Edward Hopper, Lumière du soleil du deuxième étage. 1960. Musée Whitney d'art américain, New York.
L'histoire de l'art américain en 6 points
Avant de vous présenter les dix peintres les plus célèbres de l'histoire de l'art américain, avec de brefs aperçus de leur vie et des références à leurs particularités stylistiques, je tiens à vous familiariser avec le contexte auquel ils appartiennent : l'Amérique et sa tradition artistique. Pour aborder ce sujet vaste et complexe, j'ai décidé d'utiliser des "ciseaux et de la colle", découpant et collant le matériel pertinent ici et là, en mettant en évidence uniquement les moments clés. De cette intention découle un sujet résumé en 6 points, qui sont néanmoins essentiels à garder à l'esprit :
Tradition : Il est important de considérer comment la tradition artistique des États-Unis trouve en réalité ses origines dans les arts pratiqués par les cultures autochtones.
Les Européens : Ce n'est qu'après l'arrivée des Européens que l'art distinctement occidental que nous connaissons aujourd'hui s'est développé, prenant initialement forme dans les genres du portrait et du paysage.
XIXe siècle : C'est au XIXe siècle qu'un mouvement artistique américain cohérent a émergé, à savoir l'avènement de l'école de la rivière Hudson.
XXe siècle : Au XXe siècle, la créativité américaine visait non seulement à émuler l'Europe, mais aussi à mettre en avant les centres urbains américains, ainsi que les régions rurales.
Après la Seconde Guerre mondiale : L'expressionnisme abstrait de l'après-guerre a braqué les projecteurs de l'art directement sur le contexte américain. À partir de ce moment-là, l'influence artistique des États-Unis a continué de se répandre dans le monde entier, en particulier grâce au succès mondial du minimalisme et du pop art.
Aujourd'hui : La mondialisation contemporaine rend difficile la compréhension des tendances artistiques spécifiquement et exclusivement liées à un contexte particulier, à tel point qu'il est plus facile d'identifier des personnalités individuelles à travers le monde dont le travail a véritablement influencé le monde de la peinture dans un monde de plus en plus interconnecté.
Top 10
Maintenant que nous sommes enfin prêts pour le top 10, plongeons-y !
Gilbert Stuart, George Washington, 1796. Huile sur toile, 121,9×94 cm. Musée des Beaux-Arts, National Portrait Gallery, Boston.
1.Gilbert Stuart (1755-1828)
Qui est-il : Gilbert Stuart était un peintre américain, surtout connu pour avoir créé des portraits officiels des cinq premiers présidents des États-Unis, ainsi que de nombreuses autres personnalités publiques de l'époque.
Style : Spécialisé dans le portrait à Londres, où il était élève de Benjamin West, Stuart a développé un style idéalisé néoclassique. Il capturait méticuleusement le caractère et le statut de ses sujets en étudiant attentivement leur posture, leurs vêtements, leurs couleurs et leur environnement.
Chef-d'œuvre : Le chef-d'œuvre incontesté de Stuart est sans aucun doute "George Washington (Le portrait de l'Athenæum)" (1796). L'œuvre, représentant l'homme d'État Washington sur un fond brun, est restée intentionnellement inachevée car l'artiste ne voulait pas la remettre aux mécènes, qui étaient la femme du sujet. Stuart voulait créer des copies pour tirer parti de la renommée du modèle représenté. Cependant, cette incomplétude délibérée a rendu l'œuvre célèbre car elle semble avoir été soigneusement conçue pour mettre en valeur le visage du président, perçu comme un modèle moral dégageant puissance et autorité.
Mary Cassat, Petite fille au fauteuil bleu, 1878. Huile sur toile, musée d'Orsay.
2.Mary Cassatt (1844-1926)
Qui est-elle : Mary Cassatt était une peintre américaine qui a passé une période importante en France, étudiant sous la direction de Degas et exposant avec les Impressionnistes.
Style : Le style unique de Cassatt combinait la technique typique des impressionnistes avec l'utilisation de couleurs légères, souvent enrichies par une influence constante de l'art japonais traditionnel. Avec cette technique, elle représentait souvent des femmes "prisonnières" de décors domestiques, évoquant peut-être la dimension dans laquelle elle, en tant que femme, était souvent confinée.
