Victor Vasarely, né Győző Vásárhelyi le 9 avril 1906, est un artiste franco-hongrois connu pour ses contributions importantes au mouvement Op art. Il est célèbre pour son utilisation pionnière des illusions d'optique dans l'art. Souvent salué comme le « grand-père » et le leader de l'Op art, l'approche innovante de Vasarely en matière de perception visuelle et d'abstraction géométrique a jeté les bases de ce style artistique unique. L'une de ses œuvres les plus remarquables, Zebra , créée en 1937, est considérée comme l'un des premiers exemples d'Op art, mettant en valeur sa maîtrise de la création de compositions visuellement dynamiques et attrayantes. L'héritage de Vasarely continue d'influencer et d'inspirer le monde de l'art contemporain, faisant de lui une figure centrale de l'histoire de l'art moderne.
Biographie de l'artiste : Victor Vasarely
Victor Vasarely, de son vrai nom Győző Vásárhelyi, est né le 9 avril 1906 à Pécs, en Hongrie. Il est considéré comme une figure majeure de l'art moderne et comme le père du mouvement Op Art. Le parcours de Vasarely dans le monde de l'art a commencé par un chemin peu conventionnel : il a d'abord poursuivi des études de médecine à l'université de Budapest en 1925. Cependant, sa passion pour l'art a rapidement pris le pas sur ses ambitions médicales, ce qui l'a conduit à abandonner ses études et à s'inscrire au Műhely, une importante école d'art de Budapest. Le Műhely, qui fonctionnait sous l'influence des principes du Bauhaus, était un centre dynamique pour l'art et le design d'avant-garde. Vasarely y a étudié sous la tutelle de Sándor Bortnyik, une personnalité influente qui a joué un rôle crucial dans la formation de sa première vision artistique. Pendant son séjour au Műhely, Vasarely a été exposé aux concepts d'abstraction géométrique et au potentiel des illusions d'optique dans l'art. Cette période de formation a posé les bases de ses futures explorations dans le domaine de la perception visuelle. En 1930, Vasarely s'est installé à Paris, une ville qui était alors l'épicentre du monde de l'art. À Paris, il a continué à peaufiner son style artistique, adoptant le nom de « Vasarely », une adaptation phonétique de son nom de famille hongrois, Vásárhelyi. La scène artistique parisienne a fourni à Vasarely de nombreuses occasions d'expérimenter des formes géométriques abstraites et de développer son langage visuel unique. Les années 1950 ont marqué une époque charnière dans la carrière de Vasarely, car il a commencé à produire les œuvres qui définiraient son héritage. Il a développé un style distinctif caractérisé par des arrangements méticuleux de formes géométriques et l'utilisation de couleurs contrastées pour créer des effets optiques. Ses œuvres de cette période, telles que « Zebra » et « Vega-Nor », sont considérées comme des chefs-d'œuvre du genre Op Art. Le terme « Op Art », abréviation de Optical Art, fait référence à un style qui utilise des illusions d'optique pour engager et défier la perception du spectateur. Les contributions de Vasarely à ce mouvement furent révolutionnaires et il acquit rapidement une reconnaissance internationale pour son approche innovante.
Au-delà de ses contributions aux beaux-arts, Vasarely était profondément attaché à l'idée d'un « art démocratique ». Il croyait que l'art devait être accessible à tous, pas seulement à l'élite. À cette fin, il produisit de multiples exemplaires de ses œuvres, notamment des sérigraphies et des lithographies, rendant son art plus abordable et plus largement disponible. Cette approche a non seulement élargi son public, mais a également eu un impact significatif sur la commercialisation de l'art. Les conceptions géométriques et optiques de Vasarely ont trouvé des applications dans divers contextes commerciaux et industriels, de la conception graphique et de l'emballage de produits aux projets architecturaux. L'œuvre de Vasarely a été célébrée dans de nombreuses expositions à travers le monde et il a reçu de nombreuses distinctions tout au long de sa carrière. L'un de ses projets importants a été la création de la Fondation Vasarely à Aix-en-Provence, inaugurée en 1976, qui visait à préserver son héritage et à promouvoir l'étude de l'art cinétique et optique. En outre, l'influence de Vasarely s'est étendue à l'éducation et à l'art public, comme en témoignent ses installations à grande échelle et ses collaborations avec des architectes. L'héritage de Victor Vasarely est profond, influençant non seulement le domaine de l'Op Art, mais inspirant également les futures générations d'artistes intéressés par l'exploration des limites de la perception visuelle et de l'abstraction. Il est décédé le 15 mars 1997 à Paris, laissant derrière lui une œuvre riche qui continue de captiver et d'inspirer. Son utilisation innovante des formes géométriques et des illusions d'optique reste un chapitre important de l'histoire de l'art moderne, consolidant son statut de figure pionnière dont l'œuvre transcende le temps et continue de résonner dans le paysage artistique contemporain.
