Silvia Rea, Trilogie de l'âme. Huile sur toile, 80 x 100 cm.
Le portrait, un genre en constante évolution
Avant même l'avènement de la photographie, la peinture a été le moyen par lequel, depuis l'Antiquité, les grands maîtres ont étudié et immortalisé la figure humaine, la rendant éternelle. Au début, le genre n'était utilisé que pour représenter les puissants et les dieux, mais à partir du 15e siècle, il a commencé à se développer dans son sens moderne, en capturant les visages de la classe moyenne. Dès lors, le portrait s'est développé en de nombreux types différents, tels que le buste, la demi-longueur, la longueur, le profil, le portrait de famille et de groupe. Par la suite, cette représentation, enrichie par la recherche artistique de nombreux maîtres, tels que, par exemple, Albrecht Dürer, Rembrandt Harmenszoon van Rijn et Amedeo Modigliani, en est venue à manifester des solutions toujours nouvelles et inattendues, qui ont traversé les mouvements artistiques les plus variés.
Yaroslav Kurbanov, Googlekind, 2021. Huile et acrylique sur toile, 70 x 60 cm.
Stanislav Prokhortsev, homme bon, 2021. Huile sur toile, 70 x 60 cm.
Portrait "CONTRE" Art contemporain
Ce vaste contexte d'investigation et d'expérimentation inclut également des artistes contemporains, alors que, depuis quelques décennies, le portrait est accusé d'être trop démodé. En effet, le développement de la technologie, des médias sociaux et, surtout, la grande popularité de la photographie, capable d'immortaliser la réalité avec une extrême fidélité et immédiateté, ont rendu le portrait presque obsolète. Néanmoins, ce genre s'est parfaitement réinventé et, s'inspirant des grands courants artistiques du passé, a donné lieu à des interprétations nouvelles et originales. D'ailleurs, comment se passer de la magie du portrait ? L'intensité des touches de couleur sur la toile, visant à donner corps aux sentiments de l'artiste, peut impliquer l'observateur avec une force unique, qui en vient à ressentir un fort sentiment de plénitude spirituelle, presque mystique, qui le rend proche de la personne représentée. Ce concept est bien exprimé par les peintures des artistes d'Artmajeur, comme, par exemple, celles représentant des personnages masculins, dont le caractère innovant et unique a été conféré par une réinterprétation très personnelle des techniques et des styles de peinture traditionnels.
Aleksandr Ilichev, Giacometti, 2012. Peinture, 100 x 90 cm.
Aleksandr Ilichev : Giacometti
Le portrait de l'artiste d'Artmajeur Aleksandr Ilichev semble presque surprendre le maître italien Alberto Giacometti, immortalisé avec le regard de quelqu'un qui, fatigué et mélancolique, vient de lever les yeux pour regarder le spectateur. La technique très personnelle utilisée pour réaliser cette œuvre est une réinterprétation originale et contemporaine du "réalisme", dans laquelle on a ajouté une sorte de "poussière" spéciale, composée de lignes parfaitement étudiées et légères, qui se déposent aussi bien sur le visage que sur le fond du tableau. Le portrait se distingue également par sa grande capacité à impliquer émotionnellement le spectateur, car il concrétise le drame et la déconfiture auxquels le sculpteur italien veut nous faire participer.
Yiğit Dündar, Chef-d'œuvre de l'âme, 2021. Huile sur toile, 180 x 105 cm.
Yiğit Dündar : chef-d'œuvre de l'âme
La peinture de l'artiste d'Artmajeur Yiğit Dündar combine "l'hyperréalisme" avec le noir et le blanc, en l'animant avec le bleu, le bleu clair et le rose corail des couleurs qui dégoulinent le long des mains du modèle, presque comme dans une réinterprétation contemporaine du "body art" et du "dripping". L'hyperréalisme est né en Amérique à la fin des années 1960, dans le but d'imiter la réalité au plus haut niveau, empruntant parfois même des techniques à la photographie pour construire l'illusion de ses œuvres. En effet, les produits de ce mouvement artistique reproduisent si parfaitement la réalité que les œuvres semblent réelles, même si parfois leurs couleurs fortes et vives véhiculent un fort sentiment d'inquiétude. C'est exactement ce que nous fait ressentir le regard rêveur et quelque peu distrait du protagoniste de Chef-d'œuvre de l'âme, qui semble presque envoûté par une sorte de réalité parallèle à la nôtre.
Diego Palacios, Monochromefaced bis, 2020. Huile sur toile, 50 x 40 cm.
Diego Palacios : bis monochrome
L'œuvre de Diego Palacios, un artiste d'Artmajeur, est littéralement "évanescente", comme si l'artiste avait fait le portrait d'un personnage en perpétuel mouvement. Cette caractéristique rend la peinture non seulement unique et innovante, mais aussi en phase avec la culture numérique moderne, dans laquelle il est facile de rencontrer des images "déformées", modifiées. Aborder le portrait de cette manière implique probablement de connaître l'évolution des techniques photographiques, comme en témoignent certaines œuvres du pionnier de la photographie "déformée", André Kertesz. Quant à l'absence d'identité de la personne représentée, cette caractéristique particulière devient un moyen irrésistible d'attirer l'attention du spectateur qui, intrigué, espère à tout moment découvrir l'"énigme" du visage caché.
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Olimpia Gaia Martinelli
