Paul Klee, Ad Parnassum, 1932. Huile sur toile, 100×128 cm. Musée d'art, Berna.
Notions de base de l'art abstrait
Juste pour fournir au lecteur un "quand" et un "où" : l'art abstrait, un mouvement artistique d'avant-garde, est né au début du XXe siècle en Allemagne, se propageant dans diverses régions du pays assez éloignées les unes des autres, où il a pris différentes variations visuelles et conceptuelles. En essence, l'art abstrait fait référence à toute production artistique dont le cœur tourne autour de la création d'œuvres qui explorent des réalités libérées des traditions artistiques précédentes, où les couleurs et les formes deviennent le nouveau centre d'une narration, prêtes à exprimer les émotions, les idées et les expériences de l'artiste. Il est important de préciser qu'il existe deux façons d'être abstrait : partiel et complet. Dans le premier cas, nous faisons référence à des œuvres qui présentent encore des sujets identifiables, mais ceux-ci ont été simplifiés, déformés, rendus de manière irréaliste, ou retirés de leur contexte habituel. En ce qui concerne l'abstraction complète, en revanche, elle se réfère à des créations qui transcendent la représentation de contextes, visant à puiser leur inspiration dans la réalité visuelle effective. Dans les deux cas, l'objectif est de remettre en question la finalité et la signification de l'art, en le libérant éventuellement de sa relation avec le monde environnant, en élargissant les frontières de ce qui peut être compris comme une production artistique. Cela remet en cause les canons esthétiques plus traditionnels afin de prendre l'art par la main et de le conduire vers des modes plus ouverts et expérimentaux. Cela est particulièrement efficace chaque fois que l'on souhaite exprimer des principes philosophiques et des idéologies, des idées parfois trop complexes et insaisissables pour être enfermées dans des sujets figuratifs. Le spectateur est également inclus dans ce "jeu", et son rôle prend une nouvelle importance : celui d'interpréter ce qu'il voit, à la fois à sa manière et en le comparant à la perspective de l'artiste. Maintenant que nous avons brièvement clarifié le contexte historique et artistique dans lequel nous opérons, nous pouvons commencer avec notre top 10, qui, dans l'ordre chronologique de la date des tableaux présentés, peut être considéré comme une continuation de la narration précédemment évoquée, capable de présenter les différentes évolutions du mouvement en question.
Vasilij Vasil'evič Kandinskij, Sans titre (Première aquarelle abstraite), 1910. 49,6 x 64,8 cm. Centre Georges Pompidou, Paris.
Top 10
1. Wassily Kandinsky, Sans titre (Première abstraction, aquarelle) (1910)
Pourquoi commencer par Kandinsky ? J'ai choisi de placer Sans titre en première position de ma liste car les critiques considèrent qu'il marque le début de l'art abstrait. Dans cette aquarelle, le peintre russe a éliminé toute référence au monde visible, créant une synthèse entre la musique et la peinture pour générer des images entièrement nouvelles qui font allusion aux émotions et aux humeurs. Cela est réalisé grâce à des couleurs, des lignes, des points et des taches soigneusement choisies, organisées de manière extrêmement harmonieuse. Il est à noter qu'avant Kandinsky, le cubisme et l'impressionnisme avaient repoussé les limites de la compréhension visuelle, comme on peut le voir dans les œuvres de Braque, Picasso ou les nymphéas tardifs de Monet. Cependant, dans leurs œuvres, une certaine référence au monde visuel réel persistait encore, tandis que dans Sans titre, Kandinsky a délibérément décidé d'éliminer toutes les références à la réalité tangible, ne peignant que des lignes, des taches et des marques censées se représenter elles-mêmes. L'aquarelle est dominée par des taches brunes, jaunes et orange, certaines plus denses que d'autres, formant un amas ressemblant à des constellations. Le rythme de ces éléments, associé à l'utilisation harmonieuse des couleurs et à la relation entre les marques, donne une impression de composition.
