Sculpture et peinture : Modigliani et l'art africain

Vanessa Renoux, Sculpture de tête de femme épurée, 2020. Sculpture, 73 x 15 x 15 cm.

Modigliani le sculpteur contre Modigliani le peintre

De nombreux grands maîtres de l'histoire de l'art ont exprimé leur vision de la réalité en expérimentant à la fois la peinture et la sculpture, comme Pablo Picasso, Umberto Boccioni, Max Ernst, Edgar Degas, Joan Miró et d'autres. Malgré l'approche technique différente des deux disciplines, dans la plupart des cas où le même artiste s'est aventuré dans des projets multiples, il a souvent manifesté l'existence d'une vision univoque, bien définie et linéaire du monde, comme l'illustre le "cas" Modigliani. Pour s'en convaincre, il suffit de comparer Tête de femme (1912), l'une des sculptures les plus connues de l'artiste toscan, avec le célèbre chef-d'œuvre pictural intitulé  Elvire au col blanc (1917), en prenant également en considération une œuvre " à mi-chemin " entre ces deux techniques, comme la cariatide Buste rouge (1913). En ce qui concerne la sculpture datée de 1912, il est important d'ouvrir une petite parenthèse, destinée à souligner comment, entre 1911 et 1913, l'artiste de Livourne s'est principalement consacré à la sculpture, inspiré par l'exemple du Roumain Brancusi, un maître qu'Amedeo a rencontré à Paris. Malgré la prédilection de Modigliani pour ce dernier art, il ne put s'y consacrer que pendant la période susmentionnée, car les poussières produites lors de la création des sculptures étaient délétères pour sa tuberculose. Pour en revenir à la Tête de femme, l'œuvre, comme la plupart des sculptures de l'artiste, a pu être anticipée par l'exécution d'un dessin préparatoire, probablement constitué de lignes nettes et incisives, qui, principalement symétriques, seraient en partie associées à des traits stylistiques architecturaux. Après la conception, le matériau sculptural était généralement travaillé par l'artiste Livournais afin de générer des solutions étudiées qui, réalisées avec une coupe nette, étaient clairement en désaccord avec la technique de moulage plus répandue. Décrivant brièvement les caractéristiques stylistiques du chef-d'œuvre susmentionné, qui se rapportent à l'œuvre en grès de Modigliani en général, Tête de femme présente un visage effilé apparemment inachevé, car esquissé sur une surface non polie, sur lequel se détachent un nez fin, des yeux ovales sans pupilles, un menton étroit et un cou mince et cylindrique.

Amedeo Modigliani, Tête de femme, 1912. Sculpture, 68,3 × 15,9 × 24,1 cm. MET : New York.

Amedeo Modigliani, Elvire au col blanc (Elvire à la collerette), vers 1917. Huile sur toile, 92 x 65 cm. Paris : Collection Jonas Netter. 

De tels traits stylistiques caractérisent également la série des Caryatides, qui, produite à partir de 1912, explore le thème classique susmentionné en recourant à l'art sculptural et pictural. En fait, c'est précisément le Buste rouge de 1913, réalisé par l'application de peinture à l'huile sur du carton, qui révèle un lien profond entre les deux techniques, qui se traduit par la figure stylisée, synthétique et frontale du protagoniste, dont le visage et le cou sont extrêmement allongés. En ce qui concerne un chef-d'œuvre ultérieur, le lien entre la création picturale et la création sculpturale est répété dans Elvire au col blanc (1918), un portrait à l'huile d'une jeune femme qui, assise au milieu d'une pièce, est capturée alors qu'elle s'efforce de fixer le spectateur de ses yeux aveugles. C'est précisément dans ce contexte qu'apparaissent à nouveau les visages stylisés et effilés du maître italien, qui s'est efforcé de générer un nouveau canon de beauté. À ce stade, une question se pose : de quoi les caractéristiques stylistiques particulières de Modigliani se sont-elles inspirées ? L'artiste de Livourne a su donner une voix à ce "vent" d'influences africaines qui, après s'être répandu dans le Paris de son époque, a également animé des maîtres comme Picasso et Brancusi, qui ont "exemplifié" leurs caractéristiques stylistiques, en s'inspirant de points de vue exotiques plus synthétiques et primitifs. En conséquence, les visages allongés et stylisés d'Amedeo peuvent être interprétés comme une sorte de "mise à jour" des masques africains plus traditionnels, auxquels s'ajoutent des exemples de l'art cycladique, sumérien, égyptien et grec cher à la Toscane. 

Claude Grand, Hélène, 2019. Acrylique sur toile, 70 x 50 cm.

Daniel Gomez, Hommage à Modigliani #1, 2021. Béton sur autre support, 58 x 21 x 18 cm / 18,00 kg.

