Pierre-Auguste Renoir, Le Déjeuner des Canotiers, 1880-1881. Huile sur toile, 129,9 cm × 172,7 cm. La collection Phillips, Washington, DC.
L'impressionnisme en bref
Comment l'Impressionnisme est-il né ? Comme toutes choses, il a commencé par une idée ! Les artistes en question ont décidé de peindre la réalité qui les entourait d'une manière très simple, laissant de côté les sujets historiques et mythologiques plus complexes et bien usés, des thèmes qui étaient souvent associés à une recherche de la perfection dans l'apparence visuelle et donc dans l'exécution. Maintenant, ce qui importait, comme le suggère le nom du mouvement artistique né en France vers 1860, c'était le rendu de l'impression, ou comment un paysage, mais aussi un objet et une personne, apparaissaient à l'œil en un laps de temps limité. Pour que ce dessein soit efficace, la manière dont la couleur était appliquée sur le support a radicalement changé : les coups de pinceau étaient désormais plus légers, plus libres, et les couleurs plus douces, issues d'une exécution exclusivement en plein air. Il était évident, en observant en extérieur, que ce que l'œil percevait était en réalité différent de ce que le cerveau comprenait, de sorte qu'en capturant les effets optiques du moment, on s'éloignait définitivement des formes idéalisées et de la symétrie parfaite, donnant voix au monde tel qu'il est réellement vu par notre regard. En fait, la perspective tridimensionnelle a également été mise en sourdine, un fait technique qui a conduit l'Impressionnisme à cesser de distinguer les éléments les plus importants d'une composition de ceux de moindre importance. Toutes ces caractéristiques se sont transformées en critiques de la tradition académique de l'époque, qui, cependant, ne pouvait plus arrêter l'avancée de l'art moderne, ainsi que de toute la philosophie associée à l'avant-garde.
Édouard Manet, Déjeuner sur l'herbe, 1863. Huile sur toile, 208×264 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Édouard Manet : Le Déjeuner sur l'herbe (1863)
L'œuvre d'Édouard Manet, un peintre français qui fait le lien entre le Réalisme et l'Impressionnisme, a été vivement critiquée par son public contemporain, qui était assez désorienté de voir des fragments de la vie réelle représentés sur la toile, dans lesquels, parfois, même des personnes en marge de la société prenaient forme, traitées de la même manière que les personnages des œuvres historiques et mythologiques plus traditionnelles. À cela s'ajoutait la suspicion réservée à son style particulier, qui, anticipant l'Impressionnisme, manquait à la fois de clair-obscur et d'ombrage, car il juxtaposait des taches de couleur, qui, seulement vues de la bonne distance, généraient les formes imaginées par l'artiste. Enfin, pour parler du maître que beaucoup reconnaissent comme le père de l'Impressionnisme, j'ai choisi de décrire Le Déjeuner sur l'herbe, un chef-d'œuvre de 1863, qui a profondément scandalisé le public du Salon des Refusés, car il présentait non seulement une femme nue assise flanquée de deux hommes habillés, mais aussi une technique picturale sommaire concernant la description des formes et du fond. De plus, la profondeur de l'espace était rendue de manière innovante sans avoir recours à la perspective traditionnelle, mais à travers des suggestions composées de taches juxtaposées de couleurs différentes. C'est précisément ce qui est représenté dans cette œuvre qui ouvrirait la voie à ce que nous verrons dans ce top 10 : les chefs-d'œuvre les plus importants de l'Impressionnisme !
Claude Monet, Impression, Soleil levant, 1874. Huile sur toile, 48 cm × 63 cm. Musée Marmottan Monet, Paris.