Bref historique de l'art OP
L'Op Art, ou « art optique », est un style artistique visuel unique qui utilise des illusions d'optique pour créer des expériences dynamiques et interactives. Caractérisé par des motifs abstraits, souvent en noir et blanc, l'Op Art donne au spectateur des impressions de mouvement, d'images cachées et de vibrations visuelles. Le mouvement puise ses racines dans diverses formes d'art, notamment le néo-impressionnisme, le cubisme, le futurisme, le constructivisme et le dadaïsme, avec des influences précoces des divisionnistes, qui ont exploré les illusions d'optique et les effets de la lumière. Le terme « Op Art » a gagné en popularité après que le magazine Time a mis en avant les Optical Paintings de Julian Stanczak en 1964, mais des œuvres comme Zebras (1938) de Victor Vasarely présentaient déjà les caractéristiques déterminantes du mouvement. Vasarely, souvent appelé le « grand-père » de l'Op Art, a joué un rôle crucial dans son développement, en utilisant des formes géométriques et des couleurs contrastées pour manipuler la perception visuelle. Ses œuvres, comme Vega-Nor et Tlinko , illustrent l'exploration de la profondeur et du mouvement par le mouvement, tandis que sa série d'alphabets en plastique est devenue une marque de fabrique de l'Op Art. L'exposition « Mouvements » de 1955 à Paris, présentant l'œuvre de Vasarely et le « Manifeste jaune », a introduit les concepts d'art cinétique et optique à un public plus large. L'exposition « The Responsive Eye » de 1965 au Museum of Modern Art de New York a propulsé l'Op Art sur le devant de la scène, mettant en vedette des artistes comme Vasarely, Bridget Riley et Richard Anuszkiewicz. L'exposition a été un succès public, malgré un accueil critique mitigé, et a contribué à consolider la place de l'Op Art dans la culture visuelle. L'influence de l'Op Art s'est étendue au graphisme, à la mode et à la publicité, reflétant la fascination de l'époque pour les nouvelles technologies. Le plaidoyer de Vasarely en faveur de la démocratisation de l'art, en promouvant l'utilisation des multiples et des techniques industrielles, a culminé avec la création de la Fondation Vasarely à Aix-en-Provence, dédiée à la préservation et à la promotion de son œuvre et du mouvement Op Art.
Kallion (1989) de Victor Vasarely
Victor Vasarely, Kallion , 1989. Gravure, sérigraphie sur papier, 264,2 cm x 185,4 cm.
Kallion (1989) est une œuvre d'art en édition limitée de Victor Vasarely. Cette œuvre, numérotée 89 sur 250, met en valeur la maîtrise de Vasarely dans l'utilisation de formes géométriques et de couleurs vives. L'œuvre présente une interaction complexe de lignes droites, de courbes et de motifs répétitifs qui se chevauchent, créant une composition dynamique et visuellement captivante. Dominé par des bruns et des oranges chauds, Kallion captive le spectateur avec sa riche palette de couleurs et son design complexe. Vasarely a utilisé la technique de la sérigraphie pour cette œuvre, un processus qui consiste à transférer de l'encre à travers un écran à mailles fines pour imprimer des motifs sur du papier. Cette méthode a permis à Vasarely de reproduire méticuleusement ses motifs et d'explorer l'interaction des couleurs et des textures. Kallion est un exemple frappant du style caractéristique de Vasarely, où il manipule habilement les effets pour évoquer des illusions de mouvement et de profondeur. Les arrangements vibrants de l'œuvre illustrent la capacité de l'artiste à transformer des images statiques en expériences apparemment cinétiques, défiant la perception du spectateur. Kallion reflète non seulement les prouesses artistiques de Vasarely, mais aussi son influence significative sur les mouvements d'Op Art et d'art cinétique.
