David Hockney : un pionnier de l'art contemporain

David Hockney

David Hockney, né le 9 juillet 1937 à Bradford, en Angleterre, est l'un des artistes les plus influents et les plus innovants des XXe et XXIe siècles. Il s'est imposé comme une figure clé du mouvement Pop Art dans les années 1960, acquérant une reconnaissance internationale pour ses œuvres vibrantes et audacieuses qui explorent souvent les thèmes de l'identité personnelle, de la sexualité et de l'expérience humaine.

Hockney a étudié au Bradford College of Art, puis au Royal College of Art de Londres, où son talent s'est rapidement révélé. Ses premières œuvres, telles que « A Bigger Splash » et « Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) », mettent en valeur son utilisation distinctive de la couleur et de la perspective, consolidant sa place d'artiste contemporain de premier plan.

Au Royal College of Art, Hockney, aux côtés de Peter Blake, a participé à l'exposition New Contemporaries, marquant l'émergence du Pop art britannique. Bien que liés à ce mouvement, ses premières œuvres présentent des qualités expressionnistes rappelant le style de Francis Bacon. En 1964, Hockney s'est installé à Los Angeles, où il a été inspiré pour créer une série de peintures de piscines en utilisant des couleurs vives dans le nouveau médium acrylique de l'époque. Tout au long de la fin des années 1960 et des années 1970, il a alterné entre Los Angeles, Londres et Paris. Hockney a exploré diverses formes d'art, notamment la peinture, le dessin, la gravure, l'aquarelle et la photographie, ainsi que des médias non conventionnels comme les télécopieurs, la pâte à papier, les applications informatiques et les programmes de dessin pour iPad. Son travail couvre un large éventail de sujets, des natures mortes et des paysages aux portraits d'amis, de ses chiens et des scénographies pour des lieux prestigieux comme le Royal Court Theatre, Glyndebourne et le Metropolitan Opera de New York.

David Hockney - Lithographie de l'exposition Pool and Steps (2021)

Tout au long de sa carrière, Hockney a été connu pour sa volonté d'expérimenter avec différents médias, notamment la peinture, la gravure, la photographie et l'art numérique. Dans les années 1980, il a acquis une renommée supplémentaire avec ses collages photo innovants, connus sous le nom de « joiners », qui consistaient à assembler plusieurs photographies pour créer une image unique et cohérente. Au XXIe siècle, il a adopté la technologie numérique, créant des œuvres d'art à l'aide d'iPads et d'iPhones, et continuant à repousser les limites des formes d'art traditionnelles.

L'œuvre de David Hockney a été exposée dans les plus grands musées du monde et il a reçu de nombreux prix et distinctions pour ses contributions à l'art. Son influence s'étend au-delà de son propre travail, car il a inspiré d'innombrables artistes et reste une figure centrale du monde de l'art. L'héritage de David Hockney est celui d'une innovation constante, d'une exploration et d'un impact profond sur l'art contemporain.

Portraits et réflexions : l'exploration de sujets familiers et de soi par Hockney

À partir de 1968 et pendant plusieurs années, Hockney se consacre à la peinture de portraits et de doubles portraits d'amis, d'amants et de proches. Ces œuvres, presque grandeur nature, sont réalisées dans un style réaliste qui capture habilement l'essence de ses sujets. Hockney revisite souvent les mêmes sujets, notamment sa famille, ses employés, des artistes comme Mo McDermott et Maurice Payne, divers écrivains, les créateurs de mode Celia Birtwell et Ossie Clark (notamment représentés dans « Mr. and Mrs. Clark and Percy », 1970-1971), le conservateur Henry Geldzahler, le marchand d'art Nicholas Wilder, George Lawson et son partenaire de ballet Wayne Sleep. Ses partenaires amoureux au fil des ans, tels que Peter Schlesinger et Gregory Evans, apparaissent également fréquemment dans son travail. En plus de ceux-ci, Hockney se retourne fréquemment contre lui-même, produisant plus de 300 autoportraits.

Entre 1999 et 2001, Hockney a utilisé une chambre claire, un vieil outil basé sur une lentille, pour mener des recherches dans le cadre de ses études d'histoire de l'art et de son propre travail en studio. Au cours de cette période, il a réalisé plus de 200 dessins d'amis, de membres de sa famille et de lui-même à l'aide de cet appareil.

En 2016, la Royal Academy a présenté la série « 82 portraits et 1 nature morte » de Hockney, qui a ensuite été exposée à Ca' Pesaro à Venise, en Italie, au musée Guggenheim de Bilbao en 2017 et au Los Angeles County Museum of Art en 2018. Hockney a qualifié ces peintures, commencées en 2013, d'« expositions de vingt heures », car chaque portrait nécessitait six à sept heures sur trois jours consécutifs pour être réalisé.

Le parcours artistique de Hockney à travers les lithographies et les gravures

Hockney a commencé à expérimenter la gravure dès 1954 avec un autoportrait lithographique et a ensuite exploré les eaux-fortes pendant ses études au Royal College of Art. En 1965, il a été invité par l'atelier de gravure Gemini GEL à créer une série de lithographies sur le thème de Los Angeles, donnant naissance à « The Hollywood Collection », où il a imaginé une collection d'art appartenant à une star d'Hollywood. Hockney a continué à collaborer avec Gemini GEL, produisant des portfolios comme « Friends », « The Weather Series » et « Some New Prints ». Au cours des années 1960, il a également créé des séries d'estampes qu'il a appelées « contes graphiques », comme « A Rake's Progress » (1961-1963), « Illustrations for Fourteen Poems from CP Cavafy » (1966) et « Illustrations for Six Fairy Tales from the Brothers Grimm » (1969).