Claude Monet : Impression, Soleil levant (1874)
Voici un autre chef-d'œuvre qui est non seulement une peinture, mais aussi une histoire tangible du mouvement impressionniste, car Impression, Soleil levant a été exposé en 1874 dans l'ancien studio du photographe Nadar, suggérant, avec son titre, le nom de tout le mouvement artistique. La peinture en question, créée en plein air pour capturer ce que le maître voyait depuis la fenêtre de sa chambre d'hôtel au Havre, reproduit la vue matinale du port, avec la mer traversée par quelques bateaux et l'horizon montrant la vie industrielle du contexte urbain. Ce qui est décrit possède déjà toutes les caractéristiques chères à l'Impressionnisme plus mature, au point que la vue est rendue à travers des coups de pinceau juxtaposés, rapides et libres, prêts à donner forme à tous les éléments de la composition. En fait, ce n'est qu'en observant l'ensemble que nous pouvons pleinement comprendre la nature des sujets immortalisés, qui, pris un par un, perdent presque leur identité. Cela nous permet de comprendre les véritables intentions de l'artiste, qui n'étaient plus de créer une scène naturaliste, mais de l'évoquer à travers des suggestions environnementales. Enfin, il est bon de révéler un secret, c'est-à-dire ce qui a pratiquement permis à Monet de réaliser le chef-d'œuvre mentionné précédemment ? Il est donc nécessaire de révéler comment la pratique de la peinture en plein air, typiquement impressionniste, a été rendue possible par l'invention en 1841 de John Rand, qui a créé des tubes en métal pour conserver les couleurs à l'huile, qui dès lors pouvaient être facilement transportées n'importe où !
Edgar Degas, La classe de danse, 1873-1876. Peinture à l'huile sur toile, 83,5 sur 77,2 centimètres. Metropolitan Museum of Art, New York.
Edgar Degas : La Classe de danse (1873-1876)
Avant de discuter du chef-d'œuvre en question, il est important de clarifier l'identité du peintre qui, initialement plus proche du Réalisme, s'est approché des sujets de la vie moderne dans l'Impressionnisme à partir des années 1870, tout en restant toujours éloigné de la peinture en plein air et de l'élimination des contours. Maintenant que nous avons clarifié ce qui fait du maître français un impressionniste atypique, nous pouvons passer à la description de l'une de ses toiles les plus célèbres : La Classe de danse. Bien qu'elle ait été créée en studio, elle semble avoir été réalisée d'un seul coup pour immortaliser la salle de danse de l'Opéra de Paris, où l'artiste pouvait accéder grâce à l'intervention de son ami, le chef d'orchestre. De cet endroit privilégié, le peintre a capturé une jeune ballerine pratiquant des pas sous le regard attentif du célèbre chorégraphe Jules Perrot. Quant aux autres filles en tutus, elles profitent de la pause pour se reposer, discuter peut-être tranquillement et ajuster leurs vêtements. Tout semble extrêmement spontané et naturel car Degas accorde une nouvelle importance à la vie quotidienne, la reproduisant parfois avec une attention presque obsessionnelle, toujours prêt à synthétiser les attitudes et les comportements de la manière la plus authentique d'être dans certaines situations.
Pierre-Auguste Renoir, Le Déjeuner des Canotiers, 1880-1881. Huile sur toile, 129,9 cm × 172,7 cm. La collection Phillips, Washington, DC.
Pierre-Auguste Renoir : Le Déjeuner des canotiers (1880-1881)
Tout comme Monet, Renoir est un véritable impressionniste, l'auteur de l'un des chefs-d'œuvre les plus célèbres du mouvement artistique qui nous intéresse, à savoir : Le Déjeuner des canotiers, une toile datant d'environ 1880 dans laquelle il représente des amis et des connaissances dirigés avec expertise, presque comme sur un plateau de tournage. Tout cela constitue une scène dans laquelle, sous un auvent, des rameurs et d'autres personnages se rassemblent autour d'une table, sur laquelle on suppose qu'un repas vient d'être consommé. Les sujets pensent maintenant à converser, à profiter de l'atmosphère d'un après-midi chaud passé sur la Seine, une rivière qui, comme on le voit dans le coin supérieur gauche, se fraie littéralement un chemin à travers les plantes, traversée par quelques bateaux. Cependant, ceux qui sont le plus mis en évidence, car ils sont au premier plan, sont une jeune fille qui joue avec un petit chien, observée par un rameur, et un autre rameur qui se repose contre la balustrade à gauche. De plus, toujours proches du spectateur, il y a aussi deux jeunes assis à la table, dos aux personnages plus bruyants à l'arrière-plan. Une fois de plus, la texture de la peinture est constituée de larges coups de pinceau matériels, prêts à estomper les contours des formes, dont les détails sont suggérés mais non décrits.
