エドワード・ホッパー、セカンド・ストーリー・サンライト。 1960年。ホイットニー美術館、ニューヨーク。
6つのポイントで学ぶアメリカ美術の歴史
アメリカ美術史の中で最も著名な画家 10 人を紹介する前に、彼らの人生と文体の特徴について簡単に垣間見て、彼らが属している背景、つまりアメリカとその芸術的伝統について知っていただきたいと思います。この広範かつ挑戦的なテーマに取り組むために、私は「ハサミとのり」を使用して、関連する資料をあちこちに切り貼りして、重要な瞬間だけを強調することにしました。この意図から、6 つのポイントにまとめられたトピックが生じますが、それでも留意する必要があります。
- 伝統: アメリカの芸術的伝統が実際に先住民文化によって実践されている芸術にどのように由来しているかを考えることが重要です。
- ヨーロッパ人: 今日私たちが知っている明らかに西洋の芸術が発展したのはヨーロッパ人の到着後になってからであり、最初は肖像画や風景のジャンルで形を整えました。
- 19 世紀: 19 世紀には、アメリカの総合的な芸術運動、つまりハドソン リバー派の出現が現れました。
- 20 世紀: 20 世紀、アメリカの創造性はヨーロッパを模倣するだけでなく、アメリカの都市中心部や地方を紹介することも目的としていました。
- 第二次世界大戦後: 戦後の抽象表現主義により、芸術はアメリカの文脈に直接スポットライトを当てました。この時点から、アメリカの芸術的影響は、特にミニマリズムとポップアートの世界的な成功を通じて、世界的に広がり続けました。
- 現在: 現代のグローバル化により、特定の文脈に限定的に結び付けられた芸術の傾向を理解することが難しくなり、ますます相互に関連し合う世界において、その作品が絵画の世界に真の影響を与えている世界中の個人を特定することが容易になっています。」
トップ10
「いよいよトップ10に入る準備が整ったので、早速いきましょう！
ギルバート・スチュアート、ジョージ・ワシントン、1796年。キャンバスに油彩、121.9×94 cm。ボストン美術館、ナショナル・ポートレート・ギャラリー。
1.ギルバート・スチュアート (1755-1828)
略歴: ギルバート・スチュアートはアメリカの画家で、最初の 5 人のアメリカ大統領や当時の他の多くの著名な人物の公式肖像画を描いたことで最もよく知られています。
スタイル: スチュアートはベンジャミン・ウェストに師事し、ロンドンで肖像画を専門とし、新古典主義の理想的なスタイルを発展させました。彼は、被写体の姿勢、服装、色、周囲の環境を注意深く観察することで、被写体の性格と地位を細心の注意を払って捉えました。
代表作: スチュアートの誰もが認める最高傑作は、間違いなく「ジョージ ワシントン (アテナエウムの肖像)」(1796 年) です。茶色の背景に政治家ワシントンを描いたこの作品は、画家が主題の妻である後援者に手放したくなかったため、意図的に未完成のまま残された。スチュアートは、描かれたモデルの名声を利用するためにコピーを作成したいと考えていました。しかし、この意図的な不完全さによって、この作品は有名になった。なぜなら、権力と権威をにじみ出させる道徳的モデルと見なされている大統領の顔を強調するように注意深くデザインされているように見えるからである。
メアリー・カサット、青い肘掛け椅子の少女、1878年。キャンバスに油彩、オルセー美術館。
2.メアリー・カサット (1844-1926)
略歴: メアリー・カサットはアメリカの画家で、ドガの下で学び、印象派とともに展示を行い、フランスで重要な期間を過ごしました。
スタイル: カサットのユニークなスタイルは、典型的な印象派の筆致と明るい色の使用を組み合わせたもので、多くの場合、伝統的な日本の芸術からの絶え間ない影響によって豊かになっています。この筆致で、彼女はしばしば家庭環境に「閉じ込められた」女性を描き、おそらく女性としての彼女がしばしば閉じ込められていた次元を暗示しています。