En 1973, Hockney entame une collaboration avec Aldo Crommelynck, l'imprimeur préféré de Picasso, adoptant les techniques de Crommelynck pour des œuvres comme « Artist and Model » (1973-1974) et « Contrejour in the French Style » (1974). L'un de leurs projets les plus importants est « The Blue Guitar » (1976-1977), une suite de 20 gravures inspirées à la fois par Wallace Stevens et Picasso.

En 1978, Hockney a passé six semaines dans l'atelier de Ken Tyler à New York, expérimentant une nouvelle technique utilisant du papier liquide, produisant 29 œuvres uniques, dont une série de tournesols et de piscines. Ses portfolios d'impressions ultérieurs comprennent « Home Made Prints » (1986), « Recent Etchings » (1998) et « Moving Focus » (1984-1986). Une rétrospective de ses gravures a été organisée à la Dulwich Picture Gallery de Londres et au Bowes Museum en 2014, présentant des œuvres réalisées avec des télécopieurs et des imprimantes à jet d'encre.

Les menuisiers et le retour à la peinture

Au début des années 1980, Hockney a commencé à créer des collages de photos, qu'il a d'abord appelés « menuisiers » dans ses albums photo personnels. Il a commencé avec des tirages Polaroïd, puis a utilisé des tirages couleur 35 mm, les organisant en composites patchwork de sujets uniques. Ces images, réalisées à partir de perspectives différentes et d'époques légèrement différentes, reflètent une influence cubiste, en phase avec l'intérêt de Hockney pour l'exploration de la vision humaine. Parmi ses œuvres notables figurent le paysage « Pearblossom Highway #2 » et des portraits comme « Kasmin 1982 » et « My Mother, Bolton Abbey, 1982 ».

La création des « joiners » est le fruit du hasard. À la fin des années 1960, Hockney a remarqué que les objectifs grand angle déformaient les photographies, ce qui lui déplaisait. Alors qu'il travaillait sur un tableau à Los Angeles, il a pris des photos Polaroïd d'un salon et les a collées ensemble sans le vouloir, formant ainsi une composition. Il s'est rendu compte que cette méthode créait un récit, comme si le spectateur se déplaçait dans l'espace, ce qui l'a amené à se concentrer exclusivement sur la photographie pendant un certain temps, mettant sa peinture en pause.

Cependant, Hockney finit par se sentir frustré par les limites de la photographie, en particulier son incapacité à saisir l'espace, un élément clé des paysages. Il fit remarquer que même la photographie d'Ansel Adams ne parvenait pas à transmettre pleinement l'expérience du Yosemite. Déçu par la perspective « à un œil » de la photographie, Hockney retourna à la peinture.

Expositions et collections majeures

David Hockney a été présenté dans plus de 400 expositions personnelles et 500 expositions collectives. Sa première exposition personnelle a eu lieu chez Kasmin Limited en 1963, à l'âge de 26 ans. En 1970, la Whitechapel Gallery de Londres a organisé une grande rétrospective qui a fait le tour de l'Europe. Le LACMA a organisé une rétrospective en 1988, qui a ensuite été présentée au Met et à la Tate.

En 2006, la National Portrait Gallery de Londres a présenté l'une des plus grandes expositions de portraits de Hockney, avec plus de 150 œuvres. Son exposition de 2012, « A Bigger Picture », était axée sur les paysages et a attiré plus de 600 000 visiteurs. La rétrospective a ensuite été présentée au musée Guggenheim de Bilbao et au musée Ludwig de Cologne.

La plus grande exposition personnelle de Hockney, « A Bigger Exhibition », s'est tenue au de Young Museum de San Francisco en 2013, avec près de 400 œuvres. Sa rétrospective de 2017 à la Tate Britain est devenue l'exposition la plus visitée de la galerie, avec plus de 4 000 visiteurs par jour. L'exposition a voyagé au Centre Georges Pompidou et au Met, attirant de grandes foules à Paris et à New York.

En 2018, Hockney a exposé de nouvelles œuvres à la Pace Gallery, notamment des toiles hexagonales et des dessins photographiques en 3D. Ses premières œuvres ont été présentées dans le Yorkshire en 2019, et en 2022, Cambridge a accueilli « Hockney's Eye: The Art and Technology of Depiction ». En 2023, le Honolulu Museum of Art a présenté la plus grande rétrospective des gravures de Hockney.

Ses œuvres sont conservées à la Tate au Royaume-Uni, au Metropolitan Museum of Art de New York et au Centre Georges Pompidou à Paris. Au niveau local, ses œuvres sont exposées à Salts Mill à Saltaire, près de sa ville natale de Bradford, et conservées par la Fondation David Hockney. Parmi ses autres collections importantes figurent le Museum of Fine Arts de Boston, la National Gallery of Australia de Canberra et l'Art Institute of Chicago. Ses œuvres sont également exposées au Museum of Fine Arts de Houston, au Louisiana Museum of Modern Art de Humlebæk, au Danemark, et au J. Paul Getty Museum de Los Angeles. D'autres fonds se trouvent au Los Angeles County Museum of Art, au Walker Art Center de Minneapolis et au Museum of Modern Art de New York. Au niveau international, ses œuvres sont exposées au Museum of Contemporary Art de Tokyo, à Aboa Vetus & Ars Nova de Turku, en Finlande, et à la Mumok, Ludwig Foundation de Vienne. Aux États-Unis, ses pièces font partie du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden et du Smithsonian American Art Museum à Washington, DC, ainsi que du Muscarelle Museum of Art à Williamsburg, VA.