Chef-d'œuvre : L'une des œuvres les plus célèbres de l'artiste est sans aucun doute "La Petite Fille au Fauteuil Bleu" (1878), représentant une jeune fille accompagnée seulement d'un petit chien, peut-être un Yorkshire Terrier, qui l'imitait en se relaxant dans un fauteuil placé dans un intérieur, ressemblant peut-être à un salon. Cette scène capture la nature insouciante et la détente de la jeunesse, comme si elle était destinée à évoquer des souvenirs d'enfance perdue pour le spectateur. Néanmoins, l'importance des meubles dans le tableau pourrait aussi suggérer que le sujet se sent parfois submergé par le monde des adultes.
John Singer Sargent, Portrait de Madame X, 1884. Huile sur toile, 2,35 mx 1,1 m. Musée métropolitain d'art, Manhattan.
3.John Singer Sargent (1856-1925)
Biographie : John Singer Sargent, artiste américain expatrié, est considéré comme l'un des portraitistes les plus importants du XIXe siècle. À travers ses voyages à travers le monde, il a également réalisé des peintures de style documentaire, capturant des lieux emblématiques tels que Venise.
Style : John Singer Sargent est connu pour ses coups de pinceau impressionnistes distinctifs, qui prenaient vie au sein de compositions conventionnelles. Ses œuvres ont immortalisé à la fois les traits de caractère de ses sujets de portrait et les paysages qu'il peignait en plein air. Cela résultait de sa habile réinterprétation des enseignements de maîtres tels qu'Anthony Van Dyck et Diego Velázquez, enrichis de nuances impressionnistes.
Chef-d'œuvre : Impossible de ne pas mentionner "Portrait de Madame X" (1884) ! C'est peut-être l'œuvre la plus célèbre du maître, elle représente Virginie Amélie Avegno Gautreau, une femme de la haute société qui n'a pas commandé le tableau elle-même. En fait, l'artiste l'a choisie comme modèle pour capturer une figure très discutée de la société parisienne. Des commérages avaient surgi en raison de certains traits physiques et caractériels du sujet, dont les capacités séductrices, associées à un charme frappant, étaient magnifiquement représentées dans le tableau, mettant en valeur sa peau d'albâtre et un décolleté audacieux. L'œuvre relève du genre du portrait moderne en raison de ces qualités uniques, car elle communique efficacement l'attitude réelle du sujet.
Edward Hopper, Nighthawks, 1942. Huile sur toile, 84 cm x 1,52 m. École de l'Art Institute de Chicago.
Edward Hopper (1882-1967)
Biographie : Wikipédia affirme à juste titre qu'Edward Hopper était "l'un des artistes les plus renommés en Amérique, dont l'influence sur l'art et la culture populaire était significative." Il s'est distingué en tant que figure du réalisme américain, offrant un portrait authentique de la société américaine contemporaine, imprégnée d'un profond sentiment de solitude.
Style : Le terme "réalisme américain" englobe tous les artistes qui ont préféré représenter les activités quotidiennes des gens ordinaires, offrant un aperçu fidèle de la vie réelle entre le milieu du XIXe et le début du XXe siècle. Cependant, la grandeur d'Hopper allait au-delà de cela ; il a exploré et dévoilé le côté sombre de l'expérience humaine, révélant la psychologie de ses sujets. En conséquence, les personnes qu'il représentait, affligées par le malaise de l'époque, semblaient souvent isolées et déconnectées de leur environnement, qui était fréquemment caractérisé par la présence de lumières révélatrices récurrentes.
Chef-d'œuvre : La description ci-dessus sert d'interprétation à l'une des œuvres les plus connues du maître, Les Rôdeurs de nuit (1942), située dans un diner de New York tard dans la nuit, lorsque les rues sont désertes et que les quelques figures réunies, fatiguées et presque muettes, succombent à leurs pensées, réalisant leur solitude perpétuelle.
Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Huile, 73,7 cm × 45,7 cm.
Georgia O'Keeffe (1887–1986)
Biographie : Georgia Totto O'Keeffe était une peintre américaine dont le travail, largement indépendant des mouvements artistiques, accordait une attention particulière à la représentation des formes naturelles. Elle représentait souvent des fleurs et des paysages, certains qu'elle avait visités personnellement.
Style : Surnommée la "Mère du Modernisme Américain", O'Keeffe dirigeait son exploration artistique vers la transmission d'émotions qui se concrétisaient souvent dans l'abstraction du monde naturel, principalement sous la forme de gros plans hautement détaillés de différentes espèces de fleurs.
