Qu’est-ce qui vous a inspiré à créer de l’art et à devenir artiste ? (événements, sentiments, expériences…)
J'ai toujours aimé dessiner et peindre depuis que je suis enfant et j'ai continué à le faire comme passe-temps jusqu'à il y a 6 ou 7 ans. Ensuite, j’ai eu un problème de santé qui m’a bloqué à la maison pendant des semaines. Ma seule façon de me sentir à la fois « synchronisée » avec mes émotions et soulagée était de peindre. A partir de ce moment, peindre est devenu un besoin quotidien, une partie intégrante de ma vie, ce n'est plus un passe-temps. Cela a toujours été un moyen de m’exprimer librement, sans aucune inquiétude ni inquiétude. Quand je peins, je suis juste moi et je me sens bien dans ma peau.
Quel est votre parcours artistique, les techniques et les sujets que vous avez expérimentés jusqu’à présent ?
Je suis un artiste autodidacte et je dessine depuis de nombreuses années. Depuis que j'ai commencé à travailler professionnellement, j'ai principalement utilisé des couleurs acryliques et du sable pour créer des paysages de rêve, des paysages de nuages et des « paysages de vagues »… Ils me permettent de m'imaginer sous de nombreuses formes différentes.
Ce n'est que très récemment que j'ai recommencé à dessiner au fusain. Cela a été déclenché par ma peur de lancer une foire d'art à New York sans aucune de mes peintures sur toile - à cause de problèmes de transport international. Je ne voulais pas commencer la foire avec un stand vide, alors je suis allé dans un magasin d'art et j'ai acheté des fusains et du papier. J'ai dessiné pendant deux jours presque non-stop - j'ai beaucoup aimé et j'en ai aussi vendu beaucoup pendant la foire ! D'ailleurs, mes peintures sur toile sont finalement arrivées et, grâce à l'aide et à la générosité de nombreux artistes et habitants de New York, j'ai pu les montrer dès le deuxième jour (avec depuis lors des dessins au fusain).
Quels sont les 3 aspects qui vous différencient des autres artistes et rendent votre travail unique ?
J'essaie d'être aussi authentique et original que possible, en essayant de représenter le sentiment de calme apaisant que je trouve lorsque je suis entouré de vents, d'herbes, d'eau, de rochers… Je trouve cette façon de représenter la nature assez innovante.
J'aime utiliser des couleurs sable et acryliques pour obtenir des effets 3D/profondeur qui permettent à la peinture de changer au cours de la journée, en fonction de la lumière de la pièce. C'est aussi une façon d'amener physiquement de la terre sur la toile (ce n'est pas si original, j'en suis conscient :).
Je crois que mon art a évolué lentement au fil du temps et j'aime me sentir libre de continuer à m'exprimer sans crainte du changement - malgré la ligne de continuité que je pense pouvoir retrouver depuis les premières peintures jusqu'aux plus récentes.
D'où vient votre inspiration?
La nature est ma principale source d'inspiration : tout ce qui a un rythme et un mouvement doux me donne une sorte d'énergie calme - c'est ce que j'essaie de capturer dans mes œuvres. Cela peut être n'importe quoi, même des choses très petites et courantes comme les feuilles qui tremblent légèrement sur une branche d'arbre, les mouvements ondulants de l'herbe sous-marine dans une rivière, les oiseaux qui volent dans le ciel… Pour moi, ces rythmes sont très apaisants mais aussi très puissants.
Quelle est votre démarche artistique ? Quelles visions, sensations ou sentiments souhaitez-vous évoquer chez le spectateur ?
J'essaie d'intéresser le spectateur par des murmures et de la grâce, avec l'idée d'être à l'aise devant le tableau. Cela réveille souvent de vieux souvenirs, des sourires, le sentiment que nous pouvons tous apporter ce calme dans notre propre vie. Les peintures peuvent être des rappels silencieux de ce sentiment, malgré les subtilités de notre vie quotidienne.
Quel est le processus de création de vos œuvres ? Spontané ou avec un long processus préparatoire (technique, inspiration des classiques de l'art ou autre) ?
Je commence par une approche assez intuitive de la toile, avec beaucoup d'action. Ensuite, je renonce complètement à tout contrôle, laissant l’eau, la couleur et le sable interagir. Ensuite, le processus devient progressivement plus contrôlé et très lent (pas amusant à regarder - je crois - car rien ne semble se passer depuis longtemps :).
Utilisez-vous une technique de travail particulière ? si oui, pouvez-vous l'expliquer ?
Je commence par beaucoup d'action vigoureuse lorsque je crée la surface texturée « sableuse » sur la toile. Ensuite, la configuration principale résulte de l’interaction du sable et de la couleur acrylique très diluée. Ensuite je façonne les vagues et les transitions chromatiques à l'aide de couleur diluée, puis de couches plus épaisses, de voilages et de lavis, tandis que seules les touches finales sont faites de couleur très épaisse jusqu'au pinceau sec.
