パウル・クレー、アド・パルナッスム、1932年。キャンバスに油彩、100×128cm。ベルナ美術館。
抽象芸術の基本概念
読者に「いつ」と「どこで」を提供するために、前衛芸術運動である抽象主義は 20 世紀初頭にドイツで生まれ、互いに遠く離れた国内のさまざまな地域に広がりました。それはさまざまな視覚的および概念的なバリエーションをとりました。本質的に、抽象芸術とは、以前の芸術的伝統から解放された現実を探求する作品の創造を中心に展開するすべての芸術作品を指し、そこでは色と形が物語の新たな焦点となり、芸術家の感情、アイデア、経験を表現する準備ができています。 。抽象化には部分的と完全という 2 つの方法があることを指定することが重要です。最初のケースでは、識別可能な主題を依然として提示しているものの、単純化されたり、歪められたり、非現実的な方法で表現されたり、通常の文脈から削除されたりしている作品を指します。一方、完全な抽象化に関しては、実際の視覚的現実からインスピレーションを引き出すことを目的とした、文脈の表現を超えた創作物を指します。どちらの場合も、その目的は芸術の目的と意味に挑戦し、潜在的に芸術を周囲の世界との関係から解放し、芸術作品として理解できるものの境界を拡大することです。その結果、これは芸術を手作業で取り込み、よりオープンで実験的なモードへと導くために、より伝統的な美的基準に挑戦することになります。これらは、哲学的原則やイデオロギー、時には複雑すぎて捉えどころがなく、比喩的な主題に限定できないアイデアを表現したい場合に特に効果的です。鑑賞者もこの「ゲーム」に含まれており、彼らの役割は新たな重要性を帯びます。つまり、鑑賞者が独自の方法で、またアーティストの視点と比較して、見たものを解釈するという役割です。私たちが活動している歴史的および芸術的背景を簡単に明らかにしたので、トップ 10 から始めます。これらは、展示された絵画の日付の時系列順に並べられており、前述の物語の続きと考えることができます。問題の運動のさまざまな進化を紹介します。
Vasilij Vasil'evič Kandinskij、無題（最初の抽象水彩画）、1910 年。 49,6 x 64,8 cm。パリ、ジョルジュ・ポンピドゥー・セントロ。
トップ10
1.ワシリー・カンディンスキー、無題（最初の抽象水彩画）（1910年）
なぜカンディンスキーから始めるのでしょうか？私が『無題』をリストの第一位に置くことにしたのは、批評家がそれを抽象芸術の始まりと考えているからです。この水彩画では、ロシアの画家は目に見える世界への言及を一切排除し、音楽と絵画を融合させて、感情や気分を暗示するまったく新しいイメージを生み出しました。これは、慎重に選択された色、線、点、点によって実現され、非常に調和のとれた方法で構成されています。ブラック、ピカソ、あるいはモネの後期の睡蓮の作品に見られるように、カンディンスキー以前にはキュビスムや印象派が視覚的理解の限界を押し広げていたことは注目に値します。しかし、彼らの作品の中には現実の視覚世界への言及がまだ残っていたのに対し、カンディンスキーは『無題』において、具体的な現実への言及をすべて排除することを意図的に決定し、それ自体を表現することを意図した線、点、マークのみを描きました。水彩画は茶色、黄色、オレンジ色の斑点が大半を占め、いくつかは他の斑点よりも濃く、星座に似たクラスターを形成しています。これらの要素のリズムと、色の調和のとれた使用とマーク間の関係が、構図の感覚を与えます。
ジョアン・ミロ、狩人（カタルーニャの風景）、1923年7月～1924年冬。キャンバスに油彩、64.8 x 100.3 cm。ニューヨーク州モマ。 @ssteph888
2.ジョアン・ミロ『狩人』（カタルーニャの風景）（1923-24）
