Nataliya Bagatskaya, "Lisa visitant Mondrian-3" , 2021. Acrylique / laque sur toile, 60 x 60 cm.
Antonella Preti, Dreaming of Bauhaus , 2020. Acrylique sur tissu, 60 x 60 cm.
L'interprétation d'une œuvre d'art abstraite est, pour le spectateur, plus complexe et moins intuitive que son pendant figuratif, à tel point que si l'on regarde un portrait, grâce aussi aux informations tirées de son titre même, il est possible de comprendre, à la fois l'identité de l'effigie, et sa relation avec l'artiste, une raison souvent derrière la création du chef-d'œuvre lui-même. Au contraire, pour apprécier une peinture abstraite au niveau le plus profond et le plus notionniste, il convient de la documenter et de l'étudier plus en profondeur, afin de se familiariser avec son contexte historique-artistique d'appartenance et le processus de création, qui a généré elle, le résultat de la vision personnelle de l'artiste-artiste sur le monde. Ce qui vient d'être dit se retrouve dans l'analyse de la Composition avec du rouge, du jaune et du bleu (1929) de Piet Mondrian, pour beaucoup « blasphématoire », une simple représentation de formes géométriques en couleur. En réalité, le chef-d'œuvre de 1929 raconte une histoire beaucoup plus profonde, puisqu'il est le résultat d'une quête linguistique, que le maître hollandais mena à partir de 1907 environ, époque où, s'étant approché de la discipline spirituelle de la Théosophie, en adopta les principes philosophiques, aspirant à l'union de l'universel et de l'individuel, de l'intérieur et de l'extérieur, à travers la conception de compositions chromatiquement et formellement de plus en plus essentielles et équilibrées. En effet, Composition avec du rouge, du jaune et du bleu , dont le style populaire, si cher aux designers, a été conçu dans l'entre-deux-guerres, présente une répartition soignée de lignes verticales et horizontales, disposées sur le support afin d'obtenir des fonds carrés et rectangulaires de taille harmonieuse, au sein desquels les trois couleurs primaires font allusion à une symbolique précise : le jaune est lié à l'énergie solaire, le rouge représente l'union de la lumière et de l'espace, et le bleu est associé à la sphère spirituelle. Dans ce contexte, l'équilibre universel auquel aspire l'artiste est bien représenté par le grand carré blanc, qui, en haut, à droite du support, est harmonisé par la présence des figures géométriques colorées précitées, qui sont disposés dans les coins différents et opposés de la toile. Après cette brève description, il est possible de comprendre les œuvres "relatives" créées par le même maître, qui peuvent être placées dans un laps de temps allant, grosso modo, des années 1920 aux années 1930. Par la suite, dans des œuvres telles que Tableau I : Losange avec quatre lignes et gris , le style géométrique du maître évolue pour se concentrer davantage sur l'exploration du potentiel de la figure en losange en forme de losange, qui, en déplaçant l'orientation plus classique de la toile, donne les lignes y renfermaient l'apparence d'une extension plus grande et indéfinie. Enfin, à partir des années 1940, l'artiste, alors littéralement enchanté par la vitalité de la ville new-yorkaise, lieu intensément vécu au rythme de la musique jazz, atteint la phase finale de son œuvre, marquée par la répartition asymétrique de couleurs vives carrés placés dans des lignes jaunes, visant à synthétiser le rythme de ladite métropole, comme cela se produit dans Broadway Boogie-Woogie (1942-43). New York City 1 est également représentative de cette période, une peinture de 1941 qui a récemment fait l'objet d'une grande attention médiatique, car elle a été exposée à l'envers pendant plus de soixante-quinze ans au Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen à Düsseldorf, en Allemagne. Cette découverte, qui porte la signature de l'artiste italien Francesco Visalli, démontre amplement la thèse défendue ci-dessus : l'interprétation d'une peinture abstraite s'avère, aujourd'hui encore, plus complexe et laborieuse que celle d'une œuvre figurative.
Dr. Matthias Kerling, Selfsimilar Mondrian squares , 2022. Art numérique sur papier, 50 x 50 cm.
Harouna Andre Guillabert Gacko, Ours Mondrian Pop art , 2022. Sculpture, résine / laque sur autre support, 45 x 35 x 23 cm / 1,00 kg.
Piet Mondrian : origines post-impressionnistes, luministes et cubistes.
Le maître hollandais est surtout connu pour l'investigation artistique précitée de nature néo-plasticienne, bien qu'un tel point de vue n'ait été atteint par lui qu'à travers une longue et laborieuse recherche "identitaire", qui ne se limitait pas à être le résultat d'orientations purement philosophiques, car il a été déterminé par un processus cognitif graduel, prenant place dans la connaissance préliminaire et la pratique de certains courants figuratifs antérieurs, tels que le postimpressionnisme, le luminisme et le cubisme. Concernant le premier mouvement, Mondrian a été largement influencé, à l'aube du XXe siècle, par le travail de Kees van Dogen, Otto van Rees et Jan Sluijters, des postimpressionnistes qui ont utilisé la couleur de manière audacieuse, s'inspirant fortement du travail de Vincent Van Gogh. L'expérimentation de l'artiste néerlandais, à l'instar des maîtres précités, peut se résumer par l'esquisse rapide de 1907, qui, intitulée The Red Cloud , est marquée par une forte expressivité chromatique. Ce point de vue a été enrichi par sa rencontre avec Jan Toorop, représentant hollandais du luminisme, dont la recherche artistique, tendant vers la réalisation de la lumière à travers une série de points ou de lignes courtes de couleurs primaires, a enchanté Mondrian, qui, probablement dès cette époque, s'est largement intéressé à l'utilisation des chromatiques susmentionnés. Après la période luministe et l'influence spirituelle de la théosophie, le maître devient si proche de l'exemple de Paul Cézanne et des peintres cubistes qu'il s'installe en 1912 dans la capitale française afin de suivre de plus près l'œuvre de Picasso et de Braque. Cependant, les préceptes du cubisme dans l'œuvre de Mondrian étaient épuisés au moment de son retour dans son pays natal, c'est-à-dire vers 1914, lorsqu'il porta le style susmentionné à ses extrêmes limites, pour finalement l'épuiser avec la fondation du De Stijl mouvement (1917).