Y a-t-il des aspects innovants dans votre travail ? Pouvez-vous nous dire lesquels ?
Des « vagues » plus définies et explicites sont typiques de mes œuvres les plus récentes qui, selon moi, donnent davantage l'idée de mouvements lents. Avant, je créais des atmosphères plus « floues et indéfinies ».
Avez-vous un format ou un support avec lequel vous êtes le plus à l'aise ? si oui, pourquoi ?
J'aime mélanger l'acrylique et le sable car cela me donne la possibilité de travailler sur une surface inégale et très tactile, sans être trop fort et percutant. Même si cela me complique aussi la vie car façonner des vagues sur le sable est très délicat :)
Où produisez-vous vos œuvres ? À la maison, en atelier partagé ou dans votre propre atelier ? Et dans cet espace, comment organisez-vous votre travail créatif ?
J'ai le studio chez moi, dans une pièce dédiée (très en désordre). Je travaille généralement sur plus d'une peinture à la fois car cela m'empêche de devenir « automatisé ».
Votre travail vous amène-t-il à voyager, à rencontrer de nouveaux collectionneurs, à l'occasion de foires ou d'expositions ? Si oui, qu'est-ce que cela vous apporte ?
Depuis 2019 j'ai eu la chance de rencontrer de nombreux collectionneurs lors de foires d'art directes (où l'artiste monte et s'occupe de son propre stand) : je suis allée plusieurs fois à Londres (Royaume-Uni) et récemment à New York (USA ). La prochaine étape sera Lost Angeles en septembre.
Je l'aime parce que j'ai la possibilité de discuter avec des amateurs d'art, de voir ce qu'ils aiment, ce qu'ils n'aiment pas, comment la peinture leur procure certaines émotions.
Peindre peut être très solitaire, car je reste des heures et des heures seul dans l'atelier (avec de la musique toujours allumée). Mais je crois que créer un tableau est comme un étrange dialogue où j'entame une conversation qui se termine uniquement par de nouveaux yeux regardant le tableau, en tirant leurs propres émotions et pensées. C'est comme faire partie d'une communication qui a des conséquences invisibles et souvent inattendues qui se transforment parfois en amitiés.
Et quand je prends une photo et que je vois où le tableau a été accroché, qu'il est aimé… c'est un merveilleux sentiment d'accomplissement.
Comment imaginez-vous l’évolution de votre travail et de votre carrière d’artiste dans le futur ?
J'ai plusieurs idées sur de nouveaux développements esthétiques.
Je prévois également de consolider ma présence aux États-Unis avec de nouvelles foires d'art en 2024.
Sur un autre terrain, j'aimerais explorer des collaborations avec des groupes actifs sur des thématiques environnementales.
Quel est le thème, le style ou la technique de votre dernière production artistique ?
Le thème principal est de créer des lieux imaginaires qui peuvent être à la fois des montagnes et des vagues, de l’eau et des oiseaux, de l’herbe et du vent. Je crois que ce seraient des endroits dans lesquels nous pourrions nous sentir absorbés, faire partie de la nature et, espérons-le, en paix.
Pouvez-vous nous parler de votre expérience d’exposition la plus importante ?
L'année dernière, une de mes peintures (Breathe me) a été sélectionnée par la Royal Academy of Arts de Londres, au Royaume-Uni, pour l'exposition d'été 2022. Elle a été exposée pendant deux mois dans un musée - où Turner (l'un de mes artistes préférés) a eu son « débat » avec Constable. C'est incroyable de voir le tableau exposé avec tant d'autres artistes émergents et confirmés dans une salle dédiée aux thèmes environnementaux et accrochée à un mur littéralement rempli de nuages.
Si vous aviez pu créer une œuvre célèbre dans l’histoire de l’art, laquelle choisiriez-vous ? Et pourquoi ?
Il y a un tableau de Turner (Sunrise, Norham Castle, exposé à la Tate Britain) dans lequel il a étendu sa technique à un degré incroyable. Mais plus que cela, il a une lumière, une beauté et une intensité tellement fascinantes. Cela m’amène à un endroit d’esprit étrange qui ne peut être oublié.
Si vous pouviez inviter un artiste célèbre (mort ou vivant) à dîner, qui serait-ce ? Comment lui suggéreriez-vous de passer la soirée ?
J'adorerais inviter Rothko et lui demander comment il a imaginé pour la première fois ses peintures abstraites les plus représentatives, leur sentiment d'indétermination et d'extension dans le temps. J'aimerais aussi lui poser des questions sur la peur et le courage, quels étaient ses poètes préférés, comment il mélangeait ses couleurs…
Olimpia Gaia Martinelli