私のランキングの 2 位は、処刑の年代順に、ジョアン・ミロの『狩人』 (カタルーニャの風景) です。この作品は、前述の部分抽象芸術の概念を例示しています。私が自信を持ってこれを言えるのは、注意深く観察すると、この傑作には人間や動物の姿が描かれた独特の風景の描写が明らかになり、モントロイグ（カタルーニャ）にある家族の農場に住んでいた芸術家の生涯の特定の時期が暗示されているからです。なぜ視聴者をスペインのこの場所に連れて行くのでしょうか？この絵は確かに巨匠の故郷について語っているのかもしれない。カタルーニャのナショナリズムへの特定の傾向を強調することを目的としており、カタルーニャ国旗の存在とともに「サード」という言葉で明示的に表現されているこの地域の伝統的な踊りへの暗示に明らかである。スペインとフランスの国旗のように。そのような解釈はさておき、この作品について確かなことは、他の例と同様に、狩人の姿で描かれた芸術家自身を表現しているということです。私は、キャンバスの左側に位置し、殺されたばかりのウサギとまだ喫煙中のライフルを持っている、三角形の頭を持つ様式化された人物を参照しています。しかし、シュールレアリスムの傑作は、現実の新しい形や解釈を表現するのに役立つ潜在意識の使用である自動化の産物であるため、説明されているものはすべて夢のような領域内で解釈することもできます。
ピエト・モンドリアン、赤、黄、青の構成、1930年。キャンバスに油彩、45 cm × 45 cm。チューリッヒ美術館
3. ピエト・モンドリアン、赤、黄、青の構図（1930年）
ピエト モンドリアンと彼の有名な「赤、黄、青のコンポジション」の完全な抽象化に戻りましょう。この作品は戦間期、アーティストのキャリアのピーク時に作成されました。状況を考えると、彼はより穏やかで、新生物合成という目標を目指した芸術的研究に専念できると感じました。私は、神智学の研究にも影響を受け、次第に造形を放棄した画家によって感じられた精神的な浄化に対する特定の欲求を達成することを目的とした、形式的な単純化のプロセスについて言及しています。これは前述の作品で実現されており、交差して長方形と正方形のフィールドを作成する太い黒い線の存在によって特徴付けられ、その一部は赤、黄、青で着色されています。原色の選択は、形式的かつ色彩的なバランスを再現することを目的としており、普遍的な平衡に導かれたアーティストの精神的な探求を反映しています。この場合、構成上の幾何学的な中心が存在しない状態で均衡が見出され、傑作がペイントされたキャンバスを超えて広がる可能性があることを示唆しています。
パウル・クレー、アド・パルナッスム、1932年。キャンバスに油彩、100×128cm。ベルナ美術館。
4.パウル・クレー『アド・パルナッスム』（1932年）
私たちは、部分抽象化の別の例、すなわちクレーが 6 年前のイタリア滞在にインスピレーションを受けて制作したキャンバス上の傑作、「アド パルナッスム」に直面しています。その間、彼はラヴェンナのモザイクに衝撃を受け、それを新しい新分割主義の手法を使って再解釈しました。この技法は、独特の点描のブラシストロークを特徴としており、色が初期キリスト教芸術を彷彿とさせる独特の明るい光を発する濃密な有彩色のテクスチャーを作成します。カラーパレットに関しては、青緑と黄オレンジの色合いが優勢で、全体の構成にダイナミズムを与えています。均一な輝きは、空に高い太陽を伴うピラミッド型の丘のシルエットを形成する線の存在によって打ち破られます。最後に、私たちはこの説明を芸術家自身の啓発的な言葉で締めくくります。「たとえこの目に見える世界ではなくても、主題は世界でした。」このような言葉にもかかわらず、私たちが観察しているものは、私たちが知っている現実と完全に乖離しているわけではありません。代わりに、それは記憶と断片の形で思い出され、熟練したヴァイオリニストであるマスターがよく知っていた音楽のメロディーを明らかにする色の複雑な調和を通して伝えられます。