Joan Miró, Le Chasseur (Paysage catalan), juillet 1923-hiver 1924. Huile sur toile, 64,8 x 100,3 cm. Maman, New York. @steph888
2. Joan Miró, Paysage catalan (Le Chasseur) (1923-24)
La deuxième position de mon classement, dans l'ordre chronologique de réalisation, revient à Joan Miró avec son tableau Paysage catalan (Le Chasseur). Cette œuvre exemplifie le concept susmentionné d'art abstrait partiel. Je peux l'affirmer en toute confiance car une observation attentive du chef-d'œuvre révèle la représentation d'un paysage distinctif avec des figures humaines et animales, faisant allusion à une période spécifique de la vie de l'artiste lorsqu'il vivait dans la ferme familiale à Montroig (Catalogne). Pourquoi emmener le spectateur dans ce lieu en Espagne ? Le tableau pourrait en effet évoquer la terre natale du maître, cherchant à mettre en avant une certaine inclination vers le nationalisme catalan, évidente dans l'allusion à la danse traditionnelle de la région, explicitement exprimée par le mot "sardane", ainsi que la présence du drapeau catalan, ainsi que des drapeaux espagnol et français. En mettant de côté de telles interprétations, ce qui est certain à propos de l'œuvre, c'est qu'elle représente l'artiste lui-même, dépeint, comme dans d'autres cas, sous les traits d'un chasseur. Je fais référence à la figure stylisée à la tête triangulaire, située sur le côté gauche de la toile, tenant un lapin fraîchement tué et un fusil encore fumant. Cependant, tout ce qui a été décrit peut également être interprété dans le domaine du rêve, car ce chef-d'œuvre surréaliste est le produit de l'automatisme, de l'utilisation du subconscient, propice à la création de nouvelles formes et interprétations de la réalité.
Piet Mondrian, Composition II en rouge, bleu et jaune, 1930. Huile sur toile, 45 cm × 45 cm. Kunsthaus de Zurich
3. Piet Mondrian, Composition II en rouge, bleu et jaune (1930)
Revenons à l'abstraction totale avec Piet Mondrian et sa célèbre Composition II en rouge, bleu et jaune, une œuvre créée dans l'entre-deux-guerres, au sommet de la carrière de l'artiste. Compte tenu des circonstances, il se sentait plus serein et capable de se consacrer à ses recherches artistiques, visant à l'objectif de la synthèse néoplastique. Je fais référence au processus de simplification formelle, visant à atteindre un désir spécifique de purification spirituelle ressenti par le peintre, qui, également influencé par des études théosophiques, a progressivement abandonné la figuration. Cela se réalise dans l'œuvre susmentionnée, caractérisée par la présence de lignes épaisses noires qui se croisent pour créer des champs rectangulaires et carrés, certains d'entre eux étant colorés en rouge, jaune et bleu. Le choix des couleurs primaires vise à reproduire un équilibre formel et chromatique, reflétant la quête spirituelle de l'artiste, guidée par l'équilibre universel. Dans ce cas, l'équilibre se trouve dans l'absence d'un centre géométrique de composition, suggérant que le chef-d'œuvre pourrait potentiellement s'étendre au-delà de la toile peinte.
Paul Klee, Ad Parnassum, 1932. Huile sur toile, 100×128 cm. Kunstmuseum, Berne.
4. Paul Klee, Ad Parnassum (1932)
Nous sommes en présence d'un autre exemple d'abstraction partielle, à savoir Ad Parnassum, un chef-d'œuvre sur toile que Klee a créé inspiré par son séjour en Italie six ans plus tôt. Pendant cette période, il a été frappé par les mosaïques de Ravenne, qu'il a réinterprétées à l'aide d'une nouvelle technique néo-divisionniste. Cette technique se caractérise par des coups de pinceau pointillistes distinctifs, créant une texture chromatique dense où les couleurs émettent une lumière unique et brillante évoquant l'art du début du christianisme. En ce qui concerne la palette de couleurs, les nuances de bleu-vert et de jaune-orange dominent, donnant du dynamisme à l'ensemble de la composition. La brillance uniforme est rompue par la présence de lignes qui forment la silhouette d'une colline pyramidale, accompagnée d'un soleil haut dans le ciel. Enfin, nous concluons cette description avec les mots éclairants de l'artiste lui-même : "Le sujet, c'était le monde, même s'il ne s'agissait pas de ce monde visible". Malgré ces mots, ce que nous observons ne perd pas entièrement contact avec la réalité que nous connaissons ; au contraire, il la rappelle sous forme de souvenir et de fragments, transmis à travers une harmonie complexe de couleurs qui révèlent les mélodies musicales que le maître, un violoniste accompli, connaissait bien.