傑作: この芸術家の最も有名な作品の 1 つは間違いなく「青い肘掛け椅子の少女」 (1878 年) です。この作品は、おそらくヨークシャー テリアのような小さな犬だけを連れた少女が、室内に置かれた椅子でくつろいで彼女の真似をしている姿を描いています。おそらくリビングルームに似ています。このシーンは、まるで視聴者に失われた子供時代の記憶を呼び起こすことを意図しているかのように、若者の屈託のない性質とリラックスした雰囲気を捉えています。それにもかかわらず、絵の中の家具の目立つことは、主題が時々大人の世界に圧倒されていると感じていることを示唆しているかもしれません。」
ジョン・シンガー・サージェント、マダムXの肖像、1884年。キャンバスに油彩、2,35 mx 1,1 m。マンハッタンのメトロポリタン美術館。
3.ジョン・シンガー・サージェント（1856-1925）
略歴: ジョン・シンガー・サージェントは、アメリカ国外在住の芸術家で、19 世紀で最も重要な肖像画家の一人と考えられています。世界中を旅しながら、ヴェネツィアなどの象徴的な場所を捉えたドキュメンタリー風の絵画も制作しました。
スタイル: ジョン・シンガー・サージェントは、従来の構図の中で生き生きとした印象派の独特の筆運びで知られています。彼の作品は、肖像画の被写体の性格特性と屋外で描いた風景の両方を不滅のものにしました。これは、アンソニー・ヴァン・ダイクやディエゴ・ベラスケスなどの巨匠の教えを、印象派のニュアンスを加えて巧みに再解釈した結果です。
代表作：『マダムXの肖像』（1884年）を語らないわけにはいかない！おそらくこの巨匠の最も有名な作品であるこの作品は、自分自身が絵を依頼したわけではない上流社会の女性、ヴィルジニー・アメリー・アヴェーニョ・ゴートローを描いています。実際、アーティストはパリ社会で非常に話題になっている人物を捉えるモデルとして彼女を選びました。ゴシップは、対象の特定の身体的および性格的特徴によって生じましたが、その魅惑的な能力は、驚くべき魅力と組み合わされて、アラバスターの肌と大胆なデコルテを見せて、絵の中で美しく描かれていました。この作品は、被写体の実際の態度を効果的に伝えるため、これらのユニークな性質により、現代の肖像画のジャンルに分類されます。
エドワード・ホッパー、ナイトホークス、1942年。キャンバスに油彩、84 cm x 1,52 m。シカゴ美術館の学校。
4. エドワード・ホッパー (1882-1967)
略歴: ウィキペディアには、エドワード ホッパーは「アメリカで最も有名な芸術家の一人であり、芸術と大衆文化に多大な影響を与えた」と正しく述べられています。彼は、深い孤独感に満ちた現代アメリカ社会を本物に描写し、アメリカのリアリズムの人物として頭角を現しました。
スタイル: 「アメリカン リアリズム」という用語には、19 世紀半ばから 20 世紀初頭の間の現実の生活を忠実に垣間見ることができる、普通の人々の日常生活を描くことを好んだすべての芸術家が含まれます。しかし、ホッパーの偉大さはそれだけではありませんでした。彼は人間の経験の暗い側面を掘り下げて明らかにし、被写体の心理を明らかにしました。その結果、彼が描いた時代の倦怠感に悩まされている人々はしばしば孤立し、周囲から切り離されているように見え、それはしばしば明らかな光の存在によって特徴づけられました。
傑作: 上記の説明は、巨匠の最も有名な作品の 1 つである「ナイトホークス」(1942 年) の解釈として機能します。舞台は深夜のニューヨーク市のダイナーで、通りには人影がなく、少数の人物が集まっています。疲れ果ててほとんど口がきけなくなり、自分たちの永遠の孤独を悟り、思考に没頭する。
ジョージア・オキーフ、レッド・カンナ、1924年。油彩、73.7 cm × 45.7 cm。
5. ジョージア・オキーフ (1887–1986)
略歴: ジョージア トット・オキーフはアメリカの画家で、その作品は芸術運動とはほとんど関係なく、自然の形態を表現することに特に注意を払いました。彼女は花や風景をよく描き、そのうちのいくつかは彼女が個人的に訪れたことがありました。
スタイル: 「アメリカ モダニズムの母」と呼ばれるオキーフは、主にさまざまな花種の非常に詳細なクローズアップの形で、自然界の抽象化の中で現実化する感情を伝えることに芸術的探求を向けました。
