Le surréalisme est un mouvement artistique et culturel qui a émergé au début du XXe siècle, avec pour objectif principal de libérer l'imagination en transcendant les limites de la réalité rationnelle. Officiellement fondé en 1924 par André Breton avec la publication du Manifeste du surréalisme , le mouvement se concentre sur l'exploration de l'inconscient, des rêves et de l'irrationnel. L'objectif est de remettre en question les conventions de la logique, de la morale et de la réalité tangible, pour atteindre une vérité supérieure cachée sous la surface de la conscience.
Les artistes surréalistes, dont Salvador Dalí, René Magritte et Max Ernst , ont développé des techniques comme l'automatisme, qui permettaient une expression libre sans le contrôle de la raison. De plus, ils sont connus pour créer des scènes oniriques et paradoxales capables de défier le bon sens. Le résultat ? Une forme d'art intrigante et souvent énigmatique qui invite le spectateur à réfléchir aux mystères de la psyché humaine.
Et si je vous disais que 2024 marque le centenaire du surréalisme ? Oui, cent ans de rêves visionnaires et de mondes impossibles ! Dalí lui-même, avec un de ses regards follement génial, répéterait sans doute sa phrase iconique : « La seule chose dont le monde n’aura jamais assez, c’est l’exagération. » Et quelle meilleure occasion d’exagérer que celle-ci ? Les institutions culturelles les plus prestigieuses – des États-Unis à l’Italie, en passant par l’Allemagne et la France – préparent une série d’expositions époustouflantes. Ce ne sera pas seulement un hommage au passé, mais la preuve que le surréalisme ne meurt jamais, car l’excentrique vit et respire plus que jamais dans le langage visuel contemporain, où l’incroyable et l’inattendu font toujours partie de notre imaginaire quotidien.
Mais un événement en particulier a poussé Artmajeur à s’associer aux célébrations du centenaire du surréalisme. Vous êtes curieux de savoir de quoi il s’agit ? Un indice : il est au cœur de la troisième édition d’ Art Basel Paris et promet de transformer l’expérience artistique comme jamais auparavant. Il s’agit d’ Oh La La ! , une nouvelle initiative qui invite les galeristes à réorganiser leurs expositions en mettant en avant des œuvres inédites ou rarement vues, créant ainsi une expérience totalement inédite pour les visiteurs. Au Grand Palais , Oh La La ! proposera un parcours ludique et dynamique à travers les stands, permettant aux participants de redécouvrir l’art sous un nouveau jour : les œuvres exposées exploreront des thèmes tels que l’amour, l’érotisme et surtout le surréalisme.
A l’occasion du centenaire, Artmajeur présente une sélection de dix œuvres moins connues des peintres surréalistes les plus populaires, offrant au public l’opportunité d’aller au-delà des chefs-d’œuvre habituels de Dalí et Magritte . L’objectif n’est pas de célébrer les toiles les plus emblématiques mais plutôt d’offrir une véritable opportunité d’exploration plus approfondie, permettant aux visiteurs de découvrir les aspects moins explorés du surréalisme et de dépasser sa perception la plus commune et dominante. Prêts à célébrer ?
Salvador Dalí, Cabaret Scene, 1922. Huile sur toile, Collection particulière de François Petit, Paris.
1. Salvador Dalí, "Cabaret Scene", 1922
Quelqu’un a parlé de fête ? Rien de mieux que de se plonger dans un cabaret animé, où les figures et les objets semblent danser ensemble dans un mélange complexe de formes et de couleurs. Dans le monde parallèle et fictif de l'art, tout cela peut être simplement contemplé en observant le chef-d'œuvre de Salvador Dalí, "Cabaret Scene" de 1922, qui capture l'atmosphère vivante et chaotique d'une soirée mondaine. En effet, le maître catalan a représenté une scène pleine de personnages assis autour de tables, engagés dans des conversations et des activités qui semblent se fondre les unes dans les autres. Les visages apparaissent comme des masques, "abstraits," presque dépourvus de détails distinctifs, tandis que des objets comme des bouteilles sont éparpillés parmi les figures, créant un chevauchement entre les éléments concrets et les formes géométriques. Dans ce "chaos" figuratif, chaque table semble être une petite île d'action, encapsulant des fragments de la vie quotidienne, où la disposition fragmentée de la scène rappelle fortement l’influence du cubisme. Cependant, une aura omniprésente de mystère et d’imprévisibilité préfigure déjà le surréalisme à venir.