A gauche : Ben Nicholson OM, 1934 (relief), 1934. Peinture à l'huile sur acajou, 718 × 965 × 32 mm. Tate. @ jay.parmar
5. Ben Nicholson OM, 1934 (relief), 1934
Pour comprendre le chef-d'œuvre de Nicholson, nous devons tenir compte du contexte historique dans lequel l'artiste a développé sa perspective sur l'art. Pendant la période turbulente de l'entre-deux-guerres, lorsque les artistes se sont tournés vers l'abstraction à la recherche d'une innocence perdue et de la pureté de l'humanité, Nicholson a commencé à expérimenter différentes manières de représenter l'espace. Il poursuivait ces objectifs grâce à la création d'œuvres en relief, où des zones de profondeurs variables définissaient l'espace, parfois colorées uniquement en blanc ou en gris, dans les teintes de la pureté. Un exemple caractéristique de cette peinture monochromatique et multicouche est 1934 (relief), un chef-d'œuvre qui puise son inspiration dans l'influence de Mondrian, tout comme Miró et Calder. Pour créer cette œuvre, Nicholson a sculpté un cercle et un carré dans un panneau de bois, évoquant ainsi l'idée de l'absence et de la présence pesante en temps de conflit. L'utilisation de formes géométriques, de superpositions dimensionnelles et d'une palette monochromatique contribue toutes à l'élimination des émotions.
À droite : Mark Rothko, Centre blanc (Jaune, Rose et Lavande sur Rose), 1950. 205,8 cm × 141 cm. La famille royale du Qatar.
6. Mark Rothko, Centre blanc (jaune, rose et lavande sur Rose) (1950)
En 1950, Rothko a commencé à diviser la toile en bandes horizontales de couleur, et Centre blanc (jaune, rose et lavande sur Rose) a été créé cette année-là. Ce chef-d'œuvre présente une composition frontale où de larges bandes de couleur semblent flotter et se fondre avec le champ de couleur sur lequel elles sont placées. En essence, White Center fait partie du style multiforme distinctif de Rothko, dans lequel différents blocs de couleurs complémentaires se chevauchent sur une grande toile. Pour le décrire en ajoutant la couleur, l'œuvre commence par un rectangle horizontal jaune, se poursuit avec une bande horizontale noire, une bande rectangulaire blanche, pour culminer dans la moitié inférieure avec des tons de lavande. La luminosité de l'ensemble est obtenue grâce à la superposition répétée de fines couches de peinture, à partir desquelles une sous-peinture émerge dans les couches supérieures. Ce qui a été analysé pourrait être appliqué, certainement avec des variations, à une grande partie de l'œuvre de l'artiste pendant cette période. Il cherchait à obtenir des variations subtiles de proportion et de couleur, suggérant de multiples émotions et atmosphères dans le but d'envelopper le spectateur.
Jackson Pollock, Convergence, 1952. Huile sur toile, 237 cm × 390 cm. Musée d'art Buffalo AKG, Buffalo. @Jackson_pollock
7. Jackson Pollock, Convergence (1952)
La toile est couverte de marques entrelacées, et la présence de lignes circulaires noires apparaît uniforme sur toute la surface, tandis que dans d'autres parties, des traces de rouge, de jaune, de bleu et de blanc sont visibles. Je fais référence à l'œuvre qui occupe la septième position, Convergence, initialement jugée peu impressionnante par les critiques mais qui est devenue extrêmement célèbre par la suite. Le scepticisme initial des historiens de l'art était probablement dû au fait que l'œuvre, initialement en noir et blanc, représentait une réflexion de l'artiste, qui y a ensuite ajouté des couleurs supplémentaires. La rédemption de Convergence ne s'est pas produite uniquement grâce aux réévaluations ultérieures, mais aussi grâce à la reconnaissance de Harold Rosenberg, un critique d'art qui l'a identifiée comme le plus haut exemple d'expressionnisme abstrait et de peinture d'action. Par ces termes, je veux simplement dire la pratique artistique développée par le peintre, où il laissait librement couler ses gestes les plus instinctifs lors de la création de ses œuvres, les traduisant en toiles d'une énergie inimitable.