Chef-d'œuvre : L'une des œuvres les plus emblématiques de l'artiste est "Red Canna" (1924), une peinture qui démontre clairement son style unique, bien que dans ce cas, il soit dirigé vers une fleur fréquemment représentée dans son travail : le lis cannas. Alors qu'O'Keeffe justifiait son intérêt en disant qu'elle voulait montrer comment elle voyait ces plantes, de nombreux critiques les ont interprétées comme une allusion claire à la représentation intime de la forme féminine, une perspective que l'artiste elle-même a déclaré ne pas partager.
Grant Wood, American Gothic, 1930. Huile sur panneau de castor, 78 cm × 65,3 cm. Institut d'art de Chicago, Chicago.
6. Grant Wood (1891–1942)
Biographie : Grant DeVolson Wood était un peintre américain connu pour son association avec le Régionalisme, principalement reconnu pour ses peintures représentant les zones rurales du Midwest américain. Il est particulièrement célèbre pour la création de l'œuvre "American Gothic" (1930).
Style : Conformément au mouvement du Régionalisme, Wood a consacré sa carrière artistique à la représentation réaliste des sujets ruraux susmentionnés, les décrivant comme des témoins du dur labeur dans les champs. Cela a été réalisé en "citant" deux styles distincts : la clarté de l'art de la Renaissance du Nord et les lignes organiques et courbes du design Art déco. D'autres caractéristiques de l'œuvre de Wood comprennent l'utilisation de compositions formelles complexes et de perspectives souvent particulières, conçues pour captiver le spectateur. Cependant, derrière tout cela se cachait une intention critique spécifique, prête à dévoiler les maux de l'ère de la Grande Dépression.
Chef-d'œuvre : Revenons à la "American Gothic" mentionnée précédemment, une œuvre reconnue comme l'un des symboles par excellence de la peinture américaine du XXe siècle. Elle s'inscrit dans le genre des scènes de genre, évoquant en l'occurrence l'exemple de la Renaissance flamande de Jan Van Eyck. Cependant, Wood emprunte à ce dernier pour représenter, peut-être ironiquement, une paire de puritains, symbolisant une Amérique provinciale, inconnue, isolée et rétrograde, très éloignée des images plus populaires et exportées du "rêve américain".
Jackson Pollock, Autumn Rhythm: Number 30, 1950. Émail sur toile, 266,7 × 525,8 cm. RENCONTRÉ, New York.
7.Jackson Pollock (1912-1956)
Biographie : Le peintre américain Paul Jackson Pollock a été une figure fondamentale du mouvement de l'Expressionnisme abstrait, laissant une empreinte indélébile avec son utilisation distinctive de la technique de la peinture par égouttement.
Style : C'est précisément la technique de l'égouttement mentionnée précédemment, que l'artiste a commencé à utiliser à la fin des années 1940, qui a rendu célèbre le travail de Pollock. À travers cette technique, Pollock laissait la peinture goutter directement d'un tube ou d'une boîte de peinture sur une toile posée au sol. En suivant cette méthode, l'un des styles abstraits les plus radicaux de l'histoire de l'art a émergé, séparant de manière révolutionnaire la ligne de la couleur pour redéfinir le dessin, la peinture et l'espace pictural. Pour révéler le lien entre la technique et l'instinct, il est intéressant de noter que l'égouttement de Pollock découlait de l'impulsion naturelle de l'acte physique de peindre, permettant ainsi à l'œuvre d'art achevée de transmettre la puissance émotionnelle du geste.
Chef-d'œuvre : Rythme d'automne (numéro 30) (1950) ! Cette œuvre a été créée grâce à la présence d'une structure linéaire de peinture noire, sur laquelle ont été appliquées des bandes de peinture dans différentes couleurs, formant des lignes épaisses, fines, claires, sombres, droites, courbes, et bien plus encore. Comme l'indique le titre, elle évoque l'atmosphère de l'automne, notamment par ses tons terreux.
Roy Lichtenstein, Whaam !, 1963. Acrylique, huile, Magna, 1,7 mx 4 m. Tate Modern.
8.Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
Biographie : Roy Fox Lichtenstein était un artiste américain et une figure éminente du mouvement Pop art, qui a profondément influencé ses styles et ses sujets, aux côtés d'artistes tels qu'Andy Warhol, Jasper Johns et James Rosenquist.