Il est clair qu’en 1922, Dalí cherchait à explorer de nouveaux langages visuels, influencé par l'œuvre de Pablo Picasso, avec qui il partageait un intérêt pour le cubisme. De plus, le jeune Espagnol était encore en quête de son propre style personnel à l’époque, ce qui amène les historiens de l’art à situer "Cabaret Scene" à mi-chemin entre les influences impressionnistes et le développement ultérieur du surréalisme. Où peut-on alors reconnaître ses premiers pas vers ce dernier mouvement ? Dans ce chef-d'œuvre, Dalí commence à s’éloigner de la logique cubiste, qui se concentre sur la représentation de la réalité par la fragmentation et l’analyse géométrique des formes. Les figures de Dalí ne sont plus des représentations réalistes de personnes, mais deviennent des symboles fragmentés, placés dans un contexte davantage mental et imaginatif. Ce détachement du monde tangible est l'un des indices signalant son approche du surréalisme, commençant à représenter une vision intérieure, presque inconsciente, qui préfigure les compositions oniriques et les paysages surréalistes qui domineront sa production artistique ultérieure.
Joan Miró, Tête d'un paysan catalan, 1925. Technique de peinture à l'huile et crayons de couleur. Galleria Nazionale di Scozia, Édimbourg.
2. Joan Miró, « Tête de paysan catalan », 1925.
Joan Miró a une fois déclaré : "J'ai du mal à parler de ma peinture, car elle naît toujours dans un état hallucinatoire, déclenché par n'importe quel choc, qu'il soit objectif ou subjectif, et sur lequel je n'ai aucun contrôle. Quant à mes moyens d'expression, je m'efforce de plus en plus d'atteindre le plus haut degré de clarté, de puissance et d'agressivité plastique, c'est-à-dire de provoquer d'abord une sensation physique, pour ensuite atteindre l'âme."
En effet, l'artiste espagnol est connu pour son style unique, à la croisée du surréalisme et de l'abstraction, où des formes biomorphiques, des signes géométriques et des objets abstraits ou semi-abstraits surgissent, reflétant son expérimentation continue et une tendance marquée vers l'art non figuratif. Miró explorait le subconscient comme un "terrain de jeu" pour l'imagination, où son identité catalane et son désir de liberté trouvaient souvent une expression.
Cela se manifeste dans "Tête de paysan catalan" (1925), conservée à la National Gallery of Scotland, qui présente une composition symbolique et abstraite représentant un paysan catalan. Le tableau est dominé par un grand chapeau rouge, connu sous le nom de barretina, traditionnellement associé à la culture agricole espagnole. En dessous, des éléments stylisés comme une barbe serpentine et deux yeux circulaires émergent sur un fond bleu ciel délicatement ombré. Malgré cette simplicité formelle, la figure dégage un fort sentiment d'identité et de lien avec la terre natale de l'artiste. "Tête de paysan catalan" illustre clairement le passage de Miró vers une abstraction croissante, s'éloignant du cubisme pour adopter un langage surréaliste caractérisé par une palette limitée mais puissante, où le bleu du ciel met en valeur les formes stylisées, évoquant un sentiment de vide et de mystère. Ce tableau anticipe également les thèmes de l'automatisme et de la synthèse qui domineront une grande partie de l'œuvre ultérieure de Miró.
Fait intéressant :
- Bien que souvent associé au surréalisme, Miró n'a jamais complètement adhéré à la non-objectivité totale, conservant toujours un lien avec des formes reconnaissables qu'il combinait avec un langage visuel profondément personnel.
- “Tête de paysan catalan” fait partie d'une série de quatre tableaux réalisés entre 1924 et 1925, dans lesquels Miró explore la figure du paysan catalan comme symbole de son identité et de ses racines culturelles.