傑作: アーティストの最も象徴的な作品の 1 つは、「赤いカンナ」(1924 年) です。この絵は、彼女の文体の独自性を明確に示していますが、この場合、彼女の作品に頻繁に登場する花であるカンナ ユリに向けられています。オキーフはこれらの植物を自分がどのように見ていたかを示したかったと言って彼女の興味を正当化したが、多くの批評家はそれらを女性の姿の親密な描写への明らかなほのめかしとして解釈し、後に芸術家自身がその視点を共有していないと宣言した。
グラント・ウッド、アメリカン・ゴシック、1930年。ビーバーボードに油彩、78 cm × 65.3 cm。シカゴ美術館、シカゴ。
6. グラント・ウッド (1891–1942)
伝記: グラント・デヴォルソン・ウッドは、地域主義との関連で知られるアメリカの画家で、主にアメリカ中西部の田園地帯を描いた絵画で知られています。特に『アメリカン・ゴシック』（1930年）という作品の創作で有名である。
スタイル: 地域主義運動に従って、ウッドはその芸術的キャリアを前述の農村の主題の現実的な表現に捧げ、彼らを畑での重労働の証人として描きました。これは、北方ルネッサンス芸術の明快さとアールデコデザインの有機的な曲線という 2 つの異なるスタイルを「引用」することによって実現されました。ウッドの作品の他の特徴には、複雑な形式的な構成や、見る人を魅了するように設計された独特の視点の使用が含まれます。しかし、これらすべての背後には、大恐慌時代の病状を暴露しようとする特定の批判的意図が存在していました。
傑作: 20 世紀アメリカ絵画の典型的なシンボルの 1 つとして認識されている前述の「アメリカン ゴシック」に戻りましょう。これはジャンルシーンのジャンルに属し、この場合はヤン・ファン・エイクによるフランドル・ルネサンスの例を思い出させます。しかし、ウッドは後者から借用して、おそらく皮肉なことに、より人気があり輸出された「アメリカン・ドリーム」のイメージからは程遠い、田舎で無名で孤立した後進的なアメリカを象徴する一組のピューリタンを描いている。
ジャクソン・ポロック、秋のリズム: 30 番、1950 年。エナメル、キャンバス、266.7 × 525.8 cm。 MET、ニューヨーク。
7. ジャクソン・ポロック (1912–1956)
略歴: アメリカの画家、ポール・ジャクソン・ポロックは、抽象表現主義運動の基本的な人物であり、ドリッピング・ペインティング技法の独特な使用法で消えることのない足跡を残しました。
スタイル: ポロックの作品を有名にしたのは、まさにアーティストが 1940 年代後半に使い始めた前述のドリッピング技法です。この技術により、ポロックは地面に置かれたキャンバスにチューブまたは絵の具の缶から直接絵の具を滴らせることができました。この方法に続いて、美術史上最も急進的な抽象スタイルの 1 つが出現し、線と色を革命的に分離して描画、絵画、絵画空間を再定義しました。テクニックと本能の関係を明らかにするために、ポロックの滴りは絵画という物理的な行為の自然な衝動から生じており、完成したアートワークがそのジェスチャーの感情的な力を伝えることを可能にしていることは注目に値します。
代表作は『オータム・リズム：ナンバー30』（1950年）！この作品は、黒い絵の具の線状構造の存在によって作成され、その上にさまざまな色の絵の具を塗り重ね、太い線、細い線、明るい線、暗い線、直線、曲線などを形成します。タイトルが示すように、特にアーシーな色調を通じて秋の雰囲気を呼び起こします。
ロイ・リキテンスタイン、ワーム!、1963年。アクリル、油彩、マグナ、1,7 mx 4 m。テートモダン。
8.ロイ・リキテンスタイン (1923 – 1997)
略歴: ロイ・フォックス・リキテンスタインはアメリカのアーティストであり、アンディ・ウォーホル、ジャスパー・ジョーンズ、ジェームズ・ローゼンクイストなどのアーティストと並び、ポップアート運動のスタイルや主題に多大な影響を与えた著名な人物でした。