Focus : les influences de l'art africain 

À la fin du XIXe siècle, la rationalité du positivisme a été remplacée par une volonté de mettre l'accent sur un retour plus authentique à la spiritualité, au symbolisme et aux manifestations profondes de l'âme humaine. Ce contexte esthétique et philosophique a profondément impressionné les artistes de l'École de Paris qui, comme Picasso, Modigliani et Matisse, ont identifié dans l'art exotique un moyen d'exprimer un retour à une spiritualité et une introspection plus authentiques. Par conséquent, l'africanisme et l'exotisme en général ont été promus par ces derniers, qui les considéraient pour la première fois comme d'authentiques formes d'expression artistique, loin d'être de simples œuvres de cultures à coloniser. Il est certain que cette importante innovation des canons esthétiques a été favorisée par le contact des artistes avec l'institution du XIXe siècle qu'était le musée du Trocadéro, où étaient conservés les masques africains tant célébrés par Picasso. Bien qu'il soit évident que l'art africain a joué un rôle fondamental dans le développement de la culture figurative occidentale, ce qui se manifeste également dans des mouvements ultérieurs tels que le modernisme et Die Brücke, sa fonction est encore peu connue et appréciée. Afin de rendre hommage à cet important primitivisme, il convient plutôt de souligner l'impact que l'africanisme de Modigliani exerce encore sur des artistes d'Artmajeur comme Sibilla Bjarnason, Helen She et Anna Zhuleva.

Sibilla Bjarnason, Modigliani revisité, 2018. Collage / acrylique sur toile, 99 x 81 cm.

Sibilla Bjarnason : Modigliani revisité

La sensualité réside, plus que dans un corps nu, dans la possibilité de l'imaginer comme tel, en se référant à toutes ces caractéristiques qui, dans notre conception personnelle de la beauté, nous attirent. La fascination est également conférée par l'observation d'une simple bande de peau nue, qui peut inciter l'observateur à poursuivre, dans sa tête, l'histoire de la façon dont on se déshabille. Ces concepts semblent animer avec érotisme la langoureuse figure féminine immortalisée par le pinceau de Sibilla Bjarnason, une artiste qui, dans le titre même de l'œuvre, fait clairement référence à Amedeo Modigliani, le couronnant comme point de référence de sa recherche figurative. En effet, dans le personnage de l'artiste d'Artmajeur, une réinterprétation du Nu assis sur un canapé, une huile du maître toscan réalisée en 1917, est évidente. En outre, précisément sur le thème du corps féminin, il est important de rappeler comment la première exposition personnelle d'Amedeo, datée de 1917, présentait des nus féminins. En effet, l'événement, organisé par le marchand d'art Léopold Zborowski dans les vitrines de la galerie de Berthe Weill, a vu l'exposition de plusieurs corps féminins dévêtus qui, décidément loin des canons conventionnels de l'époque, ont suscité l'indignation la plus générale. Ce sentiment a culminé avec l'arrivée de la police, qui a demandé à Weil de baisser les volets parce que les femmes représentées avaient, de manière inexcusable pour l'époque, des poils sur le corps.

Helen She, Pop Modigliani, 2021. Acrylique / marqueur / collage sur toile, 50 x 70 cm.

Helen She : Pop Modigliani

Le mythe Modigliani est également ravivé dans l'œuvre d'Helen She, où les éléments stylistiques Pop du remake daté de 2021 transforment un chef-d'œuvre connu de l'histoire de l'art, tel que Nu couché (sur le cote gauche) (1917), en l'image plus commerciale d'une "soubrette" sinueuse de notre époque. Il est probable que la simplification subie par le protagoniste de Pop Modigliani, qui fait peut-être allusion à la haute capacité moderne de reproduction des images, vise également à célébrer une "accessibilité" plus facile et plus rapide aux icônes du monde de l'art. En fait, Nu couché (sur le cote gauche) est connu pour être le plus grand nu de femme réalisé par Modigliani, un maître qui s'est donné à fond dans la représentation de la conscience féminine, en évitant l'illustration plus simple de simples muses. Malgré l'intensité des nombreuses figures féminines attribuées à Amedeo, la seule femme avec laquelle l'artiste a eu un lien plus durable est Jeanne Hebuterne, qui, étant " possédée " par le cœur de l'Italien, n'est jamais apparue dévêtue. Il est donc impossible d'imaginer la compagne d'Amedeo dans la pose provocante du modèle de Nu couché (sur le cote gauche), dont le "manque de scrupules" est également illustré par le regard intense qu'elle jette au spectateur. 

Anna Zhuleva, Portrait Pop art Modigliani, 2020. Acrylique sur toile, 80 x 60 cm.

Anna Zhuleva : Portrait pop art Modigliani

Les caractéristiques stylistiques du Pop art réinterprètent, à travers leurs fonds typiques et étendus de couleurs vives, un autre chef-d'œuvre de l'histoire de l'art d'Amedeo Modigliani, dont le sujet est Jeanne Hébuterne, la femme qu'il aimait le plus. Le portrait au chapeau en question, daté de 1918, fait partie d'une série d'œuvres consacrées à sa compagne, une muse qu'Amedeo a représentée de diverses manières, mais toujours dans le but de la faire apparaître comme une figure intemporelle au visage allongé et au regard mélancolique. L'intention de l'artiste italien est d'élever cette femme à l'idéal de la beauté féminine par excellence, à tel point qu'à certaines occasions, il permet même au spectateur de découvrir ses pupilles. On sait que Modigliani, en réalité, ne complétait que les yeux de ceux dont il connaissait l'âme, de sorte que le fait de "voir" Jeanne nous permet de comprendre la profondeur de leur lien. Malheureusement, cette intensité se traduira par une tragédie car, après la mort d'Amedeo, la femme, âgée de seulement vingt-deux ans et enceinte, se jettera du cinquième étage d'un immeuble, incapable de supporter la séparation du plus grand et seul amour de sa vie.