Max Ernst, Aquis Submersus, 1919. Huile sur toile. Städelsches Kunstinstitut et Städtische Galerie, Francfort.
3. Max Ernst, "Aquis Submersus", 1919
"La peinture n'est pour moi ni un divertissement décoratif, ni l'invention plastique d'une réalité ressentie ; elle doit être à chaque fois : invention, découverte, révélation." Cette citation de Max Ernst introduit parfaitement son tableau de 1919, "Aquis Submersus", où la peinture devient un moyen d'exploration intérieure et un défi aux conventions artistiques traditionnelles.
Dans "Aquis Submersus, Ernst crée un espace suspendu entre la réalité et le rêve, situé dans une piscine entourée de bâtiments aux contours flous, dessinés à la main. Ces structures projettent des ombres ambiguës sur un ciel solide, évoquant une scène irréelle. Une horloge flotte dans ce ciel, se reflétant dans l'eau comme une lune, défiant ainsi les règles de la logique et de la physique visuelle. Au centre de la piscine, on aperçoit le corps inversé d'une figure féminine, dont seules les jambes émergent de l'eau, créant une sensation de plongée ou de noyade.
Au premier plan, une silhouette sans bras, semblable à une statue d'argile, projette une ombre vers le bassin. Cette figure, dont la moustache rappelle celle du père d'Ernst, détourne le regard de l'eau, ajoutant un mystère supplémentaire à la scène. Ernst maîtrise ainsi l'art de captiver le spectateur dans un état de suspension, entre vie et mort, entre le réel et l'onirique.
Curiosité :
- Ce tableau reflète l'influence de l'art métaphysique italien, notamment celui de Giorgio de Chirico, avec son talent pour créer un sentiment d'aliénation à travers des scènes statiques et surnaturelles. Cependant, même à cette étape précoce de sa carrière, on perçoit déjà des accents surréalistes dans l'œuvre d'Ernst, qui deviendra bientôt l'un des pionniers du mouvement surréaliste.
- Ernst était profondément influencé par les théories de Sigmund Freud, et la figure submergée ou noyée dans le tableau peut être interprétée comme une exploration psychologique où l'eau symbolise souvent le subconscient, l'immersion dans les couches profondes de l'esprit.
René Magritte, La durée poignardée, 1938. Huile sur toile. Art Institute of Chicago, Chicago.
4. René Magritte, « La durée poignardée », 1938.
« Si le rêve est une traduction de la vie de veille, alors la vie de veille est aussi une traduction du rêve. » Cette citation de René Magritte résume parfaitement la vision onirique et paradoxale qui imprègne son œuvre "La Durée poignardée" (1938), connue en anglais sous le nom Time Transfixed. L'artiste, célèbre pour son exploration du mystère dans le quotidien, nous introduit dans un monde où rêve et réalité se mêlent, défiant ainsi la perception du spectateur.
Le chef-d'œuvre représente une locomotive émergeant d'une cheminée dans une salle à manger bourgeoise sereine. Le train, de taille miniature par rapport à la cheminée, est dépeint en train de traverser à toute vitesse le foyer, comme s'il sortait d'un tunnel ferroviaire. Le contraste entre l'énergie dynamique de la locomotive et l'immobilité de la pièce est accentué par des éléments statiques tels que l'horloge et les chandeliers qui décorent la cheminée. Le sol est recouvert de parquet, tandis qu'un grand miroir au-dessus reflète partiellement les objets de la pièce.
Le style de Magritte se caractérise généralement par un réalisme extrêmement détaillé, où chaque élément est représenté avec une précision presque photographique. Cependant, le mystère de l'œuvre réside dans son paradoxe : la locomotive, normalement associée à l'extérieur et à la vitesse, apparaît à l'intérieur d'une pièce, dans un espace clos, rompant ainsi les lois de la physique et de la logique. Magritte utilise cette « crise de l'objet », où des objets communs et familiers sont déracinés de leur contexte habituel et placés dans des situations étranges, afin de créer une scène mystérieuse et inexplicable. Ainsi, "La Durée poignardée" incarne l'essence de la poétique surréaliste de René Magritte : révéler le mystère caché dans les choses familières, créer une nouvelle réalité où rêve et veille se confondent, et où les objets ordinaires deviennent porteurs de significations cachées.