Helen Frankenthaler, Montagnes et mer, 1952. Huile et fusain sur toile, 220 cm × 297,8 cm. Galerie nationale d'art, Washington, DC @ fondation helenfrankenthaler
8. Helen Frankenthaler, Montagnes et mer (1952)
Parlons de la technique : Montagnes et mer a été créé en plaçant la toile brute et non préparée au sol et en versant de la peinture à base d'huile et de térébenthine dessus. Je fais référence à la pratique personnelle de la peinture de Frankenthaler, connue sous le nom de "staining", qu'elle a utilisée pour la première fois dans ce cas particulier. Le résultat est des champs de couleur transparente qui semblent flotter mais qui sont en réalité ancrés par la texture de la toile, offrant ainsi de la platitude et de la stabilité. Dans ce contexte, les couleurs ne sont pas placées au hasard, mais servent à évoquer un environnement naturel, chaque fois unique et différent. À l'instar de Convergence, Mountains and Sea, la première œuvre exposée professionnellement par Frankenthaler, a été initialement critiquée mais ensuite comprise, à tel point que le New York Times lui a consacré cette description délicate et célébratoire : "Montagnes et mer" est "une évocation légère et diaphane de collines, de rochers et d'eau".
Robert Motherwell : Élégie à la République espagnole n°57, 1957-1961. Fusain et huile sur toile, 213,36 cm × 277,18 cm. Collection SFMOMA.
9. Robert Motherwell : Élégie à la République espagnole n°110 (1971)
Le chef-d'œuvre en question, comme partiellement suggéré par son titre, trouve son origine dans les souvenirs que la guerre civile espagnole a laissés imprimés dans l'esprit du peintre lorsqu'il n'avait que vingt et un ans. L'impact de cet événement désastreux a été tel que Motherwell a revisité le sujet non seulement dans Élégie à la République espagnole n°110, mais dans une série de plus de 200 peintures dédiées à ce thème. De manière similaire, nous pouvons rappeler le célèbre Guernica de Picasso, daté de 1937, qui fait également référence à l'épisode de la guerre civile espagnole. Dans le cas de l'auteur d'Elegy to the Spanish Republic No. 110, cependant, le conflit en question devient un moyen d'allusion à toutes les formes d'injustice, au point qu'il a conçu ladite série comme une commémoration de la souffrance humaine, un sentiment exprimé sous forme de symboles abstraits et poétiques contrastant la mort et la vie. Cette approche de l'expressionnisme abstrait hérite de certains éléments du langage du symbolisme français, en particulier de celui de Stéphane Mallarmé, un poète qui préconisait de représenter l'effet émotionnel produit par les événements ou les idées plutôt que les événements ou les idées eux-mêmes. Enfin, l'opposition susmentionnée entre la vie et la mort est concrètement rendue sur la toile par la juxtaposition du noir et du blanc, ainsi que par le contraste entre les formes ovales et rectangulaires.
Gerhard Richter, Abstraktes Bild, signé, daté 1987, numéroté 636. @theartbystander
10. Gerhard Richter, Abstraktes Bild (809-1) (1994)
Le chef-d'œuvre de Richter, connu pour être l'une des peintures les plus chères parmi ses dix meilleures œuvres, fait partie d'une série de quatre œuvres et résulte d'un processus créatif compliqué, répétitif et probablement fastidieux, dont la toile elle-même témoigne, car elle présente des signes d'interruptions temporelles dans le travail. Néanmoins, une fois achevé, Abstraktes Bild a pris la forme de rayures et d'éclaboussures de peinture qui ont été traînées jusqu'au bord de la toile à l'aide d'une raclette et enrichies par l'ajout d'autres couleurs appliquées de manière similaire. En fait, le processus d'application de la peinture, rapide, aléatoire et répétitif, implique que les couches de couleur se succèdent jusqu'à ce que l'artiste estime que la peinture est terminée. Cela incite à réfléchir sur la manière dont, grâce à la superposition de différentes couches, les méthodes de création de l'œuvre ne sont reconnaissables que superficiellement car elles sont en réalité dissimulées dans les niveaux sous-jacents. Cependant, nous pouvons décrire Abstraktes Bild comme suit : une surface de lignes verticales et horizontales riches en couleur, destinée par l'artiste à transmettre calme et harmonie au spectateur.
Olimpia Gaia Martinelli