Mexico de Victor Vasarely
Victor Vasarely , Mexico. Gravure, 66 cm x 66 cm.
Mexico City est une sérigraphie originale en édition limitée de Victor Vasarely. Cette gravure, signée au crayon par l'artiste, mesure 26"x26" sans cadre. L'œuvre d'art présente une palette de couleurs jaunes vibrantes, avec des lignes noires ajoutant de manière complexe profondeur et dimension à la composition. Les tons jaunes créent un effet de dégradé, s'estompant vers les bords de la toile et convergeant vers un point focal central, qui apparaît comme une forme sphérique. L'œuvre d'art est caractérisée par un motif de grille, caractéristique du style de Vasarely, qui ajoute un élément structuré mais dynamique à l'œuvre. Mexico City présente des influences de divers mouvements artistiques, notamment l'impressionnisme, le cubisme, le futurisme et le dadaïsme, mélangeant ces styles dans une composition qui confine à l'abstrait. L'interaction des formes géométriques et des dégradés de couleurs dans cette sérigraphie démontre non seulement la maîtrise des illusions d'optique de Vasarely, mais aussi son exploration des limites de la perception visuelle.
Œuvres d'art emblématiques
Sophia (1954) illustre la transition de Vasarely de la figuration à l'abstraction géométrique, avec une grille de lignes noires sur fond blanc créant des illusions de mouvement et de tridimensionnalité. Cette œuvre reflète l'exploration de l'abstraction par Vasarely influencée par le constructivisme et sa fascination pour la perception visuelle. Vega III (1957-59) est une pièce clé mettant en valeur le motif en damier distinctif déformé pour produire des illusions concaves et convexes, marquant une évolution significative de son style et un moment critique dans l'histoire de l'Op Art. Alphabet VR (1960) représente l'"Alphabet Plastique" révolutionnaire de Vasarely, un système de formes conçu pour des possibilités de composition infinies, reflétant son désir d'un langage visuel universellement accessible. Vega-Nor (1969) présente une forme sphérique composée de carrés déformés, démontrant l'utilisation par Vasarely de couleurs vives et sa quête permanente de représenter la profondeur et le mouvement. L'œuvre Ambigu-B (1970), issue de la série « Hommage à l'Hexagone », combine des variations de couleurs et de formes pour créer des illusions d'optique dynamiques, comblant ainsi le fossé entre le macrocosme et le microcosme. Enfin, Kettes (1984), une pièce sculpturale ornée de motifs hexagonaux, illustre l'application par Vasarely de la théorie des couleurs aux formes tridimensionnelles, reflétant son intérêt pour les dimensions à la fois spirituelles et scientifiques.
Victor Vasarely a reçu plusieurs prix prestigieux, dont le prix Guggenheim en 1964, le titre de Chevalier de l'Ordre de la Légion d'honneur en 1970, le prix de la critique d'art à Bruxelles et une médaille d'or à la Triennale de Milan. Son héritage est célébré dans divers musées consacrés à son œuvre, notamment la Fondation Vasarely à Aix-en-Provence, en France, créée en 1976, et les musées Vasarely de Pécs, en Hongrie (1976), et du palais Zichy, à Óbuda, à Budapest, en Hongrie (1987). Le musée Vasarely du palais Saint-Firmin à Gordes, en France, a fonctionné de 1970 jusqu'à sa fermeture en 1996. Son héritage continue de résonner dans le monde de l'art, son influence s'étendant à travers plusieurs générations et différents médiums. En 2012, le Musée en Herbe à Paris a présenté une nouvelle exposition Vasarely, soulignant son impact durable sur l'art contemporain. Son travail a même fait son chemin dans la culture populaire, ornant la pochette originale britannique de l'album de David Bowie de 1969, « David Bowie ». Le Centre Georges Pompidou a rendu hommage à Vasarely en 2019 avec l'exposition « Le Partage des Formes », consolidant encore davantage son rôle de figure centrale du mouvement Op Art. Plus récemment, en juillet 2024, une exposition permanente de ses œuvres de la collection Arkas a été inaugurée au Arkas Art Center d'Alaçatı, avec la participation de son fils, Jean-Pierre Yvaral. Cette présence durable dans les grandes expositions et collections souligne l'influence profonde et continue de Vasarely sur la communauté artistique et le paysage culturel au sens large.
Selena Mattei