Yves Tanguy, Maman, papa est blessé !, 1927. Huile sur toile. Museum of Modern Art, New York.
5. Yves Tanguy, "Les Amoureux", 1929
« Le tableau se développe sous mes yeux, déployant ses surprises au fur et à mesure de son évolution. C'est ce qui me donne cette sensation de liberté totale, et c'est pourquoi je suis incapable de former un plan ou de faire une esquisse au préalable. » Ces mots d'Yves Tanguy décrivent parfaitement sa vision créatrice, un processus spontané qui reflète le flux libre et imprévisible de l'inconscient, principe clé du surréalisme.
C'est par ce même procédé qu'est né "Les Amoureux" (1929), une œuvre qui présente une scène onirique, dominée par un arrière-plan flou de verts, rappelant un paysage sous-marin. Dans ce contexte, les figures principales, amorphes et abstraites, semblent flotter dans une dimension suspendue, comme si elles appartenaient à un monde aquatique étranger ou à une terre déserte et immobile. Ces personnages, placés près d'un plan presque plat, sont distribués de manière aléatoire, isolés ou regroupés, évoquant une atmosphère oscillant entre rêve et cauchemar. Au premier plan, une structure élancée, semblable à un tronc ou à une figure humanoïde, se détache, tandis qu'à l'arrière-plan, d'autres éléments indéfinis semblent flotter ou grimper vers un ciel indistinct.
Le tableau reflète ainsi le style distinctif de Tanguy, connu pour sa capacité à créer des paysages surréalistes, mais incroyablement réalistes, avec des formes précises et définies, souvent inspirées par les paysages rocheux de Bretagne.
Frida Kahlo, Mes grands-parents, mes parents et moi, 1936.
6. Frida Kahlo, « Mes grands-parents, mes parents et moi », 1936
« Je ne sais pas vraiment si mes peintures sont surréalistes ou non, mais je sais qu'elles représentent l'expression la plus sincère de moi-même. » Avec ces mots, Frida Kahlo saisit l'essence de son œuvre : la pure manifestation de son identité, de sa douleur et de son histoire personnelle. Dans le tableau "Mes grands-parents, mes parents et moi", l'artiste se représente comme une enfant nue, tenant un ruban rouge formant une boucle, symbole de sa lignée et de ses ancêtres. Ce ruban soutient son arbre généalogique, qui plane au-dessus d'elle comme une série de « ballons suspendus ».
Dans cette composition complexe, Kahlo se place au centre d'une toile symbolique de famille et d'identité : au-dessus d'elle, reposant sur des nuages moelleux, se trouvent ses grands-parents — mexicains d'un côté et allemands de l'autre —, chacun positionné de manière à refléter leurs racines géographiques et culturelles. Sa mère, portant la future Frida, et le père de l'artiste sont représentés au centre du tableau, avec leurs corps légèrement superposés. Sous le fœtus, un groupe de spermatozoïdes nage vers un ovule, évoquant la future naissance de l'artiste. Enfin, un cactus fleuri sous l'ovule fécondé sert de symbole supplémentaire de la naissance, un thème récurrent dans l'œuvre de Kahlo.
Le style de "Mes grands-parents, mes parents et moi" reflète clairement l'approche de Kahlo qui utilise l'art comme un moyen d'explorer son identité et ses racines. Pour ce faire, Frida mélange des éléments de l'art populaire mexicain, du symbolisme catholique et du réalisme magique, créant une œuvre à la fois chronique familiale et méditation sur l'identité et la condition féminine. Il convient également de noter que, bien qu'elle ait souvent été associée au surréalisme, Kahlo ne s'est jamais formellement identifiée au mouvement, même si elle a fréquemment utilisé des images tirées des rêves et de l'imagination.
AndréMasson, L'Enfantement, 1955.
