に囲まれており、極端な行為が注目の的になります。マンサナレス川（マドリード）のほとりにある自宅の壁のためにアーティストが制作した作品である、黒い絵画サイクルの一部であるこのぞっとするような構図の解釈に関しては、若さと老いの間の葛藤の両方を呼び起こす可能性があります。、時間はすべてをむさぼり食うように見えます、そして、激しい戦争、革命、そして絶対主義を通して子供たちを食べることができた当時のスペインを擬人化したものです。上記に加えて、この傑作に起因するさらなる意味があり、それは単に現代の人間の状況を描きたいというより明白な願望に結びついています。解釈上の疑問は残るものの、この絵がどのようにして「黒い絵画」の極度の頂点を表しているのかは明らかであり、その特徴は、暗くて威圧的な色調に加えて、伝統的に絶望と老人と結びつけられてきた土星の姿に正確に関連したテーマの糸によって特徴づけられているということである。初期の傑作で描かれている年齢は、ルーベンスの作品と同様に、確かにより伝統的であり、ゴヤの作品の主人公のフロイト的狂気からは遠く離れているように見えます。

フランシスコ・ゴヤ、『裸のマハ』、1790～1800年。キャンバスに油彩、97cm×190cm。マドリードのプラド美術館。

6. フランシスコ・ゴヤ『裸のマハ』(1790-1800)

若いヌードモデルが、首筋の後ろで手を交差させて官能的に横たわりながら、恥知らずな自信を持って鑑賞者を見つめている。彼女の身体の一点に近く、彼女の黒い巻き毛もその場所を見つけて、体の側面に自由に落ちている。彼女の顔は、赤らんだ頬に囲まれています。そのようなビジョンは、緑のベルベットで覆われたソファの表面に位置しており、そこには女性が休む2枚のクッションが並べられており、下半身の下に敷かれているシートも同様です。問題の大胆な傑作は、その大胆さと悪戯に加えて、外陰部から臍につながる黒線を革新的に、またスキャンダラスに描いたことで知られており、画家の友人であるアルバ公爵夫人と、彼女の恋人ペピータ。確かなことは、このキャンバスが、ゴドイのコレクションの中で最も露骨な冒涜的なヌードを表現しているということだ。ゴドイは軍人からスペインの政治家まで、ヨーロッパ中の傑作やベラスケスの有名なヴィーナスなど、前述のジャンルに関する豊富なコレクションを所有していた。ロケビー。まさにこの文脈において、キリスト教の教義に反して、18世紀にスペインで実際に裸体画がどのように禁止されていたのかを明らかにする必要があり、ゴドイはより多くの真実を隠すために、前述の傑作の衣服を着たバージョンも制作するよう依頼したほどだった。明示的なもの。

パブロ・ピカソ、アヴィニョンの娘たち、 1907年。キャンバスに油彩、243.9 cm × 233.7 cm。近代美術館。ニューヨーク市のリリー P. ブリスの遺贈を通じて取得されました。

5. パブロ・ピカソ、アヴィニョンの娘たち (1907)

なぜ『アヴィニョンの娘たち』が美術史の欠くことのできない傑作であるのか、つまり、もしこの作品が作られなかったとしたら、私たちに知られている創造的探求の過程は確実に別の道をたどっていたであろう作品の一つであるのでしょうか?答えは、この絵がピカソの最初のキュビズム作品であると考えられているという事実にあります。この作品は、巨匠のピンク時代に続くアフリカ時代に作られ、おそらく芸術家がバルセロナの売春宿に頻繁に通っていたことから得たビジョンに触発されて作られたものと考えられています。 Carrer d'Avinyòにあります。さらに、問題の絵画が 100 を超える研究の結果であることを強調するのは良いことです。その中に画家は男性の人物の存在も含めており、この事実は、この主題がどのようにある種の感情を表現しているのかという推測につながります。「メメント・モリ」では、画家は性の危険性、すなわち当時流行していた梅毒について警告したかった。 1907 年の傑作の説明に関しては、おそらく古典的な伝統のビーナスを引用して、図々しくヌードを見せて視聴者の目に自分自身を差し出す 5 人の女の子が描かれています。最後に、彼らの顔に関する限り、それらは以前の芸術的伝統との意図的なカエスーラを表しており、視線の強さの中で体現されており、直接的かつ認識可能であり、より捉えどころがなく、常に変形を特徴とし、後戻りすることを意図しています。アフリカの伝統的なマスクの例を見てみましょう。

フランシスコ・ゴヤ、 1808 年 5 月 3 日、 1814 年。キャンバスに油彩、268 cm × 347 cm。マドリードのプラド美術館。

4. フランシスコ・ゴヤ、1808年5月3日（1814年）

フランシスコ・ゴヤ、1808 年 5 月 3 日 (1814 年): 暗闇に包まれた環境で、ランタンだけが夜の薄暗さを照らし、一筋の光が、反抗的な貧しい農民をより強く照らします。そして勇気を持って、自由の名の下に自分の存在を犠牲にしなければならないことを受け入れます。同様に、苦しみ、極度の苦悩の中で、十字架につけられたキリストの姿は、美術史の物語の中でしばしば登場するが、この冒涜的な事件では、キリストは倒れたり怯えたりした仲間たちに囲まれ、その前に集団で構成された銃殺隊がいる。ナポレオン指揮下のフランス軍兵士。実際、この絵は明らかに 1808 年のスペイン独立戦争占領中に起こったフランス軍に対するマドリード軍の抵抗を描くことを意図していました。また、同様のテーマで興味深いのは、この芸術家の他の作品、つまり「戦争の惨事」と題された一連の版画であることが判明しました。この作品では、巨匠はナポレオン軍によるスペイン侵攻に対する悲しみを具体的に外在化させました。しかし、1814 年の傑作のスタイルに関して言えば、後者の生々しいドラマが純粋にロマンティックであるとは考えられませんが、その繊細な感情の外在化が問題の運動の画家の作品にどのように似ているかには議論の余地がありません。同様に、この絵画は、ロマン主義と新古典主義の両方によって追求された美の理想化からも距離を置いています。