Edgar Degas, L'Absinthe, 1875-1876. Huile sur toile, 92×68 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Edgar Degas : L'Absinthe (1875-1876)
Eh bien, revoici Degas ! Après tout, il était impossible de ne pas inclure ses Buveurs d'absinthe dans le classement, une œuvre qui, en plus de documenter une réalité triste de l'époque, s'est inspirée du roman d'Émile Zola, "L'Assommoir", dont l'artiste avait vu quelques extraits. En effet, l'écrivain a confié à l'artiste comment il avait parlé de la condition dégradée dans laquelle vivait le prolétariat parisien, bien personnifiée dans le chef-d'œuvre par deux amis de Degas. Cependant, une fois la peinture terminée, ces deux individus se sont plaints du tort qu'elle pourrait causer à leur réputation, si bien que le peintre a décidé de déclarer publiquement que les deux personnages n'étaient pas vraiment des alcooliques. Dans l'œuvre, cependant, les deux clients sont assis à des tables de café, sur lesquelles des boissons alcoolisées sont posées, même si ceux qui sont représentés semblent presque les laisser là, peut-être parce que, déjà ivres, ils semblent absorbés par des pensées plus profondes, projetant leurs regards directement dans le vide. Et si nous prenions un cocktail ce soir ?
Claude Monet, Le Bassin aux Nymphéas, Harmonie rose, 1900. Olio su tela, 89,5×100 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Claude Monet : Le Bassin aux Nymphéas, Harmonie rose (1900)
Il était impossible de ne pas mentionner à nouveau le plus populaire des Impressionnistes, sans aucun doute Claude Monet, l'auteur du célèbre tableau Le Bassin aux Nymphéas, Harmonie rose, daté de 1900. Dans cette œuvre, l'imposante silhouette d'un pont en arc se dresse devant le spectateur, prête à traverser un étang de nymphéas. Toute la scène est illuminée par les rayons du soleil, pénétrant soigneusement chaque feuille, tandis que les fleurs révèlent leur couleur prédominante : le rose ! En premier plan, nous trouvons la rive, caractérisée par la présence d'une végétation dense et haute, qui, par endroits, se confond avec les feuilles pendantes des saules. Une fois de plus, il est question de la lumière qui filtre à travers, créant des zones d'ombre et des zones de lumière, prête à créer une riche alternance de nuances qui s'étendent sur l'eau et les rives. Où se trouve le sujet du paysage de Monet ? À Giverny, dans la résidence de l'artiste, où il s'occupait personnellement des différentes plantes du jardin, qu'il voulait transformer en un théâtre verdoyant, toujours prêt à devenir le sujet de son art, où il a également fait construire le pont de style japonais mentionné précédemment.
Gustave Caillebotte, Rue de Paris, temps de pluie, 1877. Huile sur toile, 212,2 cm × 276,2 cm . L'Institut d'art de Chicago, États-Unis.
Gustave Caillebotte : Rue de Paris, temps de pluie (1877)
Rue de Paris, temps de pluie de Gustave Caillebotte raconte et documente la restructuration de la capitale française, qui a eu lieu à la fin du XIXe siècle selon le projet de Georges-Eugène Haussmann, prêt à se manifester dans la représentation d'une grande intersection près de la gare Saint-Lazare, remplaçant une vieille zone vallonnée avec des rues étroites et sinueuses et des bâtiments délabrés. Ce nouveau visage de Paris est traversé par les principaux sujets de l'œuvre, un couple de passants marchant bras dessus bras dessous, se protégeant de la pluie sous un parapluie et croisant le chemin d'un autre passant, qui trouve sa place à côté de la façade d'un bâtiment sur la droite. À gauche, d'autres personnes marchent également, équipées de parapluies, évitant progressivement quelques voitures, qui trouvent leur raison d'être sous la présence de grands bâtiments, probablement prêts à se refléter dans les multiples reflets créés par le pavé en pierre humide. Certainement, ces derniers prennent la couleur du ciel nuageux, dont l'horizon est dominé par la présence d'un plus grand bâtiment d'angle, qui apparaît isolé au centre de la scène. Enfin, il convient certainement de noter un autre protagoniste silencieux de la peinture : je parle du lampadaire vert qui se tient silencieusement derrière les figures des deux sujets principaux.
Mary Cassatt, La promenade en barque , 1893. Huile sur toile, 90 cm × 117,3 cm. Galerie nationale d'art, Washington, DC.