7. André Masson, "L'Enfantement", 1955.
Dans ce tableau, André Masson construit une scène surréaliste et onirique, peuplée de formes semi-abstraites qui semblent se mouvoir librement sur un fond bleu-vert intense. Les lignes sinueuses et fluides qui façonnent les figures suggèrent une énergie presque cosmique, comme si toute la composition était plongée dans un mouvement continu et sans limites. Au-dessus de ces figures biomorphiques, des étoiles et des lignes courbes tracent une connexion entre le ciel et la terre, évoquant une narration mythologique ou astrale.
Masson est en effet l'un des pionniers du surréalisme et des techniques automatiques, reconnu pour sa capacité à puiser dans l'inconscient tout en expérimentant formellement. Les figures synthétiques du tableau reflètent son intérêt pour l'abstraction organique et la métamorphose, des thèmes centraux dans sa production artistique. De plus, sa technique de dessin automatique, clairement visible ici, lui permet d'explorer la spontanéité du geste et du trait, créant des images qui semblent émerger directement du subconscient.
L'analyse de "L'Enfantement" révèle que le maître ne se limitait pas à créer de simples représentations visuelles, mais qu'il abordait des thèmes universels tels que la vie, la sexualité, la violence et la mort à travers un flot de formes abstraites et tortueuses. L'influence de la philosophie de Friedrich Nietzsche et l'expérience directe de Masson de la violence de la Première Guerre mondiale sont indéniablement présentes dans ses créations, qui reflètent souvent un sentiment de chaos et de destruction, mais également une quête de sens existentiel.
Giorgio de Chirico, La Tour rouge, 1913. Collection Peggy Guggenheim.
8. Giorgio de Chirico, « La Tour rouge », 1913
« Une œuvre d'art, pour devenir immortelle, doit toujours transcender les limites de l'humain sans se soucier du bon sens ni de la logique. » Avec ces mots, Giorgio de Chirico exprime sa vision artistique, caractérisée par une rupture avec la réalité tangible et une tension vers le mystère et l'énigme. Cette philosophie est parfaitement incarnée dans "La Tour rouge" (1913), l'un de ses chefs-d'œuvre de la peinture métaphysique, où la logique et la raison sont mises de côté pour créer une atmosphère surréaliste et onirique.
"La Tour rouge" présente un espace désolé, irréel, dominé par une tour cylindrique massive qui s'élève au centre de la scène. La composition est encadrée par deux arcades sombres sur les côtés, dirigeant le regard du spectateur vers la tour, protagoniste incontestée de l'œuvre. L'absence d'éléments clairs définissant le lieu renforce un sentiment d'aliénation, bien que sur le côté droit, une statue équestre apparaisse, probablement une référence au monument de Carlo Alberto à Turin, ajoutant une ambiguïté supplémentaire à la scène. Malgré la simplicité apparente, la composition est chargée d'une tension invisible, comme si quelque chose d'important était sur le point de se produire ou venait de se produire.
"La Tour rouge" est un exemple paradigmatique de la peinture métaphysique de De Chirico, caractérisée par une perspective irrationnelle et des ombres allongées, des éléments qui confèrent à l'œuvre une atmosphère onirique et mélancolique. De plus, l'utilisation de places vides, de portiques et d'architectures classiques est typique de son style, où la réalité est transformée en une scène pour des drames invisibles. L'absence de sources lumineuses unifiées et la focalisation hallucinatoire sur les objets contribuent à un sentiment de désorientation et de mystère, tandis que l'architecture solennelle et silencieuse évoque une sensation de solitude et d'attente suspendue.
Il est important de noter que, bien que Giorgio de Chirico soit souvent associé aux surréalistes, son mouvement, la peinture métaphysique, est fondamentalement différent du surréalisme, tant dans ses objectifs que dans sa vision philosophique. Ces deux tendances explorent l'inconscient et le mystère caché derrière la réalité visible, en suivant des chemins similaires mais résolument séparés.
Leonora Carrington,The Kitchen Garden on the Eyot , 1946.