ディエゴ・ベラスケス、ラス・メニーナス、1656年。キャンバスに描かれたオリ、320,5 cm × 281,5 cm。マドリードのプラド美術館。

3. ディエゴ・ベラスケス、ラス・メニーナス (1656)

美術史の中で最も有名な場面の 1 つは、私が陳腐な話に踏み込んで簡単に説明したくないのですが、ディエゴベラスケスのスタジオで起こりました。この画家は 1650 年頃、スペイン国王フェリペ 4 世から主要な絵画の使用を許可されました。マドリードのレアル・アルカサル大広間をアトリエとして使用し、この場所で王はしばしば巨匠の仕事を観察して時間を過ごしていたため、多くの人がフィリップが王室の行動規範を破り、画家と友人になったのではないかと信じている。問題の傑作について言えば、この作品は芸術がどのように現実を効果的に再現できるかを明示することを目的としたプロパガンダ宣言となるように設計されたため、表向きは法廷肖像画のみを描いている。いずれにせよ、この複雑な構成にはさまざまな解釈や疑問が生まれます。たとえば、「なぜ鏡に君主たちが現れるのか？」などです。おそらくこれらの人物たちは、半光の中でポーズをとるシーンを覗き見するつもりだったと思われるが、背景から光が射しており、現場に到着したニエト女王の助手がその場所を見つけるのだが、その現場に到着したのはまだ謎が多い。最後に、非常に関連性の高いのは、作品内の芸術家自身の存在であり、この人物はおそらく彼自身を称賛する意図、フェリペ 4 世の宮廷での彼の存在、彼の役割、そして彼の個人的な概念を外面化したいという彼の願望を示すことを意図していました。その絵は芸術の中で優れていることが判明した。

サルバドール・ダリ、記憶の持続、1931年。キャンバスに油彩、24 cm × 33 cm。ニューヨーク近代美術館。

2. サルバドール・ダリ『記憶の持続』（1931年）

『記憶の固執』に登場する「柔らかい」時計、つまりほぼ液体のような粘稠度の時計を覚えている人は多いが、これらがカマンベールチーズの伸びを観察することでインスピレーションを得たものであることを知る人はほとんどいない。熱。実際、そのような平凡なビジョンを傑作に変えることができたのは、まさにスペインの巨匠の風変わりな頭脳であり、時間の経過を具体的な形で表現することを目的としており、時間の経過は測定可能ではあるものの、人間の知覚との関係で考えると依然として非常に変わりやすいものです。つまり、楽しいときは早くなり、苦しいときは遅くなる心の状態です。さらに、ダリによれば、記憶も同様の機能を示し、たとえ遠く離れていても興味のあるものは覚えやすいが、私たちにとって非常に些細な近くの瞬間は忘れてしまう可能性が高いという。一言で言えば、『記憶の持続』で描かれた時計は、まさに記憶だけでなく心の状態と制御不能に関連する一時的な状態を象徴するものとなるでしょう。最後に、まだ傑作の話題ですが、ダリの最も有名な作品の一つであるこの作品が、1931 年に画商ジュリアンレヴィによってニューヨークのギャラリーで展示された経緯を強調する価値があります。この事実は、一般の人々と批評家の間で追随されました。カタルーニャ語のマスターに興味があります。

パブロ・ピカソ、ゲルニカ、1937年。キャンバスに油彩、349.3×776.6 cm。マドリードの国立ソフィア王妃芸術センター美術館。

1. パブロ・ピカソ、ゲルニカ (1937)

演壇に上がった作品の場合でも、1920年代半ばのパブロのシュルレアリスムの観点へのアプローチの結果であるその様式的特徴に焦点を当てるために、私は絵画の最も単純で最も一般的な説明を避けたいと思っています。、当時は主に静物画、オブジェ、楽器を使ったインテリアの作成を通じて表現されていました。これらの伝統的なテーマこそが革新を生み出し、同時期にピカソは、後にキュビズムの「革命」を活気づけることになる、形態を崩す複数の方法や複数の視点からの構成の提示に気づくようになりました。」しかし、いずれにせよ、芸術を自己の外在化の手段と考えていたこの芸術家は、おそらく現代の憂慮すべき第一次世界大戦に関連した悲しい出来事に触発されて、閉所恐怖症の空間の構築を通じてこの比喩的な探求を表現しました。前述の親密な研究に加えて、この時代のスペインの巨匠の作品には、巨匠が引き受けた多くの波瀾万丈の関係の形をとることができるインスピレーションのミューズとして理解されていた女性像が常に存在していることも特徴でした。さらに、ゲルニカの制作に先立つ数年間、ピカソは女性の身体が伝える象徴性に焦点を当て、これまでの研究とともに、問題の傑作の制作に結実した研究でした。実際、ゲルニカはピカソの芸術的努力の集大成を表しており、ピカソを有名にしたすべての視覚的特徴が組み込まれているため、開発の先行する必要な段階をたとえ簡単にでも分析しなければ、作品をまったく理解することはできません。彼の視覚言語について。いずれにせよ、この絵は、戦争の恐怖を描くことによって、あらゆる形態の極悪非道な紛争に対する闘争の卓越したシンボルとなったという事実で最もよく知られていることが判明した。