Style : Roy Lichtenstein est principalement connu pour son style mature, qu'il a développé à partir des années 1960, fortement inspiré par le monde des bandes dessinées et réalisé grâce à la fusion de la reproduction mécanique et d'éléments dessinés à la main. Dans ce contexte, sa caractéristique stylistique la plus distinctive brille : l'utilisation des points de Ben-Day emblématiques, révélant comment le Pop art était prêt à filtrer tous les aspects de l'époque, de la publicité au cinéma et, notamment, aux bandes dessinées.
Chef-d'œuvre : "Whaam!" (1963), une peinture qui reproduit une vignette de bande dessinée où un avion de chasse américain abat un avion ennemi avec un missile. Conformément au langage unique de la bande dessinée, l'œuvre est enrichie d'une vignette mettant explicitement en avant les mots du pilote victorieux, tandis que le son de l'explosion est transmis par l'onomatopée "WHAAM!" Ce qui est décrit ici, cependant, n'est pas uniquement le produit de l'imagination de Lichtenstein, car le chef-d'œuvre de 1963 représente une adaptation artistique de la vignette de 1962 dessinée par le dessinateur de bandes dessinées Irv Novick, parue dans le numéro 89 de "All-American Men of War".
Andy Warhol, Campbell's Soup Cans, 1962. Polimero sintetico su tela, 51×41 cm. Musée d'Art Moderne, New York.
9.Andy Warhol (1928-1987)
Biographie : Andy Warhol est le maître ultime du Pop art, car il a exprimé les styles et les idéaux du mouvement non seulement à travers la peinture et la sérigraphie, mais aussi par le biais de la photographie, de la sculpture, du cinéma et de la musique (il a créé des pochettes de disques emblématiques).
Style : Les œuvres de Warhol, explorant principalement la relation entre l'expression artistique, la publicité et la culture des célébrités, abordent ces thèmes grâce à l'utilisation de couleurs vives et de sujets compulsivement répétés. Il visait à transformer les symboles d'une époque en icônes intemporelles, semblables à des divinités éternelles choisies par la société de consommation.
Chef-d'œuvre : "Campbell's Soup Cans " (1962), une installation composée de 32 tableaux représentant les boîtes de soupe Campbell homonymes. L'artiste l'a conçue pour documenter la sérialité industrielle des produits de supermarché, au point que l'agencement de ces sujets a été spécifiquement conçu pour reproduire leur présentation sur les étagères. La sérialité mentionnée précédemment n'est pas seulement présente dans le contenu du chef-d'œuvre, mais aussi dans son exécution, car "Campbell's Soup Cans " ont été créées à l'aide d'une technique de sérigraphie semi-mécanisée, mettant en avant le concept de la reproductibilité de l'œuvre d'art.
Basquiat, Sans titre, 1982. Acrylique, bombe aérosol et bâton d'huile sur toile, 183,2 cm × 173 cm.
10.Jean-Michel Basquiat (1960-88)
Biographie : Jean-Michel Basquiat était un artiste américain qui a commencé en tant qu'artiste graffiti et est devenu plus tard l'une des figures marquantes du Néo-Expressionnisme, un mouvement grâce auquel il a introduit le langage du graffiti des métros aux galeries d'art. Pourquoi Basquiat est-il souvent associé à Andy Warhol ? Il est important de souligner que c'est sa rencontre avec ce dernier qui a ouvert les portes des galeries renommées de New York au jeune artiste !
Style : L'art de Basquiat représente la rencontre de deux mondes distincts : celui du pinceau, et donc de la peinture au sens plus traditionnel, et celui de la bombe aérosol, porte-parole du langage distinctif du graffiti, principalement manifesté dans des dessins stylisés et des écrits. Cette combinaison génère un style expressif, parfois en partie abstrait, riche en références à la culture de l'époque de l'artiste, ainsi qu'en condamnations explicites du racisme et de l'inégalité sociale. Les riches et les pauvres, les noirs et les blancs, mais aussi l'exploration continue qui a poussé l'artiste à juxtaposer son monde intérieur avec celui extérieur, ce qui l'a conduit à s'affilier à l'expressionnisme, très intéressé par la figure humaine et les maux de son existence.
Chef-d'œuvre : Les aspects mentionnés ci-dessus se retrouvent dans "Sans titre (Basquiat skull painting)" (1982), une peinture représentant un crâne, similaire par son sujet à une œuvre créée par Basquiat seulement un an plus tôt, je fais référence à "Sans titre (skull)" (1981). Tous deux, en nous donnant une idée de ce qui se cache sous notre peau, semblent capables de transmettre les aspects intérieurs et extérieurs de la vie, leur permettant de coexister sur la toile.
Olimpia Gaia Martinelli