9. Leonora Carrington, « The Kitchen Garden on the Eyot », 1946
"The Kitchen Garden on the Eyot" de Leonora Carrington est une œuvre imprégnée de symbolisme, représentant une scène magique et onirique dans un jardin où des éléments humains, animaux et surnaturels se mêlent, créant un environnement fantastique. La composition est dominée par un vaste espace vert entouré de murs végétaux, avec des légumes et des arbres fruitiers, bien que l’action principale se déroule au premier plan. Ici, plus précisément à gauche, se trouvent trois figures féminines interagissant mystérieusement entre elles tandis qu’un oiseau vole à proximité. Sur le côté droit, une figure fantomatique blanche émerge d’un arbre, tenant un grand œuf — un symbole récurrent dans l’œuvre — tandis qu’une figure orange semble saupoudrer de la poussière ou jeter un sort.
Pour comprendre pleinement ce qui a été décrit, il est nécessaire de se familiariser avec le langage visuel de Carrington qui, bien que fortement influencé par le surréalisme, se distingue par son intensité, l’utilisation d’un symbolisme personnel et son intérêt pour les thèmes de la métamorphose et de la magie. Il devient évident que "The Kitchen Garden on the Eyot" fusionne des éléments de la mythologie celtique, de la spiritualité ésotérique et de l’alchimie, enrichis par l’utilisation de la tempera à l’œuf, qui confère à la scène une lueur mystique. De plus, cette œuvre est significative car Carrington, comme elle le fait souvent, s’éloigne des rôles traditionnels attribués aux femmes dans l’art surréaliste, explorant la créativité et l’autonomie féminine à travers ses personnages. Ses figures, à mi-chemin entre l’humain et l’animal, incarnent des thèmes de transformation et d’identité en perpétuelle évolution.
Enfin, dans "The Kitchen Garden on the Eyot", l’œuf est sans aucun doute un élément central, symbolisant la fertilité et la création, à la fois biologique et artistique. Dans ce contexte, l’utilisation de la tempera à l’œuf accentue encore cette métaphore. De plus, le tableau, réalisé pendant la grossesse de l’artiste, reflète un lien profond avec le thème de la naissance et de la transformation, exprimé à travers des images éthérées et une iconographie mythologique.
Salvador Dalí, Marché d'esclaves avec apparition du buste invisible de Voltaire, 1940. Musée Salvador Dalí, St. Petersburg, Floride.
10. Salvador Dalí, « Marché d'esclaves avec apparition du buste invisible de Voltaire », 1940
Concluons avec un exemple plus clair du surréalisme de Dalí, représenté par un chef-d'œuvre où l'artiste combine l'ordinaire et l'extraordinaire pour créer une vision qui défie la logique et la perception. Dalí joue notoirement avec la réalité et l'apparence à travers une représentation hyperréaliste des objets et des figures, faisant apparaître le normal comme anormal, et vice versa.
L'utilisation de l'illusion d'optique est un élément central dans cette œuvre, ainsi que dans beaucoup d'autres du maître catalan. Grâce à cette technique, Dalí permet au spectateur non seulement d'observer, mais d'interpréter la composition à plusieurs niveaux, révélant des significations cachées et surprenantes au sein d'une même image. Ici, la figure de Voltaire émerge magiquement de la disposition des personnages sur le marché, exposant non seulement la fragilité de la perception humaine, mais plaçant également la composition dans un contexte philosophique profond, où la réalité et l'illusion s'entrelacent pour provoquer une réflexion critique. En effet, Voltaire, connu pour ses idées rationnelles et son opposition à l'esclavage, émerge symboliquement dans un cadre de marché d’esclaves, créant un contraste thématique frappant entre liberté et oppression.
De plus, la précision méticuleuse avec laquelle Dalí dépeint les figures et les formes est une caractéristique de son style pictural. Cependant, la composition et la signification de l'œuvre transcendent la réalité tangible, transportant le spectateur dans un monde suspendu entre rêve et réalité, où l'illusion et le symbolisme se fondent pour créer une expérience visuelle unique. Enfin, l'utilisation de couleurs chaudes et d'ombres allongées amplifie la sensation de surréalisme et de mystère, caractéristiques des œuvres de l'artiste.
Olimpia Gaia Martinelli