左：ベン・ニコルソンOM、1934年（レリーフ）、1934年。マホガニーに油彩、718 × 965 × 32 mm。テテ。 @ jay.parmar
5.ベン・ニコルソンOM、 1934年（レリーフ）、 1934年
ニコルソンの傑作を理解するには、ニコルソンが芸術に対する見方を発展させた歴史的背景を考慮する必要があります。戦間期の激動の時代、芸術家たちが人間性の失われた純粋さと純粋さを求めて抽象画に目を向けたとき、ニコルソンは空間を描くさまざまな方法を実験し始めました。彼は、レリーフ作品の制作を通じてこれらの目標を追求しました。そこでは、さまざまな深さの領域が空間を定義し、時には白またはグレーのみで、純粋な色合いで彩られました。この単色で多層の絵画の典型的な例は、ミロやカルダーと同様に、モンドリアンの影響からインスピレーションを得た傑作「1934 (relief)」です。この作品を作成するために、ニコルソンは木のパネルから円と四角形を彫り、紛争時の不在と重みのある存在のアイデアを暗示しました。幾何学的なフォルム、立体的なレイヤー、単色のパレットの使用はすべて、感情の除去に貢献しています。
右側: マーク・ロスコ、ホワイトセンター (ローズにイエロー、ピンク、ラベンダー)、1950 年。205.8 cm × 141 cm。カタール王室。
6.マーク・ロスコ、ホワイトセンター（ローズにイエロー、ピンク、ラベンダー）（1950年）
1950 年、ロスコはキャンバスを水平方向の色の帯に分割し始め、この年にホワイトセンター (ローズにイエロー、ピンク、ラベンダー) が作成されました。この傑作は、大きな色の帯が浮かんで、それらが配置されているカラーフィールドと融合しているように見える正面の構図を示しています。本質的に、ホワイトセンターはロスコの特徴的なマルチフォームスタイルの一部であり、補色の異なるブロックが大きなキャンバス上に重なり合います。色彩を加えて表現すると、作品は黄色の横長の長方形で始まり、黒の横縞、白の長方形の帯が続き、ラベンダー色の下半分で頂点に達します。作品全体の明るさは、薄い絵の具のベールを何度も重ねることで実現され、そこから上層の下絵が浮かび上がります。分析された内容は、確かにバリエーションはあるものの、この時期のアーティストの作品の多くに適用できる可能性があります。彼は、見る人を包み込むことを目的として、プロポーションと色の微妙な変化を追求し、複数の感情と雰囲気を示唆することに熱心でした。
ジャクソン・ポロック、コンバージェンス、1952年。キャンバスに油彩、237 cm × 390 cm。バッファロー AKG 美術館、バッファロー。 @ジャクソン・ポロック
7.ジャクソン・ポロック『コンバージェンス』(1952)
キャンバスは絡み合った痕跡で覆われており、支持体全体に黒い円形の線が均一に現れ、他の部分には赤、黄、青、白の痕跡が見えます。私が言及しているのは、7 番目の位置を占めている作品、Convergence です。この作品は、当初批評家によって印象に残らないと判断されましたが、後に非常に有名になりました。美術史家の当初の懐疑は、この作品が最初は白黒であったが、後に追加の色を追加した芸術家による再考を表しているという事実によるものと考えられます。コンバージェンスの救いは、後の再評価だけでなく、これを抽象表現主義とアクション・ペインティングの最高の例とみなした美術評論家のハロルド・ローゼンバーグの評価によってもたらされた。これらの用語は、単に画家によって開発された芸術的実践を意味します。そこでは、彼は作品の制作中に最も本能的なジェスチャーを自由に流れさせ、それらを紛れもないエネルギーでキャンバスに変換します。
ヘレン・フランケンターラー、山と海、1952年。キャンバスに油彩と木炭、220 cm × 297.8 cm。ナショナル ギャラリー オブ アート、ワシントン DC @ helenfrankenthalerfoundation