スタイル: ロイ リキテンスタインは主に成熟したスタイルで知られています。このスタイルは 1960 年代から開発され、コミックの世界に多大な影響を受け、機械的な再現と手描きの要素の融合によって実現されました。この文脈では、彼の最も特徴的な文体の特徴が光ります。それは象徴的なベンデイ ドットの使用であり、ポップ アートが広告から映画、特にコミックに至るまで、時代のあらゆる側面をフィルターする準備ができていたことを明らかにしています。
代表作：「ワーム！」 （1963年）、アメリカの戦闘機がミサイルで敵機を撃墜する漫画のコマを再現した絵。独特のコミック言語に合わせて、勝利したパイロットの言葉を明確に紹介するパネルでアートワークが充実しており、爆発音は「WHAAM!」という擬音で伝えられています。しかし、ここで説明されているものは単にリキテンスタインの想像力の産物ではありません。1963 年の傑作は、漫画家アーヴ・ノヴィックによって描かれた 1962 年のパネルを芸術的に翻案したものであり、『オール・アメリカン・メン・オブ・ウォー』第 89 号に掲載されました。 」
アンディ・ウォーホル、キャンベルのスープ缶、1962年。ポリメロ・シンテティコス・テラ、51×41cm。ニューヨーク近代美術館。
9.アンディ・ウォーホル (1928–1987)
略歴: アンディ ウォーホルは、絵画やシルクスクリーンだけでなく、写真、彫刻、映画、音楽 (象徴的なレコード ジャケットを作成した) を通じて、ムーブメントのスタイルと理想を表現した究極のポップマスターです。
スタイル: ウォーホルの作品は、主に芸術表現、広告、セレブ文化の間の関係を探求しており、鮮やかな色彩と強制的に繰り返される主題を通じてこれらのテーマに取り組んでいます。彼は、時代の象徴を、消費社会によって選ばれた永遠の神に似た、時代を超越したアイコンに変えることを目指しました。
代表作：「キャンベルスープ缶」（1962年）、同名のキャンベルスープ缶を描いた32枚の絵画からなるインスタレーション。アーティストは、スーパーマーケットの商品の産業上の連続性を記録するためにこの作品を考案し、これらの主題の配置は、棚上の陳列を再現するために特別に設計されました。前述の連続性は、傑作の主題だけでなく、その制作にも存在しており、「キャンベルのスープ缶」は半機械化されたシルクスクリーン印刷技術を使用して作成されており、アートワークの再現性の概念を強調しています。
バスキア、無題、1982年。キャンバスにアクリル、スプレーペイント、オイルスティック、183.2 cm × 173 cm。
10.ジャン＝ミシェル・バスキア（1960-88）
略歴: ジャン=ミシェル・バスキアはアメリカのアーティストで、グラフィティアーティストとして活動を始め、後に新表現主義の著名な人物の一人となりました。新表現主義とは、グラフィティの言語を地下鉄からアートギャラリーにもたらした運動です。バスキアがアンディ・ウォーホルとよく関連付けられるのはなぜですか?後者との出会いが、若い芸術家にニューヨークの有名なギャラリーへの扉を開いたということを強調することが重要です。
スタイル: バスキアのアートは、2 つの異なる世界の出会いを表しています。つまり、より伝統的な意味での絵筆の世界と、主に定型化された図面や文章で表現されるグラフィティの独特の言語の代弁者であるスプレー缶の世界です。この組み合わせにより、アーティストの時代の文化への言及が豊富で、人種差別や社会的不平等に対する明確な非難が含まれる、時には部分的に抽象的な表現スタイルが生み出されます。金持ちと貧乏人、黒人と白人だけでなく、芸術家を自分の内面の世界と外面の世界を並置させる継続的な探求が、表現主義との親和性をもたらし、人間の姿とその存在の病理に非常に興味を持ちました。
傑作: 前述の側面は、頭蓋骨を描いた絵画「無題 (バスキアの頭蓋骨の絵)」(1982 年) に見られます。ちょうど 1 年前にバスキアが作成した作品と主題が似ています。私は「無題 (頭蓋骨の絵)」を参照しています。 ）」（1981年）。どちらも私たちの皮膚の下に何があるのかを教えてくれて、人生の内面と外面を伝えることができ、キャンバス上でそれらを共存させることができるようです。
Olimpia Gaia Martinelli