Cécile Duchêne Malissin, Hommage à Mondrian , 2015. Peinture, pastel / crayon sur toile, 30 x 30 cm.
Cécile Duchêne Malissin : Hommage à Mondrian
La peinture de Malissin représente un hommage explicite au travail du luministe Mondrian, qui a précisé son évolution stylistique progressive vers le néoplasticisme précisément à travers la succession de chefs-d'œuvre ayant pour sujet des arbres, faisant partie d'une série du même nom créée entre 1908 et 1912. En particulier, le "réalisme" du travail de l'artiste Artmajeur "retracerait" celui de Red Tree , une peinture d'environ 1908, dans laquelle Mondrian a commencé son processus de synthèse du langage visuel formel par l'élimination du pictorialisme traditionnel, rendu par la conception d'une composition essentielle, dans laquelle un arbre, parfaitement au centre du support, est encadré par le rectangle de la toile. De plus, la simplification recherchée par l'artiste s'étend aux couleurs, de sorte qu'il se limite à l'utilisation de nuances de bleu, de noir, de rouge et de jaune. En même temps, malgré le « minimalisme », les éléments du récit restent fidèles à la donnée réelle, si bien que la ligne idéale d'un horizon bas et le ciel sur lequel se détache l'arbre avec son tronc et ses branches peuvent être entrevu. Ce sont précisément ces dernières particularités qui confèrent à l'œuvre des traits stylistiques comparables à l'œuvre de Vincent van Gogh, avec qui Mondrian partage une riche interprétation émotionnelle des formes.
Emmanuel Passeleu, Avion Mondrian , 2022. Photographie numérique, 50 x 50 cm.
Emmanuel Passeleu : Avion Mondrian
La photographie numérique de Passeleu documente la grande récurrence présentée par les traits stylistiques néo-plastiques de Mondrian dans le langage architectural du XXe siècle et contemporain. En fait, en regardant le travail de l'artiste Artmajeur, il est possible de rappeler certains bâtiments cultes qui ont été réalisés avec les géométries colorées susmentionnées, comme, par exemple, la maison Schröder de Gerrit Rietveld (1924, Utrecht), Charles et Ray Eames Case Study House No.8 (1949) et le bâtiment de l'hôtel de ville de La Haye du Studio VZ (2017). Dans le premier cas, la résidence privée s'avère être le premier exemple d'architecture, destiné à évoquer les motifs stylistiques de Mondrian, bien qu'en réalité, il s'agisse de l'œuvre de Gerrit Rietveld, un maître de l'architecture néo-plastique, influencé par le même concepts qui ont inspiré le créateur de Broadway Boogie-Woogie. En effet, les façades de la Maison Rietveld Schröder prennent la forme d'un agglomérat de plans et de lignes dont le chromatisme comporte de fréquentes références aux trois couleurs primaires chères à Mondrian : le rouge, le jaune et le bleu. Parlant au lieu de Case Study House No.8, une telle structure prototypique et préfabriquée, distinguée par les plans et les grilles abstraits de Mondrian, représente le fruit typique de la période de boom économique (1949), une époque où le "modèle" du maître hollandais commençait à être reproduit de manière "consumériste". Enfin, en parlant d'actualité, il est bon de faire savoir à quel point la popularité de Mondrian est restée inchangée dans le monde de l'architecture, puisqu'en 2017, pour célébrer le centenaire de De Stijl, l'hôtel de ville de La Haye a été décoré des couleurs primaires typiques du maître hollandais.
Michael Cheung, Composition avec rétro rouge, bleu et jaune , 2022. Acrylique sur toile, 60 x 60 cm.
Michael Cheung : Composition avec rétro rouge, bleu et jaune
L'œuvre de l'artiste Artmajeur Cheung réutilise, dans une version figurative, l'un des chefs-d'œuvre néo-plastiques les plus célèbres de Mondrian, Composition avec du rouge, du bleu et du jaune (1930). En fait, dans cette version originale et unique de la toile susmentionnée, les géométries du maître hollandais ont généré un intérieur, dans lequel il y a non seulement les murs et un objet jaune, disposés au premier plan à gauche, mais aussi la figure d'un femme, dont l'identité reste dissimulée derrière une chevelure épaisse, qui s'arrange sur des robes rouges raffinées et élégantes. Dans ce nouveau contexte, l'œuvre prend des significations inédites, s'associant aux représentations plus typiques d'intérieurs avec des personnages, visant à nous immerger dans la vie privée des gens. En parlant du chef-d'œuvre de Mondrian, cependant, la peinture de 1930 comprend l'utilisation chromatique du rouge, du bleu, du jaune, du blanc et du noir, les rassemblant dans une composition réduite aux formes rectilignes les plus simples du carré et du rectangle, qui sont définies par des lignes verticales et horizontales. Un tel langage est désigné par l'artiste lui-même comme "composition", comme l'organisation de formes abstraites et asymétriques sur la toile, concrétise la synthèse des forces universelles.
Olimpia Gaia Martinelli