Mary Cassatt : La promenade en barque (1893)
Peut-on parler de l'Impressionnisme sans célébrer ses femmes les plus illustres ? Je dirais absolument pas, alors je me dépêche de mentionner Mary Cassatt, une peintre et graveuse américaine née en 1844, l'auteure de La Partie de Bateau. Ce chef-d'œuvre, créé à Antibes (Côte d'Azur, France), représente une femme, un enfant et un homme sur un voilier sans mât mais avec une coque en forme de canoë et trois sièges, un environnement rendu avec l'utilisation de la couleur jaune, qui se démarque du bleu plus sombre et plus large de la mer. En fait, Cassatt utilise à la fois des couleurs audacieuses et plus sombres pour créer des contrastes, qui atteignent leur apogée dans la comparaison entre le bateau vibrant et la silhouette bleue du rameur. Malgré le traitement des couleurs, qui vise à s'insérer dans le style habituel de l'artiste, ce qui différencie c'est le thème de l'œuvre, qui, tout en incluant celui familier de la mère et de l'enfant, inclut également, dans l'espace inhabituel du bateau, la figure masculine, souvent négligée par la peintre. En tout cas, les rôles au sein du chef-d'œuvre semblent être fermement établis, à tel point que l'homme se concentre exclusivement sur le travail (en train de ramer), et la femme veille constamment sur l'enfant. Suivant cette interprétation, on peut voir la rame comme une ligne de démarcation entre les mondes masculin et féminin, le second étant indissolublement associé par l'artiste à la nature, à la créativité et au renouveau, domaines où l'importance du rôle de la mère au sein de la société est incontestée.
Berthe Morisot, Le Berceau, 1872. Huile sur toile, 56 cm × 46 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Berthe Morisot : Le berceau (1872)
Berthe Morisot était une peintre impressionniste française, connue pour être l'une des fondatrices du mouvement, ainsi que la créatrice de multiples chefs-d'œuvre de l'histoire de l'art, tels que Le Berceau. Ce tableau, daté de 1872 et exposé lors de la première exposition impressionniste qui a eu lieu deux ans plus tard, représente une jeune femme de profil, assise à côté d'un berceau dans lequel un bébé dort. La mère n'est pas seulement un modèle, mais l'une des deux sœurs de l'artiste, Edma, immortalisée avec la nièce de Berthe, la petite Blanche. Ce double portrait a été conçu pour aborder consciemment le thème de la maternité, l'un des sujets préférés de la peintre, qui aimait représenter des scènes intimes révélant toujours le lien d'amour existant, en particulier entre les mères et les filles. Pour rendre cette connexion éternelle explicite, on trouve aussi de petits détails dans la composition, comme les visages des deux protagonistes, reliés par une diagonale compositionnelle, ainsi que le geste de la mère pour protéger le petit, à la fois par son regard et par un voile, et enfin, le fait que les deux sujets ont les bras pliés.
Claude Monet : Femme à l'ombrelle - Madame Monet et son fils, 1875. Huile sur toile, 100 cm × 81 cm. Galerie nationale d'art, Washington, DC.
Claude Monet : Femme à l'ombrelle - Madame Monet et son fils (1875)
Aidez-moi, je n'arrête pas de parler de Monet, mais en même temps, oseriez-vous ne pas en parler excessivement en discutant des plus célèbres chefs-d'œuvre de l'impressionnisme ? Personnellement, j'ai décidé de conclure mon classement avec l'une des peintures les plus connues du plus célèbre des impressionnistes : Femme à l'ombrelle - Madame Monet et son fils (1875) ! Cette œuvre, avec son "homologue" Femme à l'ombrelle - Madame Monet et son fils, est conservée au Musée d'Orsay et se distingue par le thème qu'elle explore. En effet, le peintre français était assez renommé pour ses paysages, certainement plus favorisés que l'exaltation de la figure humaine, qui, dans ce cas, prend la forme de Suzanne Hoschedé, la femme du peintre impressionniste américain Theodore Earl Butler. L'intérêt pour ce sujet particulier est né dans un contexte spécifique : le maître observait Suzanne alors qu'elle montait une colline sur l'île aux Orties, un lieu et une situation où des jeux de lumière intéressants se reproduisaient sur la robe de la jeune fille. Cette vision même a donné naissance à une peinture mettant en scène une figure en vêtements bourgeois typiques de l'époque, cherchant de l'ombre sous le soleil avec un parasol tout en étant plongée dans un paysage bucolique, où la nature apparaît luxuriante. Enfin, l'artiste rend le tout encore plus spécial en lui donnant une monumentalité particulière, obtenue grâce à une perspective basse, prête à élever l'image de Hoschedé, dont le visage, seulement "esquissé", est dans l'ombre, tout comme la majeure partie de son corps capturée de dos.
Olimpia Gaia Martinelli