8.ヘレン・フランケンターラー『山と海』(1952)
テクニックについて話しましょう。「山と海」は、下塗りされていない生のキャンバスを床に置き、その上に油とテレビン油ベースの絵の具を注ぐことによって作成されました。私が言及しているのは、ステインとして知られるフランケンターラーの個人的な絵画実践であり、彼女がこの特定のケースで初めて使用したものです。その結果、浮いているように見える透明な色のフィールドが作成されますが、実際にはキャンバスのテクスチャによって固定されており、平坦性と安定性が得られます。この文脈において、色はランダムに配置されるのではなく、毎回ユニークで異なる自然環境を呼び起こすという目的を果たしています。フランケンターラーが専門的に展示した最初の作品である『収束、山と海』と同様、当初は批判されたが、後に理解され、ニューヨーク・タイムズ紙はこの繊細で祝賀的な説明を捧げた。丘、岩、水を透かして呼び起こします。」
ロバート・マザーウェル：スペイン共和国への挽歌第57番、1957年から1961年。木炭と油彩、キャンバス、213.36 cm × 277.18 cm。コレクション SFMOMA。
9.ロバート・マザーウェル: スペイン共和国への挽歌 No. 110 (1971)
問題の傑作は、そのタイトルによって部分的に暗示されているように、スペイン内戦がまだ 21 歳だった画家の心に刻み込まれた記憶から生まれています。この悲惨な出来事の影響は大きかったため、マザーウェルはスペイン共和国への挽歌第 110 番だけでなく、このテーマに捧げられた 200 枚を超える一連の絵画でもこの主題を再考しました。同様に、ピカソの有名な 1937 年のゲルニカを思い出すことができます。このゲルニカでは、スペイン内戦のエピソードが再び言及されています。しかし、『スペイン共和国への挽歌』第 110 号の著者の場合、問題の紛争はあらゆる形態の不正義をほのめかす手段となり、前述のシリーズを人類の苦しみの記念として構想するに至った。死と生を対比させる抽象的で詩的なシンボルの形で表現される感情。この抽象表現主義のアプローチは、フランス象徴主義の言語、特に出来事やアイデアそのものではなく、出来事やアイデアによって生み出される感情的な効果を表現することを主張した詩人、ステファン マラルメの言語からいくつかの要素を継承しています。最後に、前述の生と死の対立が、白と黒の並置、楕円と長方形のコントラストによってキャンバス上に具体的に表現されます。
ゲルハルト・リヒター、Abstraktes Bild、署名、1987 年付け、番号 636。 @theartbystander
10.ゲルハルト・リヒター、抽象絵画 (809-1) (1994)
リヒターの傑作は、彼のトップ 10 の絵画の中で最も高価な絵画の 1 つとして知られており、4 つの作品からなるシリーズの一部であり、複雑で反復的でおそらく退屈な創造的プロセスの結果であり、キャンバス自体がその証拠となっています。作業が一時的に中断された兆候が見られます。それにもかかわらず、完成すると、Abstraktes Bild は縞模様や絵の具の汚れの形をとり、スキージを使用してキャンバスの端に引きずり込まれ、同様の方法で適用された他の色を追加して豊かになりました。実際、絵の具を塗るプロセスは、素早く、ランダムで、繰り返し行われ、芸術家が絵が完成したと判断するまで、色の層が次々と続きます。このことは、さまざまなレイヤーの重ね合わせを通じて、実際にはその下のレベルに隠されているため、作品を作成する方法が表面的にしか認識できないことについての考察を促します。しかし、Abstraktes Bild は次のように説明できます。色彩豊かな垂直線と水平線の表面であり、見る人に静けさと調和を伝えることを作者が意図しています。
Olimpia Gaia Martinelli